Monsieur Montand aurait eu 100 ans!



Né le 13 octobre 1921 à Monsummano Temme (Italie), de son vrai nom Ivo Livi. La légende veut que suite à un appel de sa mère  » Ivo, Monta… », le jeune Livi décide de transformer son nom en Montand. Ce grand gaillard a grandi dans un quartier pauvre de Marseille, lorsque ses parents ont fuit l’Italie fasciste de Mussolini en 1922. Dernier d’une fratrie de 3, avec une soeur et un frère aînés, le jeune Ivo se passionne très tôt pour le cinéma, surtout les comédies musicales américaines, Fred Astaire, les numéros de claquettes. Puis il se met à chanter dans les bars marseillais, avant de partir en tournées dans la région. Il se fait une réputation et bientôt monte à Paris, où Edith Piaf l’accueille et l’aide à devenir une vedette du music-hall parisien, français, grâce notamment à des chansons comme « Les feuilles mortes », « C’est si bon », « La bicyclette ». Yves Montand, fort de ce succès scénique, qui va perdurer ensuite dans les années 70, 80, toujours accompagné de son fidèle pianiste Bob Castella, avant de décliner dans la décennie 90, va publier 19 albums entre 1952 et 1997. En 1962, il publie un album consacré à textes de Jacques Prévert, puis en 1984, il récidive en se penchant cette fois-ci sur le parolier et poète David Mac Neill. En 1988, il sort l’album « 3 places pour le 26 », qui sert de bande originale au film de Jacques Demy. Chacune de ses apparitions scéniques, à l’Olympia, est un triomphe.

Parallèlement à sa carrière de chanteur-danseur, Yves Montand va se diriger naturellement vers le cinéma. C’est Marcel Blistène dans « Étoile sans lumière « (avec Edith Piaf, Serge Reggiani, 1944) qui lui donnera sa chance, puis Marcel Carné fera de même en l’engageant, en 1946 dans « Les portes de la nuit ». Malgré tout ce n’est qu’en 1953, qu’il décroche son premier grand rôle dans « Le salaire de la peur », aux côtés de Charles Vanel, Vera Clouzot, Peter Van Eyck, Dario Moreno. Le film est un triomphe, multi-récompensé, sa prestation remarquée, carrière lancée. Suite à ce succès, Montand décide pourtant de se diriger vers les planches où il jouera « Les sorcières de Salem » (1955). Fort de ce succès, il part aux Etats-Unis, à Broadway, temple de la comédie musicale américaine, pour y tourner « le Milliardaire  » (1960) aux côtés de la star Marylin Monroe. Revenu de cette expérience américaine, il tourne « Paris brûle t-il » de René Clément en 1966, aux côtés du gratin du cinéma américain tel que Orson Welles, Kirk Douglas, Glenn Ford, Anthony Perkins, et d’autres acteurs français comme Jean-Paul Belmondo, Alain Delon, Simone Signoret (photo ci-dessous), Pierre Dux, Bruno Cremer, puis fera 3 films avec Costa-Gavras, « Z » (1969), « L’Aveu » (1969), »État de siège »(1972). A chaque fois, le succès critique est unanime. Entretemps, en 1970, on retrouve Montand à l’affiche du « Cercle Rouge » de Jean-Pierre Melville, avec Alain Delon et Bourvil comme partenaires, puis en 1971, il joue dans une comédie qui deviendra un classique plus tard. En effet, « La folie des grandeurs », de Gérard Oury, avec Louis de Funès est un triomphe. La légende raconte que l’entente entre les deux acteurs n’était pas au top sur le plateau de tournage entre les prises.

Dès lors, acteur reconnu, Yves Montand va engager les années 70 et 80 en tournant auprès des plus grands talents du cinéma français, qu’ils soient réalisateurs, acteurs, actrices. En effet, devenu un acteur majeur du cinéma français, Yves Montand se voit proposer de tourner avec Claude Sautet (photo ci-dessous, »César et Rosalie », avec Romy Schneider et Samy Frey ; « Garçon ! », avec Nicole Garcia Jacques Villeret, Marie Dubois, Bernard Fresson, Clémentine Célarié), Jean-Paul Rappeneau (« Le sauvage », avec Catherine Deneuve ; « Tout feu tout flamme », avec Isabelle Adjani, Alain Souchon, Lauren Hutton entre autres), Alain Corneau (« Le choix des armes », avec Catherine Deneuve et Gérard Depardieu ; « Police Python 357 », avec Alain Delon, Simone Signoret, François Perrier…), Pierre Granier-Deferre (« Le fils », avec Frédéric de Pasquale, Léa Massari, Marcel Bozzuffi), Yves Robert (« Vincent François Paul et les autres », avec Michel Piccoli, Serge Reggiani, Gérard Depardieu, Marie Dubois). Sacré panel d’univers.

Après une pause loin des plateaux de cinéma, il revient en 1986 interpréter magistralement le personnage du Papet (photo du dessus) dans le diptyque « Jean de Florette » et « Manon des sources », superbement filmé par Claude Berri. Ces deux films, il les tournent avec Gérard et Elizabeth Depardieu, Daniel Auteuil dans le rôle de Ugolin (qui devait initialement être joué par Coluche, finalement recalé à cause de son manque de véracité avec l’accent du sud), personnage simplet qui tombera amoureux d’une jeune bergère des collines incarnée par la débutante Emmanuelle Béart. Cette dernière sera la vraie révélation du diptyque. Les 2 films seront de très gros succès. Montand redevient un comédien recherché. En 1988, c’est Jacques Demy, spécialiste de la comédie musicale française qui fait tourner Montand dans « 3 places pour le 26 », avec Mathilda May. Montand chante et danse comme aux plus beaux jours. Hélas le film sera un échec commercial. En 1991, le réalisateur de « Diva », Jean-Jacques Beineix lui fait jouer ce qui sera son dernier rôle, dans « IP5 ». Quelques jours après une scène tournée sous la pluie et un gros coup de froid, Yves Montand tombe gravement malade et décèdera le 9 novembre dans sa maison près de Senlis. Il rejoindra ainsi sa Simone au paradis des acteurs.

Chanteur, danseur, acteur, un temps animateur de télévision (« Vive la Crise » dans les années 80, où il s’était essayé à expliquer les raison de la crise économique qui régnait alors en France et en Europe), Yves Montand aura tout fait ou presque. Seule la réalisation de films manque à sa biographie. Mais nous pouvons nous consoler avec tous les rôles qu’ils nous a laissé, à travers cette filmographie riche et très variée en types de rôles.

Guillaume.

007, Craig s’en va, un nouveau chapitre va s’écrire.


Dans l’histoire de la saga de l’agent secret britannique le plus célèbre au monde depuis bientôt 60 ans, inspirée je le rappelle des romans d’espionnage de l’auteur anglais Ian Fleming (qui fut aussi journaliste et officier du renseignement naval militaire britannique), le chapitre Daniel Craig (dernier à droite sur la photo ci-dessus) va se refermer avec le dernier épisode tourné avec cet acteur dans le rôle de James Bond, agent 007, dans le film « No time to die » sorti tout récemment (j’y reviens d’ailleurs en fin d’article).

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En effet, après 15 ans passés à endosser ce célèbre costume, d’abord dans « Casino Royale »(2006), titré ainsi en référence au film de 1967 réalisé John Huston avec au casting David Niven, Ursula Andress, Woody Allen, Orson Welles, Péter Sellers, qui narre les aventures de James Bond retiré du monde dans son château, après « Quantum of Solace » (2008), « Skyfall » (2012), »Spectre » (2015), « No time to die » (2021) est donc le dernier film de la série 007 dans lequel l’acteur incarne le célèbre agent secret britannique. En effet il a décidé de remiser le costume au placard des souvenirs de tournages, de rendre la fameuse Aston Martin à son garage, pour passer à autre chose. Lorsqu’il fut nommé en 2006, si certains professionnels comme fans absolus de 007 étaient sceptiques quant à son aptitude pour succéder à Pierce Brosnan dans le rôle de James Bond, il a très vite convaincu tout le monde, relancé la série, par son jeu dynamique, lié à un flegme tout britannique, son physique surentrainé lui permettant de réaliser parfois des cascades. La franchise James Bond ne s’est jamais aussi bien porté depuis qu’il a repris le rôle. Donc autant dire que celui ou celle (car oui, il est possible que dans le prochain épisode, ce soit bel et bien une femme qui tienne le rôle tant envié !, ce qui serait une première dans l’histoire de la saga), qui lui succèdera, portera une lourde responsabilité. Car vous le savez, jusqu’ici, seuls six acteurs, tous britanniques, ont incarnés James Bond : Georges Lazenby (ci-dessous, dans « Au service secret de sa Majesté », 1969), Sean Connery, Roger Moore, Timothy Dalton, Pierce Brosnan et donc Daniel Craig.

 

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Personnellement, j’ai découvert James Bond sous les traits de Roger Moore (Le Saint, Amicalement vôtre) dans les années 80, à la télévision lors de diffusion des films ou au cinéma. J’avais donc pu observer es prestations dans « Vivre et laisser mourir » (1973) avec Jane Seymour, puis aux côtés de Christopher Lee, Maud Adams, Britt Ekland dans « L’Homme au pistolet d’or » (1974), Barbara Bach, Curd Jurgens, Richard Kiel « Requin » dans « L’espion qui m’aimait » (1977), Michael Lonsdale, Richard Kiel »Requin », Lois Chiles Goodhead dans « Moonraker » (1979), ou encore Grace Jones, Christopher Walken, Patrick MacNee (connu pour sa participation à la série télévisée « Chapeau melon et bottes de cuir ») dans l’épisode titré « Dangereusement vôtre » (1985), m’ont marqué. Dans « Rien que pour vos yeux », en 1981, il a pour partenaire une jeune comédienne, Carole Bouquet. J’avais aussi beaucoup aimé « Octopussy »,(1983) avec Louis Jourdan, Steven Berkoff, Vijay Armitraj (ex-tennisman de très haut niveau époque Mac Enroe-Borg). 

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Puis grâce à mon père j’ai découvert les premiers James Bond, ceux incarnés par Sean Connery (ci-dessus). Quel régal. Présence, flegme, détachement, jeu juste et des films, qui s’ils ont vieilli aujourd’hui, n’en conservent pas moins un charme évident. Outre celui cité en début d’article, je peux évoquer « Bons baisers de Russie » (1963), avec Robert Shaw (« Jaws,1975, Steven Spielberg), « Goldfinger »(1964) avec Gert Fröbe (Paris Brûle t-il », « Le salaire de la peur »…), Desmond Llewelyn alias « Q » (qui d’ailleurs sera de toute la saga jusqu’à « World is not enough » (1999), Harold Sakata, « Opération Tonnerre » avec Adolfo Celli, Claudine Auger (1965). Tous de très bonne facture. Plus tard il reviendra en 1983, dans « Jamais plus Jamais » (affiche ci-dessous), où il se confronte à Klaus Maria Brandauer et sa partenaire féminine Kim Basinger. Il affrontera Barbara Carrera. La musique du film sera signée de Michel Legrand.

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Puis vient la période incarnée par Timothy Dalton, avec des films sans grand intérêt. D’abord, en 1987, « The living daylight » (« Tuer n’est pas jouer »), puis deux ans après, en 1989, « Licence to kill », avec Carey Lowell, Robert Davi, ou encore le jeune Benicio Del Toro, et toujours Desmond Lewelyn, bien sûr, dans le rôle de « Q ». Dalton est trop limité dans son jeu, celui-ci se réduisant à des jeux de regards, de sourires entendus, bref là comédie n’avait que peu de place. Dur pour lui qui possède une formation d’art dramatique théâtral. Les deux épisodes ne seront pas des succès commerciaux escomptés.

