Désormais… Aznavour est en haut de l’affiche pour l’éternité.


Le légendaire chanteur français Charles Aznavour (de son vrai nom Shahnour Varinag Aznavourian) s’en est allé discrètement, en ce début octobre 2018. Le dernier monstre sacré, arpentant inlassablement les scènes du monde entier (il était encore à Tokyo quelques jours avant de revenir en France dans sa maison des alpilles, où La Grande Faucheuse est venue le chercher dans son sommeil) est donc parti. Il devait bientôt entamer une énième tournée mondiale. Le rideau ne se lèvera donc plus pour lui.

Auteur-compositeur-interprète-comédien, Charles Aznavour (1924-2018) a connu une carrière de plus de 60 ans très dense, riche en rencontres avec de grandes figures de la chanson française, (Eddy Mitchell, Claude Nougaro, Johnny Hallyday, Francis Cabrel , Jean-Jacques Goldman, mais aussi Jacques Brel , Jean Ferrat, Georges Brassens, Léo Ferré, Serge Reggiani et Serge Gainsbourg), du jazz (Count Basie, Duke Ellington, Oscar Peterson, Nancy Sinatra, Liza Minnelli ou encore Frank Sinatra-il était d’ailleurs considéré comme le « french Frank Sinatra »… par les américains), du monde classique également (voire ses duos avec Luciano Pavarotti, Andrea Bocelli. Il n’arrêtais jamais de travailler, passant d’une tournée à un enregistrement d’album, à l’écriture d’une comédie musicale, d’un livre, de chansons pour d’autres interprètes (j’en parle un peu plus bas).

Aussi loin que je me souvienne, j’ai dû entendre sa voix de crooner alors que j’avais onze-douze ans. C’était dans la voiture familiale ou à la maison. Très vite je vais aimer ce chanteur, sa voix, son phrasé inimitable, son sens du swing, qui d’ailleurs se retrouvait dans ses chansons et ses orchestrations. Il fera ses premiers pas sur scène à l’âge de 8-9 ans. Plus tard, couvé à ses débuts par la grande Edith Piaf pour qui il écrira des chansons, qui fut également la mentor de Yves Montand, il va trouver la force et le courage de se lancer dans la carrière de chanteur. En 1954, après avoir été remarqué par le directeur du Moulin Rouge, lors d’une précédente tournée au Maroc, Aznavour est embauché pour chanter au célèbre cabaret. L’année d’après il fera ses premiers pas sur la scène de l’Olympia. Le voilà désormais lancé, lui qui fut moqué à ses débuts pour sa voix chevrotante, son physique d’écorché vif. Il va pourtant s’accrocher, ne rien lâcher, convaincre les plus sceptiques, les professionnels et le public. Contrairement à nombre de ses collègues contemporains, il va comprendre l’importance de parler plusieurs langues étrangères, qui vont le rendre très populaire lors de ses tournées hors France. Chanter en italien, espagnol, japonais, anglais, russe lui permettra d’être compris par ses auditoires. La revanche est là. Hier conspué par la critique, il devient alors une vedette internationale. Le plus célèbre chanteur français à l’étranger. Preuve de sa renommée hors de France, ses chansons ont été chantées ou reprises par des gens comme Frank Sinatra, Bing Crosby, Ray Charles, Bob Dylan, Tom Jones, Petula Clark ou Nina Simone, Shirley Bassey. Excusez du peu!!!

Insatiable défenseur de la langue française, il verra l’arrivée du rap en France, comme une forme nouvelle de la poésie, qui aura son appui. Ainsi des artistes tels que Kery James sur le titre « à l’ombre du show business », plus récemment Grand Corps Malade, sur le morceau « Tu es donc j’apprends » qui figure sur l’album « 3ème Temps », auront eu le privilège d’un duo avec le maître. Kool Shen, membre du duo infernal NTM et précurseur du rap en France (avec les rivaux marseillais d’IAM), sera ainsi défendu par Aznavour en personne lors d’un débat avec des hommes politiques. Rare pour être souligné.

