Nos samples rendez-vous #25 : Missy Elliott / Francois de Roubaix

J’ai récemment lu un article qui suggérait que Missy Elliott risquait de sombrer dans l’oubli au profit des Nicki Minaj et autres Cardi B, ce qui m’a bien sûr, fait sauter au plafond!!! Alors, évidemment, oui, il faut vivre avec son époque et apprécié ce qu’on nous propose, mais quand même, je crois que certains ont une légère tendance à oublier le glorieux passé…

Le son ne serait sans doute pas ce qu’il est aujourd’hui sans l’immense talent de Missy Elliott et de son compère Timbaland.

Alors, pour illustrer ça dans cette nouvelle édition de Nos Samples Rendez-Vous, je vous propose de (re)découvrir un morceau de la chanteuse de Portsmouth, Virginia et petit bonus, en featuring, on y retrouve une de nos légendes hexagonales, monsieur Claude “MC” Solaar.

En 1999, ce remix de “All n my grill” est édité et clippé avec Solaar en lieu et place de Big Boi, le binôme d’Andre 3000 dans Outkast et ils nous vont nous conter une histoire d’amour empreinte de Dollars…

Pour ce morceau, Timbaland, producteur du morceau n’a pas seulement recruté Français avec Solaar, mais aussi sur la boucle qu’il a utilisée avec l’immense compositeur François De Roubaix et la thème du film “Dernier domicile connu” avec Lino Ventura et Marlène Jobert en 1970, un film à voir absolument aussi, soit dit en passant.

Ce sample a également été repris par Robbie Williams sur le morceau “Supreme”, l’année d’après, un titre excellent aussi, d’ailleurs, c’est rare d’avoir deux titres qui cartonnent avec la même boucle en si peu de temps.

Cela dit pour en revenir à François De Roubaix, je suis convaincu que ce n’est pas la dernière fois que je vous en parle, tant son talent est immense et vu le nombre de fois où son style si reconnaissable a été samplé, donc affaire à suivre…

Laurent

Pour Orelsan, la fête est finie.

Orelsan est de retour !

Vainqueur récent aux Victoires de la Musique 2018 (ce qui a d’ailleurs créé une polémique, puisque certains esprits étriqués n’ont pas manqués de ressortir des propos écrits par le chanteur sur un précédent album-qui donnait c’est vrai une image très peu flatteuse de la  femme- le tout dans un contexte de libération de la parole féminine suite aux affaires Weinstein aux Etats-Unis et à des affaires similaires en France incluant de grands patrons, des députés ou des ministres), le rappeur français nous revient avec un album percutant, incisif, toujours avec ce flow qui lui est si particulier. « La fête est finie » est le 3ème album concocté par l’artiste, après « Perdu d’avance en 2009 » et « Le chant des sirènes » en 2011. L’artiste possède plusieurs cordes à son arc, puisqu’en dehors d’être chanteur, il est aussi instrumentiste (piano), mais aussi réalisateur, acteur, producteur.

Au cours des 13 titres qu’il nous propose, il aborde plusieurs thèmes (ses origines, la famille, le racisme, et le fait que nombre de chanteurs blancs français se soient inspirés au départ de musiques noires, tels le blues, le reggae, le ragga…) et s’offre des collaborations prestigieuses telles que celles de Maître Gims sur « Christophe », Stromae sur « La pluie », NekFeu et Dizzee Rascal sur  « Zone », enfin Ibeyi sur le dernier titre « Notes pour plus tard ».

Très bien accueilli par la critique musicale spécialisée comme généraliste, « La fête est finie » nous offre l’occasion de découvrir un artiste apaisé avec son passé, celui qui fut autrefois qualifié de « Eminem français », nous offre un album fort, dont les textes sont engagés sont sans concessions. Car, s’il a mûri, Orelsan reste un homme et un citoyen vigilant sur l’évolution de la société, de ses mœurs, de ses dérives aussi parfois.

Moi qui généralement n’écoute pas ou peu de rap (n’est-ce pas Laurent! 🙂 ), j’avoue avoir été agréablement surpris par la qualité de l’album et l’écriture des textes.

Mes titres préférés : « San » ; « Tout va bien » ; « La pluie » (en duo avec Stromae).