 

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Ensuite c’est l’acteur Pierce Brosnan , vu notamment dans « Mrs. Doubtfire en 1993, avec Robin Williams et Sally Field, ou encore dans « The Ghostwriter »qui date de 2010, avec Eli Wallach, Ewan Mac Gregor, James Belushi, Kim Cattrall, qui va endosser le costume du célèbre agent secret. Avec lui et son style gravure de mode au sourire ultra-bright, coiffure toujours nickel, le sens de la comédie reviendra dans le jeu. Nous le verrons d’abord dans « Golden eye » (1995), où il fait face à Sean Bean. Ce film voit aussi pour la première fois apparaître « M » sous le traits de Judi Dench. Elle sera présente dans les deux films suivants World is not enough » (1999)et « Meurs un autre jour » (2002) .Enfin il faut savoir que c’est le premier James Bond tourné après la chute de l’URSS et la fin de la guerre froide. Un très bon cru.

Les scènes de Pierce Brosnan face à Sophie Marceau dans « World is not enough » (« Le Monde ne suffit pas »), sorti en 1999, prouvent que ce duo (Sophie Marceau incarne la méchante Elektra King) fonctionne très bien. Son sens de la comédie, de la répartie, alliés à cet humour so british, cet air détaché qu’il donne à son personnage le rendent très sympathique aux yeux du public. Loin de l’image dure et froide des agents secrets. Ce film sera d’ailleurs un vrai gros succès international pour la franchise, avec Brosnan dans le costume de 007.

Nous aurons droit en 2002 à un très spectaculaire « Meurs un autre jour »(Die another day »). Ce film vient célébrer les 40 ans d’existence de la série James Bond. Il sera truffé de références au premier de la série  » James Bond contre Dr. No ». Les scènes censées se passer à la frontière de la Corée, d’où il s’échappe en char, les scènes d’escrimes, la scène finale avec l’avion en feu qui se désintègre (curieusement l’épisode 9 de « Star Wars » possède ce même genre de scène), feront de ce film un des meilleurs de la saga. Le tout sur un rythme incroyable.

En 2006, Daniel Craig prendra le relais jusqu’à aujourd’hui, avec le succès que l’on sait. « No time To Die », réalisé par Cary Joji Fukunaga, qui clôt donc sa participation à la saga 007, nous montre Craig, retiré des affaires, passé du côté de la CIA, mais rappelé par le MI6, pour résoudre une affaire suite au vol d’arme bactériologique mortelle. On y retrouve aussi Léa Seydoux, témoin de la mort de sa mère, puis plus tard, confrontée à son tueur. On découvre Craig en père de famille, tourmenté, tiraillé, loin du personnage parfois froid, lisse qu’il pouvait incarner au début et qu’il s’est évertué à rendre plus humain au fil des films.

Les cascades, courses poursuites  sont réglées superbement. La séquence d’ouverture est époustouflante. Surtout ce film nous présente la personne (je garde le mystère, vous découvrirez son identité par vous-mêmes en allant voir le film) qui va succéder à Daniel Craig pour incarner 007, ce qui d’ailleurs amène des scènes assez cocaces. Le casting est brillant, avec Ralph Tiennes (M), Rami Malek (Safin), que l’on avait découvert sous les traits de Freddie Mercury dans « Bohemian Rhapsody », rôle pour lequel il fut oscarisé, Naomie Harris (Miss Moneypenny), Anna de Armas (Paloma), Lashana Lynch (Nomi), Ben Whishaw (Q). Les lieux de tournage sont encore une fois très variés, allant de l’Italie à Cuba en passant par le Japon, le Danemark. Voir ce dernier volet vaut le coup, assurément. 
Seul bémol, la musique de Hans Zimmer, et la chanson d’ouverture, qui ne restera pas dans les annales. A propos de musiques, si donc vous connaissez évidement le thème principal composé par John Barry, vous aurez sans doute noté ces dernières années que chaque film de la saga est accompagné d’une chanson-titre interprétée par un ou une artiste. Ainsi il eu récemment Adèle pour « Skyfall » en 2012, Sam Smith pour « Writing’s on the wall » tiré de la BO de « Spectre » en 2015, mais il y a eu également au générique de la saga des artistes telles que Shirley Bassey avec « Diamonds are forever » pour le film du même titre en 1971, Tina Turner en 1995, pour « Golden eye », le groupe A-HA en 1987 pour « Living Daylight », Duran Duran avec « A view to a kill » pour le film de 1985 « Dangereusement vôtre », et donc pour le tout récent « No time to die » c’est la chanteuse Billie Eilish qui s’y colle avec « No time to die ». 

Je vous laisse avec quelques bandes annonces des différents films de la saga 007. Cela rappellera sans doute des souvenirs à nombre d’entre vous.

Guillaume.

Asia, Phoenix du rock progressif.


Pour fêter dignement ses 40 années d’existence, le groupe anglais de rock progressif Asia (photo ci-dessous), a décidé de publier un coffret qui contient de 5 cd, avec un double album live enregistré à Tokyo en, 2007, qui marquait la réunion du band initial (Geoff Downes, Steve Howe, John Wetton, Carl Palmer), ainsi que 3 albums studios, témoins de ce regroupement, à savoir « Phoenix » (2008), « Omega » (2010), enfin « XXX » (2012). De quoi nourrir donc la curiosité des fans comme de celles et ceux qui ne connaitraient pas encore ce groupe, malgré sa déjà longue et riche carrière tant scénique que discographique. Ce groupe a en effet publié 12 albums entre 1982 (« Asia ») et 2014 (« Gravitas »). Dont 7 portent un titre avec pour base la lettre A (outre Asia déjà cité, Alpha, Astra, Aqua, Aria, Arena, Aura).

A titre personnel, j’avais découvert ce groupe à l’orée des 80’s, lors de la sortie de leurs deux premiers albums, « Asia » en 1982 suivi de « Alpha » en 1983. Pochettes au design très élaboré, musique très planante, orchestrations faisant parfois penser à du Supertramp (deuxième photo ci-dessus) ou à des groupes tels que Genesis période Peter Gabriel, ou encore Barclay James Harvest, Yes ou Rush. La seule chose qui les détachait des groupes précités étaient la voix de Greg Lake (bien que celles de Rick Davies ou Peter Gabriel soient de très bon niveau) et ce son de claviers-synthés très particulier, moderne, aérien. Dans ces albums, j’avais pu découvrir des titres comme « Heat of the moment« , « Don’t cry« , ou encore le très beau « Sole Survivor « . De purs joyaux. 

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Mais revenons au coffret qui nous occupe, le fameux « Reunion Albums, 2007-2012 ». Sur le double live enregistré à Tokyo en 2007 (pochette ci-dessus) marquant les vraies retrouvailles du groupe, il est possible de découvrir des perles comme « Time again », « Wildest dreams », « Cutting it fine », le célèbre « Don’t cry », ou encore le complexe « Fanfare for the Common man ». Ce qui saute aux yeux sur ce double live, c’est que les comparses ont tout de suite retrouvés leurs marques musicales, faisant du même coup renaître la magie de leurs compositions. Bien sûr, la voix de John Wetton n’est plus tout à fait la même mais se défend cependant très bien lorsqu’il s’agit de monter un peu haut. Les plus grincheux diront certainement que le son a un peu vieilli, mais là encore, le groupe a apporté un soin particulier afin de faire en sorte que ses anciennes compositions reprennent une fraicheur bienvenue. Et ça fonctionne. Ce qui saute aux oreilles, c’est la différence entre l’aspect propre, très léché, presque clinique parfois des morceaux en versions studios et leurs restitutions en live, plus échevelées, plus rock dans l’esprit. On passe même parfois du rock progressif au jazz-rock dans le même morceau. Les compères s’en donnent à coeur joie.

Sur « Phoenix« , qui donc date de 2008, soit un an après la reformation du groupe, si les musiciens ont pris de l’âge, ce qui frappe l’auditeur, c’est que leur musique reste puissante, dynamique, mélodique, et que John Wetton semble de retour avec une voix en pleine possession de ses moyens. « Never again » ouvre joliment l’album. Le quatuor est en osmose totale. S’ensuit le superbe « Nothing’s Forever », avec introduction d’une guitare acoustique aux accents flamenco, jouée par le talentueux Steve Howe. Figure aussi un triptyque « Sleeping giant / No way back / Reprise », qui mélange parties instrumentales et chantées dans une maîtrise remarquable. La chanson « I will remember you » est un pur joyau avec son introduction de cordes (violons), mélodieux à souhait. Le reste du disque est au diapason, une enfilade de morceaux soyeux, virtuoses, parfois qui pourraient être de vraies saga, mais une chose est sûre, l’auditeur ne s’ennuie pas une seconde en écoutant ce disque.

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Passons maintenant à « Omega« , sorti en 2010. La pochette (voir ci-dessus), un regard de tigre avec deux yeux bleus, genre tigre des neiges. Et ça démarre fort avec « Finger on the Trigger », un morceau entraînant, solide. « Through my veins », qui suit, est magnifique de subtilité, de musicalité. Certains titres sont plus ronflant tels « Listen, children » ou « End of the world ». Le titre « Emily » est une belle composition. Sur cet album résolument plus pop que ses prédécesseurs, on trouve un titre « I’m still the same », qui illustre cela. Gros son, rythme soutenu, avec des synthés peu originaux pour une fois. « There was a time » nous plonge dans une ambiance médiévale. Plaisant. Le rythme est celui d’une promenade dans les landes irlandaises ou écossaises. Dépaysant.

Pour terminer cette chronique, intéressons-nous au dernier album de ce coffret, à savoir « XXX« , publié en 2012. Sur la pochette verte (au-dessus), un dragon survole une nature luxuriante. Preuve des préoccupations du groupe. Préserver la nature, le monde qui nous entoure. Là encore, nos gaillards britanniques démarrent pieds au plancher avec « Tomorrow the World », une ode à la Terre. Ensuite arrive « Burry me in the willow », qui a tous les atouts d’un tube, et d’une chanson à reprendre en choeur par le public en concert. « No religion » est aussi un excellent titre, tout comme « I know how you feel ». Le clavier martelé donne le tempo du morceau, puis tout s’envole progressivement. « Face on the bridge » est très rock, loin des aspects progressif connus de leur répertoire. Pour terminer cet album, deux titres, « Reno (Silver and Gold) » et « Ghost of à chance ». Si le premier s’avère à les yeux assez classique et donc fort peu intéressant, le second qui renoue davantage avec l’essence de la musique de ce groupe, emmené ici par la voix retrouvée John Wetton, est marquant par son amplitude orchestrale. Je l’imagine joué par un orchestre symphonique. Ce serait sublime.

En conclusion, ce coffret très complet nous donne l’occasion de redécouvrir un des plus importants groupes de rock progressif qui a vu le jour dans les années 80, remettant au goût du jour un style musical qui datait de la décennie précédente. Ne boudez pas ce plaisir.

Guillaume.

Lucia D, musicienne de Fontenay.