Chose méconnue chez lui, il écrivait donc beaucoup pour les autres. Ainsi des artistes tels que Johnny Hallyday (« retiens la nuit »), Sylvie Vartan (« la plus belle pour aller danser »), Edith Piaf bien sûr (« Plus bleu que tes yeux »), Francis Lemarque (« J’aime Paris au mois de Mai »), Eddy Mitchell (« Tu n’es pas l’ange que j’attendais »), Juliette Gréco (« Je hais les dimanches ») ou Marcel Amont (« Le mexicain »), ont tous bénéficié de la plume de Charles Aznavour.

S’il était homme de chanson, auteur de tous ses textes, il fut également un comédien, dès 1936, côtoyant des réalisateurs comme Jean-Pierre Mocky, Henri Verneuil, François Truffaut, Claude Chabrol, Pierre Granier-Deferre, Wolker Schlondörff, et comédiens tels que Danielle Darrieux, Anouk Aimée, Pierre Brasseur, Lino Ventura, Maurice Biraud, Nicole Garcia, Jacques Villeret ou encore André Dussolier… la liste est très longue! Les films? « La Guerre des Gosses » (1936), son premier, sera suivi de plusieurs films marquants dans lesquels il aura des rôles de premier choix : « Tirez sur le pianiste »(1960), « Un taxi pour Tobrouk »(1960), « Les lions sont lâchés »(1961), »La métarmorphose des cloportes » (1965), « Le Tambour »(1979), « Le fantôme du chapelier » (1982). En 2002, il jouera dans le film d’Atom Egoyan « Ararat », qui traite du génocide arménien, pour la reconnaissance-(ce qui n’est toujours pas le cas à ce jour!!!!!!) duquel Aznavour s’est inlassablement mobilisé toute sa vie. En France, la reconnaissance ne date que de 2001. La Turquie refuse toujours à ce jour de reconnaitre le martyr infligé en 1915 au peuple arménien.

Pour l’anecdote, Charles Aznavour était cousin avec Mike Connors (de son vrai nom Krékor Ohanian), acteur américain, rendu célèbre par la série « Mannix » dans les années 70’s.

A 94 ans, Charles Aznavour part en laissant une œuvre riche et foisonnante de 1200 chansons, parsemées de standards. Nul doute que Là-Haut (également titre d’un film animé ou son personnage-déjà- s’envole dans le ciel enfermé dans une cabane-), il va s’asseoir à la table qu’occupe déjà Trenet, Ferré, Brel, Brassens, Higelin, Gainsbourg, Reggiani, Barbara, Piaf, pour faire ensemble des battle de rimes. A ce petit jeu-là, Charles Aznavour, durant 65 ans de carrière, a prouvé qu’il n’était pas le dernier. Un pan de l’histoire de la chanson française se referme. Il nous restera donc ses chansons, dont je vous propose un florilège, chantées en solo ou en duo, en français, italien, russe, anglais.

Guillaume.

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La résilience va payer pour Bibo.


Il y a quelque temps, je vous avais déjà parlé de Bibo, ce jeune artiste multi-facettes, rencontré par le hasard des réseaux sociaux et des passions communes (musique, séries etc…). Il nous revient cette année avec son plus gros projet en date: Résilience. Un projet en trois parties, deux volumes musicaux et un livre, multi-facettes je vous ai dit!

Pour ma part, je vais me focaliser sur l’aspect musical du projet, n’ayant pas eu encore l’occasion de lire le bouquin et croyez-moi j’ai déjà de la matière avec ces deux disques.

Deux volumes qui pour moi, sont un peu les deux faces d’un même artiste, le premier plus axé sur le rap, le vécu street de Bibo et le deuxième, bien plus soul, plus sentimental. Alors, quand le gars peut gérer deux disques en moins d’un an, avec deux aspects différents mais en même temps complémentaires, pourquoi choisir? Moi je dis qu’il a eu bien raison de nous offrir une double portion.