Guillaume.

 

Talib Kweli brise le silence radio!!!

Oh que c’est bon de retrouver Talib Kweli à ce niveau!!! Je vais pas cacher mon plaisir, le gars est un de mes artistes préférés et j’avais été un peu déçu de son dernier disque avec 9th Wonder, “Indie 500”, j’en attendais beaucoup avec ces deux-là, mais c’était pas vraiment une réussite!

Avec “Radio silence” par contre, je retrouve le Talib que j’aime, engagé, avec un flow incomparable, son débit à la vitesse de la lumière, bref, tous les éléments sont réunis pour un grand cru. Comme je l’avais dit pour Common et son “Black America again”, ce type d’artistes ne sont jamais aussi bons que quand les temps sont sombres et qu’ils ont un message à porter et c’est le cas ici, même la pochette du disque avec ce jeune qui hurle semble clair à ce sujet.

Onze titres sur le disque et pas de temps mort, du guest de renom, comme souvent avec Kweli, pas forcément ceux qu’on attendait, j’aurais pas misé un kopeck sur la présence de Wacka flocka flame, Rick Ross non plus, mais ça fonctionne et ça change un peu du casting habituel. Côté production, que du très lourd aussi avec le producteur le plus en vogue du moment, Kaytranada, mais aussi Alchemist ou le Texan J.Rhodes.

Comme souvent, le rappeur de Brooklyn propose des refrains à des chanteurs à voix de talent, ici, on note la présence de BJ The Chicago Kid dont je vous avais parlé il y a quelque temps, mais c’est surtout la jeune Yummy Bingham que j’ai découvert sur ce disque, elle a une voix vraiment particulière, mais vraiment kiffante!!!

Les sujets traités sont souvent sensibles et très bien maitrisé par le mc, la vie New Yorkaise, le contexte politique actuel, les minorités etc… Comme d’habitude, je vais laisser de côté les singles (qui sont géniaux et que je vous mets en vidéo) pour vous parler de mes autres coups de coeur de l’album, notamment, le titre “She’s my hero”, qui parle de l’histoire de Bresha Meadows, une jeune fille de 14 ans qui a abattu son père qui abusait d’elle depuis longtemps, ainsi que de ses frères et soeurs, Talib Kweli raconte tout ça avec le talent d’écriture qui est le sien et moi qui ne connaissait pas son histoire, j’ai été très touché par ce morceau. L’autre gros coup de coeur, c’est “All of us” avec Jay Electronica et la fameuse Yummy Bingham et cette intro, tirée d’un speech d’Assata Shakur l’ancienne Black Panther, toujours en exil à Cuba à ce jour.

Enfin, voilà… Comme je le disais, j’ai retrouvé un Talib Kweli digne de ce nom avec ce “Radio Silence”, c’est pas du niveau d’un “Quality” ou d’un “Beautiful struggle” mais c’est quand même excellent, alors kiffons un peu!!!

 

Laurent

Chez les Wakenius, la guitare de père en fils.

J’entends certains d’entre vous se dire : « Quoi? Encore une chronique (après celle de l’album « Vagabond »), sur le guitariste suédois Ulf Wakenius!!! ».

Oui! absolument! car le disque dont il est question ici, « Father and son« , sorti chez ACT Music en 2017, vaut le détour. Pour deux raisons au moins : La première étant que c’est ici l’occasion d’un dialogue musical à la guitare acoustique avec son fils Eric. La seconde, vous l’aurez deviné, parce que ce duo nous offre un moment de grande qualité.

Dès que l’on écoute la guitare de Ulf Wakenius, il est impossible de ne pas songer au génial Pat Metheny (voir la vidéo ci-dessous enregistrée en 2003, où le duo est réuni sur scène). Même sens du toucher, de la légèreté, et une virtuosité indéniable. Ulf Wakenius s’il est un fervent adepte de la guitare acoustique, il n’en est pas de même de son fils, qui ayant vécu aux Etats-Unis pendant de nombreuses années, à Los Angeles,  s’est trouvé plongé dans des univers musicaux et sonores très divers, où la guitare… électrique avait la prédominance. Finalement attiré et converti à la guitare acoustique, il accompagne depuis maintenant plusieurs années son père autour du monde, pour des concerts en duo, ou des master class.