Certains jours, la vie réserve des surprises. Venue nous déposer elle-même son premier album, Lucia Dorlet alias Lucia D est une musicienne fontenaysienne, guitariste-chanteuse en l’occurence. « Amiam« , titre de son premier opus musical, est enregistré en formation restreinte, puisque ne dépassant pas trois musiciens maximum. Elle y est en effet accompagnée de Léonce Langlois Favier au piano, et Julien Guerouet aux choeurs.

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« Amiam » est donc composé de 7 titres, le premier étant « mes poèmes », le dernier « Sous mille feux ». Ce qui frappe d’entrée, outre la voix douce et légère de Lucia (photo ci-dessus), parfois même haut perchée, c’est la qualité d’écriture des textes pour décrire un ressenti, un amour perdu (« Amiam »). Dans « Fontenay-sous-Bois », elle évoque avec nostalgie ces souvenirs d’un temps passé dans notre ville, sur fond de piano. « Better days », seul titre chanté en anglais de l’album, soutenu de sa seule guitare acoustique, démarre doucement puis s’emballe un peu avec l’arrivée du piano et des choeurs. De quoi donner un peu d’épaisseur au morceau. « Ibrahim », raconte encore un amour, mais pour le cas, en plusieurs langues, français, espagnol, arabe, et avec un piano certes présent mais sans en faire trop. « Claire », une belle ode à sa soeur. Là encore l’écriture est très soignée, précise, presque littéraire. Pour finir ce premier mini album de 7 titres, Lucia D nous offre « Sous mille feux ». Une chanson sur un amour renaissant de ses cendres. Le piano se fait lyrique, superbe. L’ensemble de « Amiam » est agréable à l’écoute mais je ne peux m’empêcher de penser que la présence d’une basse ou contrebasse, voire parfois d’une guitare électrique, pourraient donner plus de densité à ce répertoire tout en gardant son aspect intimiste. Si cette jeune artiste se produit non loin de chez vous, poussez la curiosité, n’hésitez pas à la découvrir sur scène. Nul doute que vous passerez un joli moment.

Guillaume.

Miles Davis, 30 ans déjà!



Ce 28 septembre 1991, il y a 30 ans, fut une journée sombre pour le jazz, pour la musique. En effet s’éteignait ce jour-là l’un des géants de l’histoire du jazz moderne, une figure emblématique qui a révolutionné, par son jeu, sa personnalité, son charisme, le monde du jazz en cours jusqu’à son arrivée dans les années 50. Sa disparition a fait l’effet d’un choc dans le monde du jazz, mais également au-delà tant, au fil des décennies, Miles Davis était devenu une icône, une marque, un modèle pour tout un tas de musiciens, y compris ceux ne venant pas du creuset du jazz.

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On peut citer parmi ceux qui l’ont accompagné, les Bill Evans (le pianiste ci-dessus, puis plus tard le saxophoniste homonyme), John Coltrane, Sonny Rollins, pour la période des années 50. Ensuite, des années 60 à 80, il a engagé, formé des musiciens comme Herbie Hancock, Wayne Shorter, Chick Corea, qui l’a rejoint en 1968, à la place de Herbie Hancock, pour assurer quelques shows, et qui confie une anecdote étonnante sur ses conditions d’engagement et ce que lui demanda Miles Davis, je vous laisse découvrir cela dans la play-list en fin d’article. Autrement, Joe Zawinul, Kenny Garrett, John Mac Laughlin, Mike Stern, Tony Williams ont également évolué au côtés du trompettiste. Avec eux il va défricher les terres du jazz fusion, du jazz-rock, que ses musiciens perdureront à développer  par la suite en créant des groupes devenus références tels que Weather Report, Mahavishnu Orchestra, Return To Forever.
Car Miles Davis est dès le début de sa carrière un perfectionniste, un chercheur, qui sait repérer les talents de demain, et leur sert de mentor. Il a joué ce rôle de figure tutélaire jusqu’à la fin de sa carrière.

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Il a évidemment contribué à la création et l’émergence du courant bebop (1944-1948), aux côtés de Charlie Parker, Dizzy Gillespie, puis s’est frotté à tous les styles de jazz ou presque, puisqu’il a créé le cool jazz, avec le fameux album « The birth of Cool », aidé par un producteur nommé Gil Evans, paru en 1950. Vinrent ensuite le hard-bop, entre 1949 et 1955, qui correspond à son retour aux Etats-Unis, après un long sejour en Europe et surtout  à Paris où il fréquente certaines figures artistiques de Saint-Germain ,en particulier  Juliette Gréco,avec qui il vivra une belle histoire. Ne pouvant la ramener aux États-Unis pour l’y épouser ( le contexte social, politique et racial ne s’y prêtait pas), et Gréco bloquée à Paris par sa carrière, l’histoire se termine un peu brutalement. Miles Davis, déprimé, commence alors à tomber dans la drogue dure, cocaïne, héroïne. Il enregistre avec Sonny Rollins, Billie Holiday, Sarah Vaughan, termine de se battre contre son addiction dans la ferme de son père, puis, remis, réunit Kenny Clarke et Horace Silver pour écrire une nouvelle forme de jazz: le hard bop.
À la fin des années 50, alors devenu un musicien qui compte, Davis enregistre des albums comme, « Miles Ahead » (1957), »Porgy and Bess » (1958), »Sketches of Spain » (1959-1960), ou des morceaux tels que le « Round Midnight » de Thelonious Monk. En 1959, Miles Davis écrit un album qui constitue bientôt une pierre angulaire de son oeuvre musicale :  » Kind of Blue », essentiellement basé sur des improvisations sur des pièces qu’il a composé. Ensuite, en 1963, à ses côtés il intègre Ron Carter, Herbie Hancock, Wayne Shorter, Tony Williams. Du sang neuf, pour un pas en avant vers le jazz électrique. En 1966, le groupe enregistrera « Miles smiles », puis ce sera « Sorcerer » et « Nefertiti » en 1967.
Alors que se faufile une révolution stylistique et sonore à l’autre des 70’s, Davis en profite pour peaufiner une musique jazz qui soit au rendez-vous de ce carrefour des genres jazz et rock. Le meilleur exemple en est l’album « Bitches Brew »(1970), sur lequel apparaissent le guitariste écossais John Mac Laughlin et le claviériste autrichien Joe Zawinul.

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Si aux Etats-Unis, malgré le racisme ambiant, il est assez vite devenu un musicien reconnu qui avait pignon sur rue et tournait sans trop de difficultés, ce qui pour un musicien noir à l’époque, était une vraie performance. En France, il s’est fait connaître en réalisant en une prise (!), pendant sa projection, la musique du film « Ascenseur pour l’échafaud » (1958) de Louis Malle, avec la jeune Jeanne Moreau. Un tour de force qui marqua les esprits et forgea encore davantage sa légende.

Miles Davis était un perfectionniste. Jusqu’à l’insupportable pour certains des musiciens et techniciens qui l’ont côtoyés tout au long de sa carrière. Mais il savait reconnaître le talent de ses partenaires, et leur laisser champ libre quand cela était utile pour la musique et pour le le show sur scène. Nombre d’entre eux, de John Coltrane à Chick Corea, en passant par Mike Stern, Herbie Hancock, John Scofield, et j’en oublie, ont tiré bénéfice d’avoir été partenaires du maître.

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Musicalement, si Miles Davis était un homme ouvert d’esprit (son album posthume « Doo bop », photo ci-dessus, sorti en 1992, aux influences rap en est la parfaite illustration), il était également à l’affût de tout, du moindre incident musical sur lequel il pourrait éventuellement rebondir. Chick Corea raconte à ce sujet qu’un soir, lors d’un concert, il commet une erreur d’accord au piano, jouant ainsi une mauvaise note. « Immédiatement, dit-il, Miles s’est tourné vers moi, s’est servi de cette fausse note pour démarrer un solo ». Le génie dans sa plus belle expression. A l’affût de tout. Pour servir son art, la musique. A propos de se tourner, Miles Davis avait pris une habitude, très tôt, celle de tourner le dos au public parfois pendant ses concerts, sur certains morceaux, ce qui fut pris par le public et les critiques de l’époque pour du mépris. Il gardera cette habitude tout au long de sa carrière, expliquant que c’était une façon pour lui de mieux être en harmonie avec son instrument, avec ses musiciens.
Malgré un succès qui ne se dément pas, des collaborations et projets à foison, Miles Davis, comme tout artiste, génial de surcroît, connaît des périodes de doutes très fortes. C’est ainsi qu’entre 1974 et 1979, le trompettiste va se retirer du monde qui l’entoure, de la scène, des studios, pour ne se consacrer qu’à lui-même. Une parenthèse sans création qui va s’avère bénéfique et salvatrice pour Davis. Plus tard, lors d’une interview donnée lors d’un passage à passage à Paris en 1989, il évoquera cette période et dira qu’il a mis 3 ans à retrouver ce son si particulier qui est le sien. « Certains jours je me suis trouvé vraiment nul », confie-t-il.

Dans les années 80, il fera appel au bassiste et producteur Marcus Miller (David Sanborn, Luther Vandross..), qui collaborera avec lui sur tous les albums au cours de la décennie (« The man with the horn » ; «  »We want Miles » ; « Star people »; « Tutu », qui fera un carton à sa sortie ; « Music from siesta » ; « Amandla », qui marque un retour aux racines africaines). Dans la décennie 80-90, Miles Davis, outre Marcus Miller, va engager nombre de jeunes musiciens de la scène jazz-rock, à savoir John Scofield, Mike Stern, le bassiste Darryl Jones (aujourd’hui au sein des Rolling Stones), les saxophonistes Kenny Garrett et Bill Evans, mais aussi le percussionniste Mino Cinelu. Avec eux, il va donc construire un nouveau répertoire, plus rock, un nouveau son, aidé par Marcus Miller. Il va ainsi permettre à un public plus large de venir au jazz, dont il jugeait l’audience trop limitée. Par ailleurs, il va s’attaquer au répertoire d’icônes de la pop-music comme Michael Jackson ou Cindy Lauper. Ainsi il sort des sentiers du jazz, devient un musicien qui transcende les genres musicaux. Finie l’image du pur jazzman, Miles Davis est devenu lui aussi un pop-star. Pour enregistrer « Tutu » en 1986, en conflit avec sa maison de disques, qui ne lui accorde pas les droits sur ses propres morceaux, il s’en remet donc à Marcus Miller. La collaboration sera un franc succès, l’album aussi. Du coup, ils remettent ça en 1989 pour « Amandla ». Là aussi, le succès est au rendez-vous. Preuve qu’il est devenu un musicien apprécié des stars du rock, le groupe américain Toto l’appelle pour jouer sur « Can’t stop me now », qui figure sur l’album « Farenheit ». Dans la foulée il enregistre des sessions avec le regretté génial Prince. Il existe parait-il un disque témoin de cela, mais il est enfermé dans le coffre fort de Paisley Park, la résidence-studios où résidait et enregistrait le kid de Minneapolis.

Jusqu’à son décès, ce fameux et triste 28 septembre 1991, il va multiplier les disques, concerts, en Europe notamment, dans les grands festivals comme celui de Vienne. Véritable star mondiale, ayant dépassé depuis longtemps, par sa volonté, les simples frontières du jazz, Miles Davis est demandé partout. Chaque grand festival veut s’enorgueillir de sa présence, ce qui garantit des recettes commerciales et des retombées médiatique importantes. Le musicien-star est devenu un produit qu’on s’arrache.