Donc sur les deux volumes, on arrive à une vingtaine de morceaux, soit grossièrement deux heures de bonheur musical avec l’accent chantant de Toulouse de Bibo. Les textes profonds et introspectifs sont toujours là, des morceaux comme “Leur donner de la force” (vol.2) ou “Ils parlent de nous” (vol.1) sont vraiment écrits avec les tripes, c’est puissant mais maîtrisé, avec juste ce qu’il faut de rage pour nous communiquer le message, même chose pour “Vous” (vol.2) qui est l’un de mes morceaux préférés sur les deux disques, comme il le dit lui-même, c’est un texte engagé et enragé, j’adore et j’adhère personnellement.

Comme je vous l’avais dit dans la première chronique, j’apprécie aussi énormément le timbre de voix de Bibo, sans jamais forcer, il chante juste, avec une voix douce et stable sur des tracks tel que “Demain sera plus clair” (vol.2), conclusion et pépite du deuxième disque, ce morceau est empreint de gospel, la symphonie au piano est juste superbe, une chanson pleine d’espoir et de positivité. Pareil pour “L’amour de soi”, déclaration d’amour absolue dont le refrain reste dans la tête, je crois que mon épouse, va l’entendre souvent celle-ci (rires). Je finirais par mon morceau préféré du projet, à savoir “Résilience, Pt II”, un des rares rap du deuxième volume, un véritable cri du coeur en racontant son histoire, c’est le highlight du disque pour moi. Cela dit, je serais pas totalement complet, si je n’avais pas tiré un gros coup de chapeau à l’équipe de prod. qui est franchement au top, comme quoi, quand on a une bonne team, faut pas lâcher et être RÉSILIENT.

 

Les disques sont disponibles ici et là.

 

Laurent

Feu! Chatterton, The Resets, pour bien démarrer la rentrée.


 

 

 

 

 

Quelle rentrée ! Fini les chaudes températures sur la plage, les tubes de crème, la bronzette, les apéros- barbecue!! La rentrée, professionnelle pour les un(e(s), scolaire pour les autres, a pris place… puis vient celle des actions culturelles! A L’honneur, deux groupes français. L’un professionnel, l’autre amateur. En premier lieu, Feu! Chatterton, quintet constitué de garçons qui se sont rencontrés dans les Lycées Louis-Le-Grand et l’Université de la Sorbonne dans le courant des années 2000, va ouvrir la saison musicale du service Culturel de Fontenay-sous-Bois, le 12 octobre prochain. Le répertoire musical de ce groupe français est un savant dosage de rock aux consonances anglo-saxonnes, de chanson française, de poésie. Mais vous vous demandez peut-être quelle est l’origine du nom de ce groupe… J’avoue que moi-même je n’en savais rien. Le patronyme de ce quintette fait référence à un poète et faussaire anglais, Thomas Chatterton, qui vécu brièvement au 18ème siècle (1752-1770). En 2012, le groupe sort un premier opus intitulé « La mort dans la pinède ». Quelques participations à des festivals de renom s’en suivront (Rock en Seine, Les Francofolies de La Rochelle, Le Printemps de Bourges) permettant au groupe de développer son public et se faire une réputation grandissante de phénomène musical à suivre de près. 2014 sera pour Feu! Chatterton celle de la reconnaissance de la profession avec notamment le prix Félix Leclerc pour le meilleur groupe francophone, et le prix Paris Jeunes Talents. Devenu une référence, ce groupe poursuit son chemin et publie en 2015 son deuxième album « Ici le jour (a tout enseveli) » chez le célèbre label Barclay. C’est donc fort de leur 3ème album « L’Oiseleur« , que Feu! Chatterton viendra fouler la scène de la salle Jacques Brel le 12 octobre.