La connivence, évidente, palpable entre les deux musiciens, donne à la musique jouée une vraie fraîcheur, et ce quelle que soit la tonalité des morceaux. Mais ce disque est aussi l’occasion pour Ulf Wakenius de rendre hommage à deux grands figures du jazz : Joe Zawinul, claviériste ancien membre de Weather Report et fondateur du Zawinul Syndicate dans les années 90 (avec notamment Paco Sery aux baguettes) et Esbjörn Svensson, pianiste suédois trop tôt disparu. « Birdland » et « Dodge the Dodo/ When God created the coffee break » en sont la parfaite illustration. Un clin d’œil au vent du sud de la France, du côté d’Avignon avec « Mistral », morceau sur lequel Youn Sun Nah vient poser sa voix.

Quand on pense à la guitare acoustique, il est impossible de ne pas penser, évoquer le grand Paco de Lucia, chantre du flamenco. Puis s’ensuit « Scarborough fair », composé en pensant au duo Simon & Garfunkel, icones de la pop-culture des années 70-80. Leur version de « Eleanor Rigby »‘ est toute en douceur, subtile, gracieuse. Pour clore cet opus familial, « Father and son », composé par Eric Wakenius, et donc « Birdland », cher à Joe Zawinul.

Un très joli disque, tout en sensibilité, où le talent et la complicité sont au service de la musique. Superbe!

Guillaume.

La playlist de février : les reprises

Pour le mois de février, une petite playlist sur les reprises ! Adaptation, remix, d’un style à l’autre, d’un pays à l’autre. Même air, autres paroles. Du neuf avec du vieux, de l’ancien avec un air actuelle… Une chanson a finalement plusieurs vies !! De multiples interprétations possibles. Et chaque artiste mettra dans cette reprise son propre feeling, les émotions qu’il a ressenti en l’écoutant.  Ça peut être aussi une reprise totalement délirante. Pour nous petites oreilles, on préférera l’original, ou le contraire. Bref, une chanson a une vie au-delà de celle que lui a donné son auteur, son interprète.

Bonne écoute !

Carine

 

Unbreakable Kimmy Schmidt et les rois de l’auto-tune

Bonne nouvelle : la série Netflix « Unbreakable Kimmy Schmidt » en est à sa troisième saison ce qui veut dire qu’en vous lançant aujourd’hui vous pourrez profiter 39 fois du générique le plus énergisant depuis celui de Friends ! Ultra-punchy, il est aussi parfaitement adapté au sujet et au ton de la série.

Petit brief pour vous donner le contexte. Kimmy redécouvre la vie contemporaine après avoir passé 15 ans enfermée sous terre avec trois autres femmes par un prédicateur fou. Restez, promis c’est une série comique, c’est même créé par Tina Fey ! On rit d’abord parce que les dialogues sont géniaux, que les personnages sont tous un chouilla fêlés et que les acteurs se donnent à fond. On rit aussi de la confrontation de la vision du monde qu’à conservée Kimmy en tant qu’ado de 14 ans de la fin des années 90 avec celui du New York d’aujourd’hui. Elle découvre à la fois la vie d’adulte, les hipsters, les fake news, les filtres snapchat…

C’est donc une géniale idée d’avoir été chercher les Gregory Brothers pour produire le générique créé par Jeff Richmonds (bon là ils ont cherché moins loin, c’est le mari de Tina Fey). Les Gregory Brothers sont surtout connu pour leur chaine Youtube Smoyoho et leurs séries Songify (Songify this, Songify the news) où ils produisent des mashup de vidéos d’actu (phénomènes du web, actualités des USA…) sur laquelle ils mixent les paroles des protagonistes en ajoutant une énorme dose d’auto-tune pour en faire des stars de clip musicaux.