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En 2014, pour rendre hommage à cet immense artiste, l’acteur américain Don Cheadle (photo ci-dessus) lance une souscription pour financer un film sur Miles Davis, qui s’appellera  « Miles Ahead« (affiche ci-dessus), en référence à l’album du même nom sorti en 1957, avec également Ewan Mac Gregor. Don Cheadle apprend la trompette pour l’occasion, mais ce sont bien les morceaux de Davis qui servent la bande-sonore du film. Le film sortira en octobre 2015 au festival de New-York.

Parti alors qu’il avait sans aucun doute encore beaucoup de musique à créer, partager, de rencontres nouvelles à initier, de talents à révéler, il laisse un héritage musical immense qui court sur près de 50 ans, varié, complexe, à la hauteur du musicien prolifique qu’il était, . Son empreinte est indélébile dans l’histoire du jazz, dans l’histoire de la musique du 20ème siècle. Il y a un avant Miles Davis. Il y a désormais,1991, un après Miles Davis. Nombre de jeunes musiciens, trompettistes ou simples compositeurs, perpétuent son oeuvre, son travail.

Guillaume.

Malmsteen, l’imagination évaporée.



Par le passé, j’ai déjà chroniqué ici ce guitariste. Le virtuose suédois Yngwie Malmsteen, après des productions précédentes, « Blue Lightning » (2019) et « World on fire » (2016) d’inégales qualités, revient avec un nouvel album, sobrement intitulé « (Si vis Pacem) Parabellum« , au dessin de pochette totalement raté. Il nous livre ici une oeuvre qui, si elle contient comme d’habitude des morceaux de musique classique, cette fois écrits par lui-même, ne m’est pas apparu comme un grand disque du génie nordique. Je m’explique.

Depuis 1984 et la sortie de son premier disque « Yngwie.J Malmsteen », avec une pochette représentant une guitare prise dans un feu, je l’ai découvert et apprécié dans les albums suivants comme « Rising Force », puis « Trilogy », « Odyssey », qui révélaient un instrumentiste surdoué, rapide, capable de jouer des oeuvres de compositeurs classiques à la guitare électrique (notamment Bach, Paganini, Vivaldi), j’avais vu évoluer ce musicien génial au fil des albums. Son caractère ombrageux, mégalo, parfois tyrannique avec ses musiciens, sur scène comme en studio, ont très vite fait de le cataloguer comme un personnage compliqué, difficile à gérer. Mais n’est-ce pas une firme de destin des génies, dans le cas qui nous occupe, dans le hard-rock ? Ritchie Blackmore (Deep Purple, Rainbow), ou encore Tony Iommi (Black Sabbath), voire Michael Schenker (MSG), ont eu le même genre de réputation.

Pour en revenir au suédois qui nous occupe ici, ses derniers disques étant inégaux en qualité, chaque nouvel album reste néanmoins un événement dans la sphère du Hard-rock. Je ne savais pas à quoi m’attendre avec sa dernière production musicale, « Parabellum« .

Force est de constater que ce disque  qu’il produit et dont il a écrit tous les morceaux, contient quelques pépites mais beaucoup de choses restent sans trop de saveur, la faute sans doute à deux éléments que sont le manque de réelles inspirations, l’autre que si effectivement, il sait depuis toujours adapter de fort belle manière les morceaux de musique classique, là aussi cela devient pour l’auditeur une non surprise, car sa dextérité est souvent accompagnée voire couverte par un son énorme de basse-batterie. Ça gâche le propos.

Dès le départ, c’est un tonitruant « Wolves at the door », qui nous cueille. D’abord lourd et insipide, le morceau devient intéressant dès que Malmsteen passe en mode classique, pendant que la batterie agit comme un rouleau compresseur. « Presto Vivace in C minor » qu’il a lui-même écrit, semble une pale copie d’un morceau de Vivaldi. Le titre suivant, « Relentless fury », nous fait retrouver cette rythmique lourde, une voix intéressante, et un clavier inaudible (ah bon il y en a un ???). Le reste, c’est le prodige suédois qui s’en occupe. Sans forcer son talent, il assure, mais ça ne surprend jamais l’auditeur. Nous voilà rendus au titre éponyme de l’album « (Si vis pacem) Parabellum ». Un train lancé à toute allure nous déboule pleine face, le sentiment que la batterie va exploser, un clavier enfin audible et une guitare virevoltante. Malmsteen tient peut-être là son hit de l’album. « Eternal bliss », qui suit, démarre comme une balade, guitare en mode acoustique. Le chant est clairement mis en avant. Plaisant. Puis le maître reprend le dessus et délivre un solo, qu’on a le sentiment de lui avoir déjà entendu jouer. Ensuite, c’est une Toccata, écrite par lui-même, qu’il nous délivre. Le côté fast and furious de son jeu, comme de cette batterie omniprésente, rend le morceau vraiment décevant. « God Particle » semble un brin aérien, mélodieux, puis avec « Magic Bullet », Malmsteen endosse à nouveau le costume de mangeur de notes jouées ultra rapidement. Sans feeling, ni émotions. Pour terminer cet album, nous avons droit à « (Fight) The Good Fight » sans intérêt avant de découvrir « Sea of Tranquility », morceau loin d’avoir un caractère lunaire.

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A l’inverse de ses confrères Steve Vaï ou Joe Satriani (photos ci-dessus), qui eux, album après album, cherchent à se renouveler, et y parviennent en expérimentant des sons, des mélodies nouvelles, avec un son résolument moderne, puissant certes mais parfaitement maîtrisé et au service d’une technique irréprochable, écouter Malmsteen devient avec le temps une gageure. Car oui, bien entendu, lui aussi maîtrise son instrument comme peu de ses confrères le pourraient, néanmoins, avec les années, on en vient à chercher le plaisir, le morceau qui sur chaque nouvel album fera date et deviendra un standard de son répertoire. 

Au final, vous l’aurez compris, j’ai été fort déçu par cet album d’un guitariste qui ne semble plus savoir comment rester au top. Sa source musicale se tarit et c’est fort dommage tant le musicien est talentueux.

Je vous laisse avec des extraits de son nouvel album, ainsi qu’avec d’autres vidéos montrant le talent du guitariste suédois.

Guillaume.

Sélène Saint-Aimé entre dans la danse.


« Mare Undarum » est le premier opus que concocte, pour notre plus grand plaisir d’auditeurs-trices mélomanes la contrebassiste-chanteuse française Sélène Sain-Aimé. Si à l’origine, Sélène se prédestinait davantage au chant qu’à la contrebasse, lorsqu’elle vit Avishai Cohen, elle a eu comme une révélation, au festival de jazz de Sannois, alors qu’elle y travaille en tant que bénévole. C’est l’occasion de la découverte du jazz. Donc, désormais la contrebasse qui aura ses faveurs. D’autant que selon elle, cet instrument pourtant massif, offre la possibilité de jouer très rapidement en groupe, que ce soit en duo, trio ou plus. détestant les étiquettes, elle refuse obstinément, et je trouve qu’elle a cent fois raison d’être comparée à la contrebassiste américaine Esperanza Spalding. Chacune possède une démarche, un univers bien distinct. Spalding navigue depuis près de dix ans dans le monde du jazz, Sélène Saint-Aimé y débarque discographiquement, bien qu’ayant déjà bénéficié de collaborations prestigieuses telles que celles de Ron Carter ou Steve Coleman, qu’elle avait rencontré à Montreuil, en région parisienne, lors d’une master class, avant de le suivre à New-York et de bénéficier de ses conseils avisés, de sa rigueur, de son approche musicale.

Cette musicienne curieuse de sonorités diverses, s’envolera pour Cuba, le Maroc ou la Martinique, terre de ses racines, sans oublier quelques incursions en terrain classique avec des adaptations de Villa-Lobos ou Moussorgsky. Et le « Mare Undarum » est le résultat de ces voyages, de ces nourritures sonores ingurgitées, digérées patiemment, tranquillement. Mais justement arrêtons-nous dessus.

C’est justement « Mare undarum, part.1 » qui ouvre l’album. Ce qui frappe d’entrée l’auditeur est l’aspect free, un brin éclaté du morceau, avec d’abord la voix puis la contrebasse et ensuite le reste des instruments qui s’insèrent, conférant une ambiance des plus étranges. « Feuillée et Beer » est sur cette même lancée, cependant ici Sélène Saint-Aimé nous convie à un dialogue entre la voix et la contrebasse. Avec « Paene Umbra : Chez Rosa B. », la contrebassiste laisse parler son imposant instrument. Très beau. Avant de s’exprimer de manière très courte, puis de laisser son instrument reprendre le lead. Elle lui laisse libre cour, le rendant très expressif. D’abord intimiste, le morceau se termine sur un aspect fanfare, qui laisse à penser qu’en live, ça peut vite aller plus loin. « Valsa Choro » est donc une valse, lente pour le coup sur laquelle vient se poser la voix de Sélène en un langage inventé. Après, c’est un « Rings of Neptune », morceau ou percussions et trompette sont en lead, entraînant, presque envoûtant. Sur « Partialis », elle nous offre sa voix en ouverture, d’abord en vocalises puis cela s’enchaîne avec le deuxième chapitre de « Mare Undarum », sur fond de contrebasse et percussions, elle se fait récitante, puis la voix se retire, un violon prend place, plaintif, blessé. Fidèle à sa démarche Sélène Saint-Aimé, nous emmène par sa voix, dans des sphères proches de la folie, tandis que les instruments agissent en contrepoint. Dans « Totalis », elle conserve cette dualité musique-voix chantée, ce caractère mystérieux. Comme sur le reste du disque, l’ambiance se veut très aérée, épurée même parfois. Enfin pour terminer son album, la contrebassiste nous propose un « Cum mortuis in lingua mortua », ce qui pour moi ressemble à une sorte de marche funèbre. Une fin étrange et bien sombre pour un album plutôt lumineux, aérien, prometteur, qui donne envie d’écouter la suite le plus vite possible. L’ensemble de cet album est très agréable à écouter, parfois déroutant, mais il nous amène vers des rivages sonores et rythmiques inattendus. Et c’est ce qui parfois fait le sel des découvertes, la belle surprise. Car ce disque révèle l’évidence : Sélène Saint-Aimé possède talent et personnalité. 

Guillaume.

Happy 50’s birthday To the Persuaders.


1971 est une année à marquer d’une pierre blanche dans l’histoire des séries télévisées. En effet, l’une d’elles, d’origine anglaise intitulée « The Persuaders« , regroupant deux acteurs aux personnalités opposées, à savoir l’anglais Roger Moore, et l’américain Tony Curtis, va débarquer sur les écrans de télévisions anglais d’abord, puis français sous le nom de « Amicalement vôtre« . Le premier épisode sera diffusé à la télévision anglaise le 17 septembre 1971, le dernier le 25 février 1972, soit seulement 24 épisodes. Une vie télévisuelle courte pour une série qui va devenir pourtant culte. A la télévision française le premier épisode sera diffusé le 3 octobre 1972. Le public adhèrera immédiatement à ces deux héros dont les aventures deviennent un rendez-vous télévisuel le samedi après-midi. Roger Moore et Tony Curtis, déjà stars de cinéma, vont « rencontrer » un nouveau public, celui des téléspectateurs de l’époque, puis génération après génération, cette série va devenir un classique, un repère quand on évoque le mot « série télévisée ». 