 

 

 

 

A peine remis de vos émotions de  la veille, c’est avec le groupe The Resets, que vous aurez rendez-vous, à la médiathèque le samedi 13 octobre à 15H30, cette fois pour l’ouverture de sa saison musicale, à travers la reprise de ses kiosques musicaux. La médiathèque propose aux chanceux et chanceuses qui seront présent(e(s) de passer un moment en bonne compagnie musicale avec ce groupe. Quatuor formé de 3 hommes (Jonathan aux baguettes, Stéphane à la basse, et Frank à la guitare solo et rythmique) et d’une femme, Stéphanie, au chant, chose suffisamment rare dans le monde parfois encore trop macho du rock, y compris chez les formations dites amateurs ou semi-professionnelles, pour qu’elle mérite d’être soulignée. Cette dernière sait utiliser sa voix dans des registres aussi différents que ceux de Téléphone  avec « Un autre monde », des Pointer Sisters avec « I’m so excited », sa très belle interprétation du classique « Marcia Baila » de Rita Mitsouko ou de « Zombie » des Cranberries, si magnifiquement porté originellement par Dolores O’Riordan, décédé en janvier dernier. Chanson, rock, funk, disco, seront au menu musical pour ce premier kiosque de la saison 2018-2019.

Vous le constatez, la rentrée musicale se fait en des tonalités différentes, qui, chacune d’elles, à n’en pas douter nous ferons passer d’excellents moments.

Guillaume.

 

 

Les Soulections #15 : Diana Ross and The Supremes


the_supremes_article_cover_caro_original_23306Pas facile de ne pas faire du déjà vu sur LE groupe soul féminin le plus réputé des sixties, mais ma foi, difficile d’appeler une rubrique “Soulections” sans mentionner ceux qui ont porté le mouvement aux yeux du grand public et dans le genre Les Supremes se posent là!

Aussi talentueuses que tumultueuses, les Supremes ont commencées leur carrière sous le nom des “Primettes”, en quelque sorte “les petites soeurs” des “Primes” futurs “Temptations” dont je vous ai déjà parlé il y a quelque temps.

Avant d’exploser au grand jour, les “Primettes” chantaient dans les quartiers ouvriers de Detroit avant d’être repérées par Smokey Robinson, faiseur de hits des débuts de la Motown, il convainc le grand patron, Berry Gordy de signer les jeunes filles sur son label, fini les radio crochets, bonjours les studios et les contrats, les filles deviennent les “Supremes”.

D’abord cantonnées aux petits rôles derrière Marvin Gaye ou les Temptations, elles persévèrent et la chance finit par tourner, Gordy leur laisse leur chance et l’étincelle s’enflamme automatiquement, à l’époque composé de Mary Wilson, Barbara Martin, Florence Ballard et évidemment Diana Ross, les Supremes démontrent tout leur talent très rapidement et la Motown tient sa pépite féminine.

A partir de là, les hits s’enchaînent et les filles nous offrent des titres légendaires tels que “Baby love”, “Where did our love go?” ou encore “Stop! In the name of love”, chaque passage des Supremes enflamment les foules, notamment grâce à la personnalité flamboyante de leurs lead vocale, l’incomparable Diana Ross. Malheureusement, cette personnalité est surexploité par les dirigeants du label, des conflits viennent heurter le succès du groupe, Florence Ballard sombre dans l’alcool et la dépression, finit par être évincer du groupe, qui devient Diana Ross et les Supremes, ce qui marquera les débuts de la carrière solo de la belle de Detroit et la fin du groupe tel qu’il a connu son apogée.

Évidemment même en solo, Diana Ross continue de rayonner et d’envahir les charts à chaque sortie, les autres membres du groupe ont, elles aussi continuer, notamment Mary Wilson, qui connaîtra un certain succès, avec des titres tels que “Midnight dancer” ou “Pick up the pieces”.