Pourquoi est-ce si brillant ? Parce que l’auto-tune est né en 1996, pile à la période où Kimmy rentrait dans son bunker, et qu’il a depuis muté et conquis le monde musical. Son créateur, pour répondre simplement à un pari, cherchait à faire un logiciel permettant de corriger les fausses notes. Les musiciens s’en sont emparé et ont utilisé les paramètres de manière plus extrême pour jouer avec le coté synthétique qu’il peut ajouter aux voix. En 1998 on peut déjà l’entendre dans le tube « Believe » de Cher et « Blue (Da Ba Dee) » d’Eiffel65. Puis il s’affirme dans la musique électronique des Daft Punk et son usage s’étend au domaine du RnB et du rap. En France c’est Booba qui importe l’effet autotune en 2008, et certains groupes ont fondé tout leur style dessus (on n’a découvert la vraie voix de PNL que leur d’une faille technique en concert cet été). Les Gregory Brothers poussent son usage au plus extrême puisqu’ils partent d’une voix « parlée » et plaquent un effet musical 100% « fake » dessus. Le choix de ce type de musique pour le générique marque bien comme en 15 ans un outil peut évoluer de manière radicale et nous déboussoler !

Nous déboussoler… et nous plaire ! Parce que les créateurs de Kimmy s’appuient aussi beaucoup sur la culture des mêmes et connaissent le potentiel viral de chaque élément de la série. Les phénomènes du web de moment sont repris et réadaptés, échangés. Un fait divers peut accéder à la célébrité en quelques instants, à l’image du clip le plus connu des Gregory Brothers « Bed Intruder Song » : un remix de l’interview d’un homme d’Alabama racontant l’intrusion d’un « violeur » dans la chambre de sa sœur… à ce jour la vidéo a cumulé 140 milions de vues sur Youtube ! Et la preuve que ces choix étaient pile les bons : Kimmy Schmidt et les autres personnages de la série deviennent des mêmes à leur tour.

La version complète de l’intro sur Songify This :

Les Soulections #10 : Curtis Mayfield

Comme pour les autres sections de mes chroniques, sur les dizaines, je me réserve toujours un petit plaisir, aujourd’hui, c’est pour moi, l’un des artistes les plus marquants de l’histoire de la soul music, MONSIEUR Curtis Mayfield!!!

Le chanteur guitariste de Chicago est l’un des fers de lance de l’éveil d’une conscience sociale musicale au même titre que Marvin Gaye, Stevie Wonder ou Gil Scott Heron, peut être, quelque part des précurseurs du hip hop revendicatif des Public Enemy et autres. Sa musique a influencé à travers ses riffs de guitare et sa voix si particulière.

La vie et la carrière de Mayfield sont de véritables montagnes russes, il naît en 1942 dans l’un des quartiers les plus difficiles de Chicago, Cabrini-Green, très vite désintéressé de l’école, il se passionne pour la musique et les groupes de Gospel, très populaires dans sa communauté. Il s’oriente principalement vers la guitare et le chant et compose avec ses cousins et les ex “Alphatones”, une nouvelle formation qu’ils nomment les “Northern jubilee singers”, parmi eux, un certain Jerry Butler, qui sera leur lead vocal, Curtis, lui, c’est le guitariste principal. Leur musique est principalement spirituelle et comme pour beaucoup dans ce cas, la reconnaissance est majoritairement locale, malgré tout, cette expérience leur permettra de faire la connaissance des “Roosters”, une autre groupe, issu lui du Tennessee et qui a décidé de passer sur la côte est et tenter sa chance loin des terres du rock. Les deux groupes fusionnent, deviennent les “Impressions” et signent leur premier contrat dans un label, chez Vee-Jay Records, le premier label noir américain, et non, ce n’est pas la Motown. Les nouveaux re-nommés “Impressions” n’oublient pas leurs racines Gospel, mais se réorientent dans un style plus R’N’B et le succès est vite au rendez-vous avec des titres comme “For your precious love” en 1958.

Le problème, c’est qu’avec ce succès, vient également de grosses tensions au sein du groupe et notamment entre Curtis et Jerry Butler et ce dernier finira par quitter le groupe. Les Impressions continuent leur petit bonhomme de chemin et font même mieux que ça quand ils sortent “This is my country” et “Gipsy woman”, c’est une très belle carrière qui s’annonce pour le groupe avec Curtis à leur tête et cela durant toutes les années 60.