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Dans la série, Roger Moore incarne Lord Brett Sinclair, descendant d’une longue lignée aristocratique anglaise. Tony Curtis lui joue le rôle de Danny Wilde, expert en finances, qui a réussi dans les affaires. Bien que tout les oppose, origines, éducations, études, milieu social, langage, fortune, un juge à la retraite, le juge Felton, interprété par  Laurence Naismith, va les associer pour résoudre différentes affaires criminelles. Leur haine commune de l’injustice devrait suffire à les réunir. L’alchimie se fera d’elle même pense t-il. La rencontre est d’ailleurs le thème du premier épisode de la série, autour d’une affaire qui se passe à Monaco. Pour compléter le portrait des 2 hommes, chacun roule dans une voiture de sport particulière. Ce sera une Ferrari Jaune, une Dino 246 GT jaune (première photo ci-dessus) pour Tony Curtis-Danny Wilde et une Aston Martin DBS bleu marine (deuxième photo ci-dessus) pour Roger Moore-Lord Brett Sinclair. Enfin la musique de la série, notamment du générique, à été confiée à un certain John Barry (photo ci-dessous, auteur parmi d’autres, des musiques des « James Bond », mais aussi de « Danse avec les Loups », « Out of Africa », »Macadam Cowboy », « King Kong », »Le jeu de la mort », « Cotton Club », « Chaplin », ou encore « La poursuite impitoyable »). Puisque j’évoque le générique, l’idée géniale de mettre en parallèle les 2 protagonistes à travers des photos personnelles ou des montages pour l’occasion, est une superbe trouvaille, qui tranche avec les génériques habituels, parfois lourdingues. Un vent d’air frais souffle avec cette nouvelle série, et le ton rempli d’humour anglais, les allures résolument modernes et décontractées de Moore et Curtis à l’écran, leur complicité de jeu évidente, en plus de la mise en scène souvent très réussie des épisodes successifs, rend cet « Amicalement vôtre « attrayant, agréable à regarder.

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Mais pour que cette série anglaise fonctionne à l’étranger, notamment en France, il faut trouver des acteurs qui assurent un doublage de grande qualité et fidèle à l’esprit initial. La tâche fur confiée à Michel Roux pour doubler Tony Curtis, Claude Bertrand pour être la voix française de Roger Moore. Laurence Naismith quant à lui sera doublé successivement par Emile Duard puis Jean-Henri Chambois. 

On le dit souvent, mais là ce fut vraiment le cas, le doublage très réussi par Michel Roux et Claude Bertrand, à fait de ces personnages des êtres attachants, drôles, parfois maladroits, bref en somme très proches des archétypes français, ajoutez à cela une dose d’action, d’humour un rien british, d’autodérision également, et vous obtenez une série qui à l’époque a très vite séduit les téléspectateurs-trices français-ses. Cette série, dans sa version française, sera d’ailleurs, après sa première période de diffusion, rediffusée plusieurs fois dans les années 80 lors d’après-midi consacrées aux séries télévisées, aux côtés des autres classiques de l’époque telles « Les Mystères de l’Ouest », « Les Envahisseurs » (chers à David Vincent), « Cosmos 1999 » ou encore « Dallas ». Je suppose que ces noms vont rappeler des souvenirs à certains-certaines d’entre vous. En France, très souvent, les séries anglaises ou américaines, donc les acteurs ou actrices américains-nes avaient une vraie popularité grâce au travail de doublage effectué, et souvent d’ailleurs, cela débouchait sur des collaborations à distance à long terme entre les acteurs-trices concerné(e(s) et les comédiens-comédiennes chargé(e(s) du doublage. 

Cette série fête donc cette année ses 50 ans d’existence. Comme disent nos cousins anglo-saxons : Happy Birthday  dear Persuaders ! Et comme on dit en France : Amicalement Vôtre !

Je vous laisse avec le générique mythique de cette série, sous trois formes différentes, ainsi que quelques-unes des musiques de films écrites et orchestrées par John Barry.

Guillaume.

Belmondo, Eternel Magnifique.


Il y a des jours, on n’aime pas écouter les infos. En ce 6 septembre 2021, une nouvelle est venue assombrir une journée pourtant placée sous le signe du soleil. En effet, vers 16h30, les médias ont annoncé le décès de l’un des derniers géants du cinéma français, un star qui a traversé plusieurs générations de comédiens, de réalisateurs, joué dans de multiples registres. Jean-Paul Belmondo, fils du sculpteur Paul Belmondo, à qui il avait d’ailleurs rendu hommage en ouvrant un musée à son nom, est donc parti rejoindre ses amis Gabin, Blier, Ventura, et la bande du Conservatoire, Marielle, Rochefort, Noiret, Bedos, Cremer, au Paradis des acteurs. Michel Audiard sera content de lui tailler à nouveau des dialogues sur mesure. Nul doute qu’il a été bien accueilli Là-Haut.

Apparu à la fin des années 50 sur grand écran, dans « sois belle et tais-toi » (1957) de Marc Allégret, sur lequel il rencontre et se lie d’amitié avec un débutant nommé Alain Delon, il connaitra le début du succès grâce au cinéaste franco-suisse Jean-Luc Godard qui le fait tourner dans « A bout de souffle » (1960), aux côtés de Jean Seberg. Avec Godard, il tournera deux autres films, « Une femme est une femme » en 1961″ puis « Pierrot le fou » en 1965. Puis très vite, des réalisateurs comme Jean-Pierre Melville vont le solliciter pour tourner « Léon Morin Prêtre » en 1961, puis « Le Doulos » l’année suivante. En 1962, il s’essaye à un nouveau registre, le film d’époque, sous la caméra de Philippe de Broca, dans « Cartouche ». Cette même année il tournée « Un singe en hiver » de Henri Verneuil (première photo ci-dessus), aux côté du patriarche du cinéma français de l’époque, Jean Gabin, avec des dialogues signés Michel Audiard, et du troisième homme, Paul Frankeur, avec également Suzanne Flon. Puis ce sera les succès, d’abord « L’homme de Rio » de De Broca, « Cent Mille dollars au soleil » où il retrouve Henri Verneuil, avec comme complices de jeu Lino Ventura, Bernard Blier (deuxième photo ci-dessus) ainsi que Gert Fröbe, et donc en 1965, le fameux « Pierrot le fou » de Jean-Luc Godard. Après un petit rôle dans le film-fresque « Paris brûle-t-il? » (1966), aux côtés de Alain Delon, Yves Montand, Pierre Dux, Kirk Douglas, Glenn Ford, Anthony Perkins, Orson Welles. En 1969, il va se tourner résolument vers la comédie avec des films comme « Le cerveau » de Gérard Oury, où il côtoie Bourvil et le comédien anglais David Niven, puis « La sirène du Mississippi », réalisé par François Truffaut, avec pour partenaire féminine Catherine Deneuve. Après il s’est mis au polar en tournant « Borsalino », avec son ami Alain Delon, en 1970, sous les ordres de Jacques Deray, avant de retrouver Henri Verneuil dans « Le Casse », en 1971, avec pour partenaire de jeu Omar Shariff. Par la suite il tournera « L’héritier » de Philippe Labro en 1972, « l’Affaire Stavisky » d’Alain Resnais en 1974, « l’Alpagueur » et « Le corps de mon ennemi » en 1976, respectivement avec Philippe Labro et Henri Verneuil, qu’il avait côtoyé pour « Peur sur la ville » en 1975.


Dans la décennie suivante, il se cantonne à des rôles de flic solitaire, aux méthodes parfois musclées, pour dénoncer les réseaux de trafic de drogue, et tout ce qui a trait au grand banditisme. Après avec « Le Guignolo », comédie de 1980, qui rassemble Pierre Vernier, Michel Galabru, Philippe Castelli, La fameuse scène finale de son échappée suspendu à un hélicoptère au dessus de Venise est dans toutes les mémoires (photo ci-dessous).


En 1981, il interprète Joss Beaumont, mercenaire mandaté pour abattre un chef d’état africain en visite en France dans « le Professionnel », film où il retrouve Pierre Vernier, Michel Beaune, Robert Hossein. Ce film sera un gros succès public malgré la scène finale où Belmondo meurt ( second  film avec une telle fin, avec « Borsalino », où il meurt dans les bras d’Alain Delon). En 1983 et 1987, il tourne deux films policiers de moyenne facture, « Le Marginal » d’abord, puis « Le Solitaire ». Enfin, en 1988,, il a un très beau rôle, celui d’un homme d’affaires retiré en Afrique, qui forme un jeune homme (Richard Anconina, la scène de leur fac à face est mythique), dans « Itinéraire d’un enfant gâté », réalisé par Claude Lelouch.

Ce titre lui va très bien. Car Belmondo, parti de loin au Conservatoire, recalé deux fois au concours final, a finalement entamé et fait une carrière riche de grands rôles aux côtés des plus grands acteurs et grandes actrices de la seconde moitié du 20ème siècle : Jean Gabin, Alain Delon, Lino Ventura, Blier, Richard Anconina, Guy Marchand, Jacques Villeret, Jean-Pierre Marielle, Deneuve, Omar Shariff, Michel Beaune, Sami Naceri, Jean Dujardin, Suzanne Fion, Jacqueline Bisset, Ursula Andress, Claudia Cardinale, Sophie Marceau, Rosy Varte, Marie-France Pisier, et j’en oublie sûrement. Derrière son air rieur, farceur, il était un grand professionnel, méticuleux, réglant lui-même ses cascades, déconnant jusqu’au moment de dire « ça tourne! » et de jouer sa partition. Les plus belles expressions de son talent, outre « Itinéraire d’un enfant gâté » de Lelouch, sont à chercher au début de sa carrière, puis dans certains films des années 70’s, où il enchaine donc des rôles qui vont marquer les esprits de plusieurs générations, surtout parce que ses partenaires de jeu sont souvent de haut vol..

Son père, le sculpteur Paul Belmondo, se désespérait qu’il fasse un vrai métier. Aussi, lorsqu’il s’est engagé dans le théâtre puis le cinéma, ce fut un peu la soupe à la grimace. Mais le succès venant relativement vite pour ce jeune homme à l’allure singulière, au physique hors des canons de l’époque, à la gouaille parisienne, à l’esprit vif, les inquiétudes paternelles se levèrent vite. Et le jeune Belmondo prit son envol pour se faire une place au soleil du 7ème art.

Acteur devenu très populaire, c’était aussi un grand fan de sport en général, de boxe (photo ci-dessus) et de football en particulier. La boxe, il la pratiqua en amateur, et ne cessa jamais d’aller voir les grands combats nationaux ou les championnats du monde, quant au football, il avait débuté dans l’équipe des polymusclés, qui regroupait des sportifs, des journalistes, des comédiens, il était gardien de but. Les passionnés de foot, du Paris-Saint-Germain version Messi, seront peut-être contents d’apprendre que cette légende du cinéma a contribué, au début des années 70, à la naissance de leur club chéri. Il en fut un des présidents pendant un temps très court. Il avait bien sûr sa place dans la tribune principale du Parc des Princes, tout comme on le voyait à Roland-Garros en mai de chaque année, pour assister aux exploits des tennismen et tenniswomen. Ainsi aura-t-il vu successivement Borg, Lendl, Mac Enroe, Wilander, Noah, puis la période Nadal-Federer-Djokovic, et chez les femmes Chris Evert, Martina Navratilova, Monica Seles, Mary Pierce, Steffi Graf, Amélie Mauresmo, Serena Williams, et bien d’autres. Il dévorait le journal l’Equipe tous les matins.