En solo, Diana Ross continuera de régner jusque dans les années 80 ou elle participera même à la mythique comédie musicale “The Wiz” avec un certain Michael Jackson, dont elle est la marraine, soit dit en passant, sa carrière au cinéma ne s’arrête pas là, elle a aussi joué dans “Lady sings the blues” film biographique à propos de Billie Holliday.

Comme pour les Temptations, la carrière des Supremes a été faite de hauts et de bas, mais elles ont clairement ouvert des portes aux artistes noirs de l’époque, l’accès aux émissions de télé, notamment le “Ed Sullivan Show” n’était pas possible avant leurs passages, elles ont même plutôt enfoncées des portes, au sens littéral et figuré.

Rendons hommage à l’un des groupes féminins les plus marquants de l’histoire de la musique Américaine.

Laurent

Orville Gibson, le Père d’une guitare devenue mythique.


 

Gibson. Ce nom sonne comme un « classique », au même titre que Marshall, Telecaster, Stradivarius. Les amateurs de rock, jazz, ou chanson française savent bien qu’il s’agit du nom d’un instrument très particulier, la guitare, et de l’une de ses marques représentatives les plus fameuses. Mais qui était donc ce fameux Gibson ? (pour les plus jeunes, sachez qu’il n’a rien à voir avec Mel « Mad Max »- « BraveHeart » Gibson, acteur australien).

Orville H.Gibson, né en 1856 aux Etats-Unis, a crée l’entreprise Gibson en 1902. Avant d’assumer la charge à temps plein au sein de son entreprise de lutherie spécialisée dans la fabrication de guitares, le jeune Orville Gibson s’essaya très tôt à confectionner des guitares et des mandolines, tout en ayant des petits métiers à côté. En 1898, il avait déposé un brevet pour modifier les mandolines, à savoir aplanir le fond de caisse, bomber la table d’harmonie et un allongement significatif du manche. Seulement 2 ans après avoir ouvert sa propre usine de fabrication de guitares, Orville H. Gibson doit céder ses droits sur son brevet à des hommes d’affaires américains. L’aventure s’arrêtera là pour lui.

Dès 1906, les guitares qui sont alors sorties des ateliers Gibson, ne sont plus des modèles créés, fabriquées, par leur inventeur. L’histoire, à priori banale, d’un génial inventeur qui se fait ensuite déposséder de sa création et des droits de regard sur celle-ci, est alors déjà monnaie courante. Depuis cette époque, aujourd’hui lointaine, le nom de Gisbon est devenu mythique chez les plus grands noms de la guitare du 20ème siècle et d’aujourd’hui. Les mondes du blues, bien sûr, du jazz, et du rock, regorgent de musiciens célèbres ayant exercé leur talent ou se produisant encore sur les scènes du monde entier. Pour exemple, voici quelques noms :

Parmi les bluesmen et jazzmen vous trouverez Robert Johnson (artiste auquel le dessinateur Mezzo a consacré une superbe bande dessinée (« Love in Vain », aux éditions Glénat, en compagnie de son complice Jean-Michel Dupont, qu’ils étaient venus présentés en 2016, et auquel le guitariste fontenaysien Michel Seban avait également rendu hommage lors d’un kiosque), Albert King, Freddie King, Eric Clapton, T-Bone Walker, Larry Carlton, Charlie Christian, Wes Montgomery entre autres. Dans l’univers du rock, on peut citer Jeff Beck (Yardbirds, Jeff Beck Group), Chuck Berry, Ritchie Blackmore (Deep Purple, Rainbow), Angus Young (ACDC), The Edge (U2), Peter Frampton (Humbe Pie), Ace Frehley (Kiss), Billy Gibbons (ZZ Top), Gary Moore (Thin Lizzy), David Gilmour (Pink Floyd), Jimi Hendrix (Jimi Hendrix Experience), Jimmy Page (Led Zeppelin), Joe Perry (Aerosmith), Keith Richards (Rolling Stones). Chez les guitaristes français je citerai surtout Louis Bertignac (Téléphone, Les Insus) et Paul Personne. Toutes ces personnalités ont donc eu le privilège d’avoir en main un des modèles de guitare Gibson. Certains d’entre eux possèdent des exemplaires « signées » de leu nom. Le plus célèbre étant Les Paul  devenue au fil des années un objet de convoitise et d’adoration pour tout guitariste qui se respecte. Un modèle à part. Unique.