La fin de la décennie marque la fin des “Impressions” et le début de la carrière solo de Curtis Mayfield, c’est là qu’il va marquer l’histoire de la musique, dès son premier album éponyme, avec des chansons comme “(Don’t worry) If there’s a hell below, we’re all gonna go” (le générique de “The deuce”) et “We, the people, who are darker than blue”, il marque le pas sur les ballades et devient un artiste engagé socialement et politiquement.

Ce nouveau virage dans la carrière du Chicagoan explose au visage de la communauté noire Américaine et du monde entier en 1972 avec la B.O du film “Superfly”, le grand succès de Mayfield.

Finalement, le succès du disque dépasse même celui du film et pour la première fois, dans une bande originale de Blaxploitation, on ne parle pas que des macs et des prostituées, Mayfield aborde les problèmes de sociétés de l’époque, la drogue dans les ghettos, la pauvreté et l’ingérence du gouvernement en place. Très vite repris par le mouvement des droits civiques au même titre qu’Innervision de Stevie Wonder et What’s going on de Marvin Gaye, l’exposition de Curtis est décuplé, il devient l’un des emblèmes du “Black power”. Tout au long des années 70, il continuera d’enchainer les succès musicaux, en tant qu’artiste, mais aussi comme producteur, sur l’album de Baby Huey et son immense “Hard time” par exemple. Le début des années 80 marque les grands débuts du hip hop et de son aspect revendicatif, mais aussi un petit retrait de la scène musicale pour Curtis Mayfield, qui ne sortira des disques mais avec un succès moindre, le créneau politique étant occupé par les rappeurs.

Curtis continue de tourner sur scène jusqu’au 14 Août 1990, où un projecteur lui tombe dessus et le paralyse lors d’un concert à Brooklyn. L’artiste ne pourra plus jouer de la guitare, mais restera actif dans le monde musical et sortira même un dernier album en 1996, “New world order”.

Malheureusement pour nous et pour l’industrie de la musique, il est atteint de diabète et doit se faire amputer d’une jambe en 1998, dès lors, son état se dégrade rapidement et il décèdera le 26 Décembre 1999 à Roswell, en Géorgie.

Alors, voilà, si vous souhaitez (re) découvrir ce génie de la musique, je vous recommande vivement de venir emprunter nos documents à la médiathèque (disque, DVD…) en attendant de vous retrouver dans les bacs, voici un petit aperçu du talent de Curtis Mayfield.

Laurent

Lucky Peterson-Jimmy Smith, Même Tribu !

Oui je sais, le titre semble osé! Mais si je l’empreinte à Claude Moine alias Eddy Mitchell dont le dernier album porte cet intitulé, ici c’est vraiment le cas! Lucky Peterson est issu de la culture gospel-blues (il a commencé tout jeune, par chanter du gospel dans les églises), multi-instrumentiste  de talent (batterie, guitare, orgue Hammond, basse) et bien sûr chanteur de blues depuis le début de sa carrière. Sa carrière déjà longue et jalonnée de très beaux disques gorgés de blues, soul, rhythm and blues, ont fait de ce musicien une figure emblématique de la scène musicale des 30 dernières années en Europe et aux Etats-Unis. Ses performances scéniques sont souvent de très haut niveau même le bonhomme a une forte tendance à « cabotiner ».

Son dernier bébé musical est un hommage à une grande figure du jazz des années 60-70, dont l’instrument de prédilection était l’orgue Hammond B3 : Jimmy Smith (photo).

Ce musicien dont style, le jeu percutant, inventif, résolument moderne, a influencé des groupes d’horizons différents comme Les Beastie Boys, Medeski Martin and Wood. Sa sonorité a même influencé les débuts de l’Acid Jazz. A côté de ça, Jimmy Smith a collaboré avec des chefs d’orchestres tel Lalo Schiffrin, Oliver Nelson, ou des musiciens comme les guitaristes Wes Montgomery et Kenny Burrell, le trompettiste Dizzy Gillespie, le pianiste Oscar Peterson. Bref, un poids lourd de l’histoire du jazz!