Dans les années 90 et 2000, il tounera plusieurs films alors qu’il est affaibli depuis un accident vasculaire, qui lui vaudra une longue rééducation pour réapprendre à parler. On peut en retirer ses retrouvailles avec Alain Delon dans la comédie de Patrice Leconte « Une chance sur deux » avec Vanessa Paradis, en 1998. 6 ans plus tôt en 1992, il tournait avec Georges Lautner « L’inconnu dans la maison ».

Guillaume.

Il était une fois… 1992 !



Cette année-là sera marquée par plusieurs grands évènements, D’ordre politique avec la signature du traité de Maastricht. Sportif, avec divers grands évènements dont deux olympiades, en hiver d’abord en février, à Albertville en France (où de nombreux athlètes français vont se révéler, briller et obtenir titres olympiques ou médailles) puis en été à Barcelone (Chez les hommes, l’anglais Lindford Christie est sacré sur 100 m, l’américain Mike Marsh sur 200m, son compatriote Quincy Watts sur 400m, l’espagnol Fermin Cacho sur 1500m et l’américain  Carl Lewis au saut en longueur ; chez les femmes, on assiste au sacre de Marie-José Perec sur 400 m (photo ci-dessous), aux titres des américaines Gail Divers et Gwen Torrence sur 100m et 200m, du sacre historique d’Hassiba Boulmerka, sur 1500m (première athlète arabe à remporter une course de demi-fond dans une grande compétition internationale), d’Heike Dreschler à la longueur, sans oublier bien sûr la formidable démonstration de basket de la Dream Team américaine emmenée par le formidable duo Michael Jordan-Magic Johnson, entre autres..), le championnat d’Europe de Football qui se déroule en Suède, au cours duquel, le Danemark invité de dernière minute en remplacement de la Yougoslavie, forfait car en plein déchirement à cause de la crise politique qui secoue le pays à ce moment-là, ira jusqu’au bout et remportera l’épreuve face à une belle équipe d’Allemagne qui faisait figure de favori. Toujours en football, le FC Barcelone de Johann Cruyff remporte la Ligue des Champions face à la Sampdoria de Gênes. En cyclisme Miguel Indurain gagne son 2ème tour de France. en Formule 1, c’est le fougueux et talentueux pilote anglais Nigel Mansell, qui sera couronné champion du monde.

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Une fois n’est pas coutume j’ai commencé par le sport, je vais donc aborder maintenant succinctement les autres évènements de l’année. En janvier, Laurent Fabius succède à Pierre Mauroy, et devient le plus jeune premier ministre de France. En février, le 8, a lieu la cérémonie d’ouverture des jeux olympiques d’hiver à Albertville. Elle est menée par Philippe Découflé. En avril, la chaine de télévision La Cinq cesse d’émettre. Fin de l’aventure Berlusconi en France. Le parc d’attractions EuroDisneyLand-Paris est inauguré. En mai, le 5, un drame survient lors du Match de coupe de France entre Bastia et Marseille. Une tribune métallique s’effondre, faisant 18 morts et 2200 blessés. Juillet voit arriver deux révolutions, la création de la carte à puce bancaire et le début des téléphones portables. Septembre est marqué par la naissance du groupe médiatique France Télévisions, avec France 2 et France 3. A la fin du mois, la chaine Arte, cofinancée par des fonds franco-allemands, voit le jour. En novembre, entre en vigueur la loi Evin contre le tabagisme et la publicité sur l’alcool. Au rayon des morts célèbres, on trouve le dessinateur Peyo, le chanteur Michel Berger, les acteurs Jean Poiret, Chuck Connors, Anthony Perkins, les actrices Jacqueline Maillan, Arletty, Marlène Dietrich (photo ci-dessous, aux côtés de Jean Gabin), Ginette Leclerc, le compositeur de musiques de films Georges Delerue, le peintre Francis Bacon, le musicien Astor Piazzolla (deuxième photo ci-dessous), le juge Giovanni Falcone, l’humoriste Benny Hill, les hommes politiques Willy Brandt et Menahem Begin.

Place à l’histoire inventée.

Il n’y avait que de l’eau. Partout. Tout autour de lui. d’eux. A perte d’yeux. Une dévastation. La nuit, Dame Nature avait frappée fort et ouvert les vannes plus grandes qu’à l’habitude. Résultat, là où hier figurait un village et des champs, ce n’était plus que mer d’eau, transports de survivants et rescapées en barques ou bateaux à moteur. Je ne vais pas vous mentir, c’était une vraie vision apocalyptique, pour tout le monde, quand la population, située sur la partie haute du village de Tostaky, s’est réveillée au son du bruit de l’eau et des cris d’émois des gens confrontés à la catastrophe, s’est aperçue à son tour de l’ampleur du drame. Trois étudiants européens en vacances dans le village cet été-là, Lindford, Johann et Miguel, âgés respectivement de 19, 22 et 25 ans, qui ne se connaissent pas, vont se retrouver au centre d’aide organisé par les autorités locales. Leur débrouillardise, leur esprit d’initiative face aux gens et aux situations compliquées qu’ils côtoient, vont les souder, faire naitre entre eux une complicité qui va vite devenir une amitié indéfectible.

Tous les habitants de Tostaky, pour la plupart résidants de longue date, se donnent la main pour affronter cet évènement provoqué par Dame Nature. Certains font la file indienne jusque devant les maisons les plus touchées, pour nettoyer et surtout évacuer les personnes qui se trouveraient encore dans les maisons ou appartements submergés., d’autres construisent des digues pour repousser l’eau, ou créent des brèches pour l’évacuer à plusieurs endroits stratégiques du village. Bref personne ne chôme. Mais face à l’ampleur du sinistre, des voix s’élèvent pour dire qu’il va falloir changer tout ça, prendre des décisions drastiques, en terme de permis de construire en zone inondable, de renforcement des berges de la rivière qui borde le village. Tout cela prendra du temps, et coûtera de l’argent. Bien sûr, la nature a horreur du vide et n’attends pas. Alors l’humain devra faire vite, se montrer ingénieux, intelligent, créatif pour parer à la prochaine menace.

Au coeur du village de Tostaky, vit un couple emblématique, Louis et Mauricette, 95 et 90 ans. Ils sont nés là et y habitent depuis toujours. Ils connaissent tout de son histoire, son évolution géographique, ses histoires d’alcôves, la vie des commerces, les maires successifs, les prêtres qui ont dirigé l’église du village, bref, ils sont une vraie bible, la mémoire vivante, les référents auxquels on s’adresse si on désire savoir une chose sur le village.

Parmi la troupe des nombreux bénévoles qui oeuvrent à la remise en état de Tostaky, figure Marlène, une jolie quadragénaire aux yeux bleus, infirmière de son état, qui dirige l’antenne médicale et psychologique qui accueille les personnes en détresse, suite aux inondations. Cette femme énergique, à la voix un peu rauque, ordonne à sa troupe d’infirmiers, brancardiers, aides-soignants d’un trentaine de membres, de se répartir en secteurs précis pour ratisser méticuleusement les rues du village, à la recherche de personnes en détresse. Un soir, après une énième journée harassante, elle s’en va à la ville voisine pour se détendre et prendre un verre. Le hasard lui fait rencontrer Miguel, Johann et Lindford, eux-mêmes attablés en terrasse d’une brasserie, en train de rire à gorges déployées, sans doute eux aussi pour se soulager de journées stressantes, éprouvantes. Fort heureux de ce hasard, les trois garçons invitent la jolie Marlène à se joindre à eux, ce qu’elle accepte volontiers. Dès lors c’est un feu nourri de questions qui assaille Marlène. Elle y répond posément, avec parfois détachement, humour ou carrément en y mettant sa bonne humeur, le tout sur fond de sa voix rauque. Les trois garçons sont ravis, bien qu’un peu impressionnés par cette jolie femme infirmière, de passer ce moment avec elle. Miguel, bien qu’un peu en retrait de Lindford et Johann, observe attentivement Marlène. Il est sous le charme.

Marlène l’a remarqué. Trop seule depuis longtemps dans sa vie, sans enfants à charge, elle mène une existence bohème, vivant parfois des aventures sans lendemains, parfois longues. Elle choisit. Là visiblement, le caractère latin, un peu réservé de Miguel, n’est pas pour lui déplaire, malgré qu’il n’est que 25 ans. Voyant un petit manège s’installer entre Marlène et Miguel, Johann et Lindford décident de quitter la table, et d’aller faire un tour en ville, afin de laisser les deux autres tranquilles. Une discussion s’engage, comme s’ils se connaissaient de longue date, ce qui surprend Marlène. Le temps passe, ils décident de poursuivre autour d’une assiette, mais changent d’endroit. Marlène, qui connaît la ville, propose à Miguel de l’emmener dans un petit restaurant tranquille. Entre-temps Johann et Lindford, revenus de leur promenade, sont rentrés à Tostaky. Ils feront le point avec Miguel demain se disent-ils. La soirée de Marlène et Miguel s’avère douce, faite d’échanges sérieux, et à ce titre, malgré son jeune âge, Marlène se rend compte que Miguel est très mûr, la tête bien faite. Ca pousse sa curiosité. Du coup, la soirée s’étend, le dialogue entre eux deux fonctionne parfaitement, les sujets ne manquent pas, les rires fusent parfois. Puis vient le moment de quitter le restaurant. Miguel propose alors à Marlène de la ramener chez elle. Ce geste galant, inattendu, lui plaît beaucoup. Elle accepte. En chemin, la discussion continue, de plus belle, et les gestes tendres se manifestent. Arrivés devant la maison de Marlène, celle-ci invite alors Miguel à y entrer. Pour un dernier verre. Qu’elle envisage évidemment de prolonger loin dans la nuit. Surpris mais néanmoins heureux de cette offre, Miguel accepte. Les voilà seuls au monde, réunis, prêts à passer la fin de soirée et la nuit ensemble. Un bonheur simple comme les aime Marlène. Une situation tout à fait inimaginable pour Miguel quelques heures en arrière. Les deux amants vont s’aimer follement jusqu’au bout de la nuit, jusqu’aux premières lueurs du soleil levant. L’expérience mêlée à la fougue de la jeunesse. Les mains courent sur les corps, les baisers se font langoureux.

Au petit matin donc, le soleil perçant des premiers rayons chauds la fenêtre de la chambrée, Marlène se lève, heureuse de cette nuit folle partagée avec son amant. Mais ne se voit pas aller plus loin avec lui. Elle va devoir lui annoncer. Alors qu’elle s’est installée à prendre son café dans son salon, arrive son jeune amant, sorte de lionceau ayant grandi en une nuit, le cheveu en bataille, le torse nu fièrement affiché. La voix de Marlène résonne. Le visage de Miguel se fige. Cet épisode d’une nuit prend fin. Chacun reprend son chemin. Miguel rejoint alors ses 2 camarades Lindford et Johann à leur camp de base, débriefe avec eux puis très vite passe à autre chose, et les 3 amis reprenant la route de leurs aventures, après être venus en aide aux sinistrés de Tostaky.

Guillaume.

Charlie Watts, métronome des Rolling Stones, ne battra plus la mesure.


C’est une bien triste nouvelle qui est tombée en ce soir du 24 août 2021. En effet, Charlie Watts, membre et batteur des Rolling Stones depuis 1963, est décédé à l’âge de 80 ans à Londres. Malade, il avait refusé de repartir en tournée américaine avec son groupe de toujours ces derniers mois. Amateur patenté de jazz, mais aussi de dessin (il réalisera quelques pochettes d’albums des Stones), il a toujours été là, présent, traînant sa grande silhouette et son visage anguleux et énigmatique derrière les deux joyeux lurons que sont Mick Jagger et Keith Richards

Sur disque comme sur scène, il agissait en véritable maître du temps, du tempo. C’est d’ailleurs sur lui que se reposait, se calait le virevoltant Mick Jagger. J’en ai eu la preuve à deux reprises. La première fois, en 1995, à l’Olympia, dans une salle chauffée à blanc, qui voyait arriver Darryl Jones à la basse en lieu et place de Bill Wyman. Watts, installé derrière sa batterie, donnera ce soir-là un récital de justesse, de précision. Un régal. La deuxième fois, c’était à l’automne 2017, pour l’inauguration l’Arena de Nanterre, plus grande salle couverte d’Europe (40.000 places). Les Rolling Stones faisaient l’ouverture . 2h15 de show, un Jagger déchaîné, un Richards cabot mais en forme, Ron Wood appliqué dans ses rythmiques et pendant que Darryl Jones faisait le boulot à la basse, Charlie Watts, lui, assurait imperturbable, le rythme du groupe, telle une horloge de précision, sans jamais ou presque pourtant montrer un rictus de plaisir. Concentration maximum. Pour leur retour les Pierres qui Roulent avalent frappé fort, malgré le son parfois difficile de la salle.

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Avant d’intégrer le groupe en 1963, Charlie Watts avait mené une carrière de descinateur publicitaire, jusqu’à sa rencontre avec Brian Jones, alors chanteur et guitariste des Rolling Stones, en 1962.  A la suite du décès de Jones, c’est donc Mick Jagger qui reprendra le micro, pour ne plus jamais le lâcher. Watts, depuis son entrée au sein du groupe a participé à tous les albums studios, de même qu’aux multiples tournées de plus en plus rentables et attirant sans cesse un public toujours plus nombreux au fil des décennies. Mais je me souviens d’une de ses déclarations lors d’une interview dans les années 90 je crois, au cours de laquelle il disait que « jouer avec les Rolling Stones était une récréation, mon vrai métier étant musicien de jazz ». Incroyable mais vrai. Dans un entretien accordé au magazine Télérama en 1998, à l’occasion de la sortie de l’album live « No security », il évoque nombre de sujets comme sa  vie au sein des Stones, la relation Jagger-Richards « Tant qu’ils seront ensemble, les Stones existeront », la popularité lors des présentations sur scène « C’est un immense compliment » disait-il, le peu de souvenir de son premier concert avec les Stones au Flamingo Jazz Club de Londres, en janvier 1963, mais garde un « merveilleux souvenir » de sa première tournée avec Bo Diddley, Les Everly Brothers, Little Richard. Il raconte également devoir à Alexis Korner, rencontré dans les années 60, son entrée dans la musique via le groupe Blues Incorporated. Charlie Watts n’avait à cette époque jamais écouté, entendu de blues (qu’il assimilait à la tristesse de Charlie Parker), aussi le son d’un harmonica fut pour une révélation. Viendra donc ensuite sa rencontre avec Brian Jones, au sein de ce groupe, puis les rencontres avec Mick Jagger et Keith Richards, ce dernier venant voir son pote chanter sur scène. Au sein de ce groupe protéiforme, à l’époque, on croise aussi Jack Bruce (contrebasse) et Ginger Baker (batterie), deux futurs membres de Cream (avec Eric Clapton).

Charlie Watts disait ne conserver qu’un vague souvenir des années 60-70, ce qui signifie qu’il n’a sans doute pas apprécié cette période de multiples expériences, en tous genres, auxquelles n’ont pas échappé ses camarades de jeu. Lui le discret, semblait peu goûter le barnum des stades, qu’il comparait à des « jeux du cirque », leur préférant cent fois l’intimité d’un club de jazz ou d’une petite salle de rock. la proximité, C’était son plaisir. l’échange, le partage. De la précédente tournée stonienne, en 2017, il ne gardait que le souvenir des personnes lui indiquant quoi faire ou bien où se rendre. Lassant. Lassé. et sans doute déjà atteint par la maladie qui le rongeait de l’intérieur.

Lui le jazzman d’origine, Il n’aura pourtant que peu eu l’occasion de faire son vrai métier puisqu’il n’a enregistré que de rares albums de jazz, entre deux tournées et albums des Stones. Lui qui se rêvait en musicien de jazz, ayant eu comme idole le batteur Kenny Clarke, avec l’envie de jouer aux cotés des plus grands maîtres du jazz. Il a donc enregistré des albums de jazz tout au long de sa carrière, comme par exemple « Vol pour Sydney » en 1986, avec des participants comme Evan Parker, Elvin Jones, Michel Doneda, Taj Mahal, excusez du peu! … ou celui consacré à Charlie Parker en 1992 « Tribute to Charlie Parker with strings », puis avec Jim Keltner Project  (photo ci-dessous) en 2000. Jim Keltner ayant notamment participé aux deux albums des Travelling Wilburys (super groupe composé de Jeff Lynne, Bob Dylan, Tom Petty, Roy Orbison, George Harrison), tout comme il joué aussi sur l’album solo de Mick Jagger « Wandering Spirit » en 1993, et sur Bridges to Babylon » des Rolling Stones en 1997 entre beaucoup d’autres. Charlie Watts lui, En 2004,  avec son Tentet Watts, enregistre un album de reprises jazz de Miles Davis et Duke Ellington, qui contient aussi version revisitée de « Satisfaction », enfin celui avec le Danish Radio Big Band en 2017.

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Loin des exubérances de Jagger, Richards et Wood, pendant que Wyman se cantonnait au rôle de mémoire de l’histoire du groupe vu de l’intérieur, Charlie Watts  était lui le membre le plus flegmatique, discret, secret des Rolling Stones. Il n’en a pas moins été le socle, la pierre fondamentale, sans laquelle, pendant plus de 60 ans, ce groupe mythique n’aurait pas tenu la dragée haute, malgré les changements (après le départ de Bill Wyman en 1993 notamment remplacé par le talentueux Darryl Jones), car il était le véritable métronome du groupe, permettant aux autres de se reposer, se caler sur lui. Charlie Watts avait pour habitude de jouer sur un kit de batterie ridiculement petit par rapport aux standards devenus habituels chez ses confrères du rock ou du jazz. Ca ne l’empêchait pas de jouer de façon fine et précise, ou de marteler quand il fallait. Son style, sa sonorité de frappe resteront uniques. Il n’est qu’à écouter les albums des Rolling Stones ou ses disques solo pour s’en convaincre.

Il va désormais reposer au paradis des batteurs, pouvoir discuter avec Kenny Clarke, Alvin Jones, Ginger Baker, John Bonham. Nul doute qu’il sera bien accueilli. Je vous laisse avec une sélection de morceaux, des Rolling Stones bien sûr, mais aussi de sa période jazz. Savourez.

Guillaume.

Monty Alexander, génie du clavier.


Monty Alexander, pianiste jamaïquain à la déjà longue carrière, que j’ai eu le bonheur d’admirer en concert à la Nouvelle Philharmonie à La Villette, il y a de cela 3 ans, est un musicien qui possède son instrument comme peu de ses confrères jazzmen contemporains. Pour moi il est du niveau d’un Chick Corea, d’un Keith Jarrett, tant son jeu est expressif, coloré, maîtrisé, fluide. Il a expérimenté beaucoup de formules au cours de sa carrière. Dans le double disque qui nous intéresse ici, intitulé « Love you Madly : Live at Bubba’s », enregistré comme son nom l’indique au Bubba’s, restaurant-club de jazz de Fort Lauderdale en Floride, dans lequel s’est aussi produit le génial Ahmad Jamal, il est entouré d’un trio composé de Paul Berner à la basse, Duffy Jackson aux baguettes et Robert Thomas Jr. aux percussions. (lire les mini entretiens très intéressants donnés par ceux-ci sur leur expérience de travail aux côtés de Monty Alexander, dans le livret qui accompagne le doublé cd).

Le premier des 2 cd s’ouvre sur « Arthur’s theme », un joli morceau tout en souplesse avec les percussions de Robert Thomas Jr. Alexander nous régale de son style, mélange d’académisme occidental et d’école latino-jamaïquaine. Après cette introduction, on tombe sur le morceau qui donne son nom à l’album, « Love you madly », écrit par le grand Duke Ellington. Sur fond de batterie aux balais, ça swingue et Alexander promène ses mains virtuoses sur le clavier avec délectation. Puis arrive la « Samba de Orfeu », composée par le musicien brésilien Luis Bonfa, qui donne furieusement envie de danser. Les 3 derniers morceaux du disque sont l’oeuvre de Monty Alexander. « Sweet Lady », qui prend la suite, démarre de façon minimale, comme si Alexander voulait peindre un tableau, puis tour s’accélère doucement. Alexander montre toute sa palette, comme un peintre. Le swing est toujours là, omniprésent, central. On le retrouve sur « Eleuthra », sur lequel il mélange allègrement ses origines jamaïquaines et les sonorités cubaines. Un régal. Pour terminer ce premier disque il nous gratifie de « Reggae later ». Un morceau superbe, rempli de breaks au piano, de virtuosité sans jamais être excessif, pas le genre du bonhomme. Bref c’est un bonheur d’écouter ce musicien. Je ne me lasse pas.

Passons au second cd. Il démarre par « Blues for Edith », est un morceau composé en hommage à Edith Piaf par le musicien Milt Jackson. Vient ensuite ‘Fungii Mama », dû à Blue Mitchell. Un morceau qui mélange swing, bebop et moments plus free, mais là encore le maestro se et nous régale. Solo de piano, de contrebasse (Paul Berner). Superbe. Ensuite c’est un « Consider » écrit de sa main que nous joue Alexander. Tout en douceur. Volupté. Derrière, le furieux et chaotique « Montevideo », qui cavale…nous entraîne dans son tourbillon. On en vient alors à écouter sa version très personnelle de « Body and Soul », co-écrite en 1930 par Johnny Green, Edward Heyman, Robert Sour et Franck Eyton. Classique du répertoire jazz, de nombreuses fois repris depuis sa création, Alexander y apporte ici sa touche de créativité, son touché de piano exceptionnel, sa technique unique. Le tout donne un joli morceau. Ses trois compères de jeu ne sont pas en reste, ils assurent tout au long des morceaux évoqués jusqu’ici. L’avant-dernier morceau c’est un cavalant « Swamp fire ». Ça va à toute vitesse, on craint le déraillement, mais non, jamais cela ne se produit. Duffy Jackson aux baguettes assure un tempo de feu, avec de rares moments de calme. Magistral. Enfin pour terminer ce disque et du coup ce coffret « Live at Bubba’s », un morceau écrit par Milt Jackson, « SKJ ». Ça balance, swingue, c’est frais, on en redemande. Merci Monsieur Alexander. Je conseille ce disque à celles et ceux qui ont envie de découvrir ce génial pianiste-compositeur-interprète. Cette chronique est la dernière de l’année avant un repos bien mérité. Nous vous retrouverons avec plaisir à la rentrée. Bon été à vous toutes et tous, où que vous soyez, en France, à l’étranger. A bientôt.

Guillaume.
https://www.youtube.com/watch?v=U8gdVIXaFVg

Quand le Jazz se chante et joue au féminin.