C’est donc à l’lui que Lucky Peterson a décidé de rendre un hommage bien mérité. Pour cela il s’est entouré d’un casting de musiciens 5 étoiles : Archie Shepp (saxophone), un duo de guitaristes formé par Philippe Petrucciani et le jeune mais très prometteur Kelyn Crapp aux guitares, le vétéran Herlin Riley tenant quant à lui les baguettes (vu ces dernières années aux côtés de Hiromi ou Ahmad Jamal). Le résultat de cet hommage en 9 morceaux est un savoureux mélange de blues, de swing, de rhythm and blues. Sans ostentation, sans en faire trop non plus, Lucky Peterson, hormis 2 morceaux où sa voix intervient (« Jimmy wants to groove », « Singing thissong 4 U »), laisse la place à la musique et c’est un régal. C’est chaud, ça swingue, et le talent de Peterson fait le reste tant au piano qu’à l’orgue Hammond (son instrument fétiche).

Une belle promenade musicale, en hommage à un superbe musicien disparu en 2005.

Parmi les morceaux de l’album voici mes préférés : « Night Train » dans une nouvelle version,  » The Champ », « Jimmy wants to groove » et « Back at the Chicken Shack ».

Guillaume.

 

Gomorra, du Rap, du Rock … et la Mafia Napolitaine.

Ayant tout juste fini le visionnage de la troisième saison, il est grand temps que je vous parle un peu de cette immense série qu’est Gomorra. Peut être que vous avez déjà vu le film de Matteo Garrone, sorti en 2008 et dans ce cas, vous êtes familier avec le cadre, Secondigliano et sa fameuse cité en forme de pyramide. Quoi qu’il en soit, la série nous présente d’autres protagonistes, en l’occurrence, la famille Savastano et son terrible patriarche Don Pietro (Fortunato Cerlino), le parrain local.

Librement inspiré du livre du même nom de Roberto Saviano (Disponible à la médiathèque et en Italien), la série va nous faire vivre la vie de ce quartier sclérosé par la mafia Napolitaine, la fameuse Camorra. Au début de l’histoire, Don Pietro dirige le quartier avec une main de fer avec le soutien de son fils Gennaro (Salvatore Esposito), sa femme Donna Immacolata (Maria Pia Calzone) et son homme de main, Ciro, l’immortel (Marco D’amore). Au rythme des trahisons, de la guerre des familles et des trafics, les habitants du quartier doivent éviter les balles perdues et survivre au quotidien dans ces terribles conditions.

Je ne vais pas en ajouter et maintenant de vous parler de la bande originale de Gomorra et si généralement, quand je vous parle des B.O, je vous parle principalement des chansons diffusés pendant les épisodes, ici je voulais vraiment mettre en avant l’excellent travail du groupe recruté pour orchestrer tout ça, le groupe Mokadelic. Totalement inconnu de mes oreilles avant ça, j’avoue, je suis un peu light en rock Italien, Mokadelic est aujourd’hui, pour moi, indissociable de la série, notamment pour le morceau “Doomed to live” qui conclut chaque épisode et qui généralement, est là, pour accompagner un moment de grande intensité. Ce n’est pas le seul, toute la production de Mokadelic est vraiment le parfait accompagnement sonore pour le show, même si bien sûr il y a autre chose et c’est ce dont je vais vous parler maintenant.

Du rap Italien!!! Oui, oui, j’y croyais pas moi même, mais j’ai kiffé!!! Anglais, Allemand, Belge, j’avais déjà écouté et j’ai toujours réussi à trouver des choses qui me plaisaient, mais Italien? C’était une première!!! Je n’aurais probablement jamais prêté l’oreille sans la série et je regrette pas. Je vous conseille vraiment le morceau qui sert de générique de fin, de NTO’ & Lucariello “Nuje Vulimme ‘na Speranza”, ils apparaissent plusieurs fois sur le soundtrack et ils sont vraiment talentueux. Ce ne sont pas les seuls rappeurs Italiens de la B.O, il y a aussi Co’Sang ou Rocco Hunt et d’autres encore.

Au programme aussi, pas mal d’electro qui illustre les scènes dans les clubs et quelques artistes internationaux aussi comme Asaf Avidan ou Edwin Hawkins, récemment décédé.

Voilà, j’espère vous avoir donné envie de découvrir la série, elle vous glacera le sang, je vous le garantis et vous risquez, comme moi, de vous mettre au hip hop Napolitain après ça.

Laurent