On le sait, vous le savez sans doute depuis longtemps, le label français Frémeaux & Associés, basé à Vincennes en région parisienne, n’a de cesse de rendre hommage au patrimoine du jazz, a mettre en exergue son histoire, ses héros ou héroïnes oublié.e.s en ressortant des pépites, toujours avec des enregistrements de qualité, et des livrets qui ne le sont pas moins. C’est encore le cas cette fois-ci avec le coffret intitulé « Jazz Ladies : The singing pianists (1926-1961) ». Dans ce nouveau superbe coffret qui contient 3 disques s’étalant chacun sur une période (CD1 : 1926-1961; CD2 : 1930-1961 ; CD3 : 1944-1961), uniquement dédié aux femmes chanteuses et pianistes de jazz, il est possible de retrouver des noms connus tels que Nina Simone, Shirley Horn, Blossom Dearie, Aretha Franklin, et d’autres qui ont disparu des radars comme Cleo Brown, Lil Armstrong, Una Mae Carlisle, Camille Howard, ou encore Rose Murphy. Ce n’est que justice de rendre hommage à celles qui ont également écrit parmi les plus belles pages de l’histoire du Jazz. Dans un précédent coffret, Frémeaux avait rendu hommage aux femmes instrumentistes dans le jazz tout en évoquant les nombreux obstacles auxquels elles se trouvaient confrontées. Il y était notamment indiqué que si, historiquement, dès la fin du XIXème siècle, lorsque le piano, ou plutôt de petits orgues, ont fait leur apparition dans certaines familles d’anciens esclaves, les chanteuses étaient admises du fait de leur présence dans les chorales de gospel, les rares chanteuses solo acceptées dans le monde du jazz étant les pianistes. Pour les autres instrumentistes, la tâche s’avérera plus ardue. Mais revenons à notre coffret du jour.

Dans le premier cd, qui couvre les années 1926 à 1961, il est donné à re- découvrir des artistes telles que Cleo Brown, virtuose du piano, qui propose un jazz swinguant, comme sur « The stuff is here and it’s mellow » ou sur « When Hollywood goes black and tan », qui évoque un Hollywood fréquenté par beaucoup d’artistes noirs, comme Louis Armstrong. Avec LR Armstrong, on arrive sur un jazz plus enlevé, avec des cuivres bien présents. Prémices d’un futur bebop. Écoutez donc « Harlem on saturday night ». Puis vient la voix plaintive de Una Mae Carlisle, sur « Love walked in ». On peut remarquer son phrasé précis, son timbre de voix équilibré, le tout sur des orchestrations qui là encore swinguent. Julia Lee est une pianiste davantage portée sur le boogie-blues. Écoutez « Dream Lucky blues » et son jeu précis, moderne. Cela se précise avec « Comme watcha you got », qui pourrait presque être un rock. Enfin elle est l’auteur d’une belle version de « Nobody knows when you’re down and out ». Paula Watson, elle, assume un style blues évident (« Pretty papa blues »). Plus loin sur le disque, on trouve aussi Ira Mae Littlejohn, qui veux voir Jésus en mode blues, Clara Ward qui pousse la voix comme à l’église le dimanche pour chanter le gospel, enfin Aretha Franklin, qui nous indique que le sang devient chaud dans les veines (« While the blood runs warm », et qu’elle résiste à la tentation (« Yeld not to temptation »). Ce premier chapitre ouvre des horizons intéressants, Aussi le second cd, qui va de 1930 à 1961, s’annonce bien.

Ca démarre avec Martha Davis, voix douce, suave, qui enchaîne « The be bop bounce », « I’m fer it » et « Cincinatti » avec un égal bonheur. Puis vient son « Kitchen blues », lent à souhait. Nellie Lutcher nous offre « Do you or don’t you love me? », sur un tempo très rapide, tenu aux balais à la batterie. Style enjoué, un brin clownesque, elle tient la rampe. J’arrive à Rose Murphy qui nous chante « I can’t give you anything but love » de sa voix fluette, quasi minaudante. Elle se risque également sur « Honeysuckle Rose » et « I wanna be loved by you » (reprise notamment par Marilyn Monroe). La voix gorgée de blues de Frantic Fay Thomas nous susurre « I lost my sign in Salt Lake City ». La Vergne Smith chante « un blues dans la nuit », avec une ton quasi descriptif, comme sur « One of the road ». « Double trouble blues », interprété par Kansas City Kitty est un blues piano-voix efficace, entraînant. Pour clore le disque, c’est la voix de Victoria Spivey qui surgit et nous chante « That man ». Un blues au piano.

Maintenant, voyons le dernier chapitre, période 1944-1961. Tout commence avec Blossom Dearie, dont le phrasé rappelle celui de Diana Krall, la voix en moins grave, qui après un « Thou swell » attrayant, nous gratifie d’une jolie version de « plus je t’embrasse », en français dans le texte, au ton très enjoleur. Elle joue tout en douceur, et sur ce rythme là, entonne « Someone to watch over me ». Vient derrière « Let’s fall in love » (repris par Diana Krall) qui nous est donné par Jeri Southern. Un swing au balais très agréable à écouter. Audrey Morris, voix légèrement grave, s’aventure sur « Good morning heartache ». « Day in day out », signé de la très grande Shirley Horn, fleure bon le swing d’un bebop, est exécuté à mon goût de manière un peu désordonnée. Arrive le célèbre « Makin whoopee », qui me réconcilie avec cette immense pianiste et chanteuse. A la suite, c’est la talentueuse Nina Simone qui se joue du « classique » de jazz « Mood indigo »dans une très belle interprétation. Son jeu de piano autant que sa voix sont un régal à entendre. S’en viennent ensuite « Love me or leave me », puis le très beau « Black is the color of my true love’s hair », un manifeste pour l’homme qu’elle aime. On peut aussi l’écouter jouer un Boogie-woogie, intitulé « Boogie-woogie roots ». De Boogie-woogie il est encore question avec Christine Chatman (« Bootin’the boogie »), Lilette Thomas, qui joue « Boogie-woogie time down south « , Madonna Martin avec « Madonna’s boogie », enfin Kate Webster qui déroule un « Baby comme on » et « Kate Lee », que n’aurait pas renié Jerry Lee Lewis.

En résumé, ce coffret regorge de trésors à decouvrir, tant au niveau des morceaux que des artistes. Ne passez pas à côté.

Guillaume.

Pour Naissam Jalal, un autre monde est là, Demain.



« Un Autre Monde« , dernier album (même un double pour l’occasion, avec une partie studio, une autre live, avec l’Orchestre National de Bretagne, conduit par Zahia Ziouani) publié par Naissam Jalal, flûtiste traversière mais aussi chanteuse franco-syrienne, puisque née à Paris de parents syriens, toujours accompagnée de son fidèle groupe « Rhythms of Resistance », est une ode à la liberté, à la communication entre les hommes et les femmes de tous les continents, de toutes les cultures, religions. Cette jeune artiste, que j’ai déjà eu l’occasion de voir jouer à Fontenay-sous-Bois, à Musiques au Comptoir, à la Halle Roublot, à plusieurs reprises, aux côtés de Hubert Dupont dans le cadre de ses projets musicaux « Al-Joulan » auxquels elle a collaboré, est vraiment très intéressante tant sa démarche musicale est empreinte de générosité, d’humanisme, d’ouverture au Monde, tout en gardant un oeil lucide sur l’état de celui-ci, qui n’est pas toujours reluisant.

Car Naissam Jalal se refuse d’être seulement et uniquement une musicienne, une artiste qui traverse les frontières, rencontre le monde. Non elle est avant tout une citoyenne, bénéficiant qui plus est de la double culture franco-syrienne, car née à Paris en 1984 de parents syriens, bien consciente des enjeux qui pèsent aujourd’hui, comme le changement climatique, l’écologie, la natalité dans certains pays, mais aussi les droits de l’Homme non respectés loin s’en faut dans d’autres… bref elle a une acuité forte sur ce qui se passe autour d’elle.

Après avoir exploré un répertoire très intime, personnel, dans les deux disques précédents, cette fois-ci donc Naissam Jalal voulait se diriger vers quelque chose de plus ouvert, de très différent. Elle a comme beaucoup, l’impression que cette période que nous avons traversé, marque une fin de cycle sur des aspects économiques, sociaux, sociétaux même. Elle veut imaginer un monde meilleur, différent, autre, pour les générations à venir, avec un rapport au vivant, à autrui, empreint de lumière. Vous me direz, et la musique dans tout ça? J’y viens. Car chez elle, tout est intimement lié. sa façon de jouer, d’être sur scène, de se donner au public, d’offrir sa voix comme un instrument qu’elle maîtrise superbement.

A l’instar des jazzmen, Naissam Jalal compose des morceaux longs, ce qui permet aux auditeurs-auditrices de s’installer dedans, de profiter, savourer, de partir en voyage dans le sillage de la flûtiste et de ses compères. Ecoutez donc les très beaux « Buleria Sarkhat Al Ard », Un sourire au coeur », « Samaaï al Andalus », ou la jolie « promenade au bord du rêve » . Dans chacun de ces titres, la flûte traversière de Naissam Jalal nous emmène, se fait tantôt frivole, tantôt triste, le tout sur fond de percussions et de saxophones. La musique est très riche, chatoyante, nous envoie directement soit dans les contrées d’Afrique du Nord ou évidemment au Moyen-Orient. Pour couronner ce disque, elle nous donne à écouter « D’ailleurs nous sommes ici », véritable manifeste contre la différence, contre l’intolérance, le racisme, la violence qui peut découler de ces états de faits.

Le deuxième disque, enregistré avec l’Orchestre National de Bretagne, dirigé par Zahia Ziouani, nous permet de prendre conscience de l’ampleur de la musique de Naissam Jalal. Cela commence avec le très lyrique et envoutant « Paysages de notre destin », au sein duquel on entend violons, guitare électrique, batterie, qui viennent gonfler les orchestrations soyeuses de Naissam Jalal. Sa voix limpide fait des apparitions remarquées. Ensuite vient « Un sourire au coeur », qui figure déjà sur la face « studio » du disque. Là, c’est la voix, superbe, claire, expressive, qui domine le morceau, en une forme d’imploration. Le tout sur fond de violons et percussions. Superbe. Arrive « Un monde neuf ». Incontestablement, la présence de violons renforce l’aspect nostalgique du titre, le tout nous emmenant dans son sillage, tellement la musicalité est poussée à sa plus belle expression.

Puis c’est « Samaaï al Andalus ». Etonnamment, ici nous sommes face à une structure qui opte pour le free, entre jazz pur avec soli de saxophone et l’orchestre de Bretagne derrière. Parfois déroutant, cela reste une belle pièce musicale. Pour terminer ce mini album live, « Almot Wala Almazala », s’apparente à une pièce quasi symphonique, avec des passages pour instrument solo. Ce n’est pas le plus emballant des morceaux du disque, mais il revêt un caractère presque pictural, tout en nuances et rebondissements là où on ne les attend pas nécessairement. Elle, qui, à 17 ans seulement, fit partie de la fanfare funk Tarace Boulba, en a gardé visiblement des traces dans sa manière de composer certains titres.

La musique de Naissam Jalal est remplie de plusieurs sources, moyennes-orientales, arabes, mais aussi française (écouter « D’Ailleurs nous sommes ici »), mélange savamment les rythmes, bien soutenue en cela par son groupe. C’est un vrai plaisir que d’écouter cette artiste.

Alors, faites comme moi, n’hésitez pas, plongez-vous dans ce bouillonnant bain musical et culturel proposé par Naissam Jalal.

Guillaume.

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