Je vous laisse avec une belle brochette d’as de la 6-cordes en mode Gibson Majeur. Savourez!!!!

Guillaume.

 

 

 

Mac Miller, un artiste que j’ai découvert trop tard…



Voilà un énorme gâchis de talent et un gros raté de ma part musicalement parlant, je parle du jeune mc de Pittsburgh, décédé ce 7 Septembre, Mac Miller. Je reconnais être totalement passé à côté de Miller, depuis son début de carrière jusqu’à récemment et son passage au Tiny Desk de NPR music, une vidéo que vous pourrez voir plus bas.
Bien sûr, j’avais entendu des tracks par ci par là, des featurings aussi, mais je sais pas, je ne suis jamais vraiment entré dans son univers sans non plus m’expliquer pourquoi. Quoi qu’il en soit, sa performance dans ce petit coin de paradis musical que sont les Tiny Desk m’a marqué et d’autant plus depuis son décès. En réalité, c’est le dernier morceau du set qui m’a fait craqué, “2009”, j’y ai découvert un artiste bien plus profond que je ne l’imaginais et son attitude durant ce dernier, change totalement du reste du set et de ce que je connaissais de ce jeune homme en général. Une mélancolie soudaine le prend et avec le recul et son décès, on a l’impression qu’il sait, comme si il avait compris que sa route s’arrêterait bientôt, trop tôt…
Quoi qu’il en soit, j’ai décidé de me plonger un peu dans sa discographie et je n’ai pas été déçu, avec cinq albums studios et une dizaine de mixtapes à son actif, Mac a posé son empreinte sur le hip hop depuis la moitié des années 2000 et son début de carrière à 15 ans avec But My Mackin’ Aint Easy en 2007. Au fil des disques et des collaborations, il a su peaufiner son art jusqu’à proposer “Swimming” cet été, d’où est issu le morceau “2009” dont je vous parlais plus haut.
Alors, voilà, je vais pas en faire des tonnes comme si j’étais familier de sa musique depuis des années ce n’est pas le cas, mais je dois reconnaître que j’ai des regrets de ne pas avoir découvert cet artiste plus tôt et vu les témoignages au suite de son décès, de Black Thought à Kendrick Lamar, en passant par J.Cole ou Talib Kweli et bien d’autres encore, on ne peut qu’admettre que ce petit gars de Pittsburgh avait du talent et qu’il nous a quitté trop tôt, alors RIP Mac Miller

Laurent

Il était une fois … 1974!


 

Cette année-là, en France, dès janvier, Pierre Messmer est reconduit premier ministre de George Pompidou, qui décèdera le 2 avril. En mars, l’aéroport Charles-De-Gaulle est inauguré. Au cours de ce même mois a lieu le dernier voyage d’un train à vapeur. Le 19 mai, Valéry Giscard d’Estaing sera élu président de la République, Jacques Chirac nommé premier ministre. En juin, la majorité civile, jusque-là établie à 21 ans , est ramenée à 18 ans. En juillet, Françoise Giroud, journaliste-écrivain, entre au gouvernement et prend la tête du premier secrétariat d’Etat aux droits des femmes. En Août, Le plateau du Larzac voit débarquer 100.000 personnes, dans le cadre la suite de la contestation de l’élargissement du camp militaire basé à proximité. En décembre, une loi est votée autorisant l’accession  à la pilule pour les -18 ans, sans autorisation parentale, et remboursée par la sécurité sociale. De nombreux centres de planning familial vont ouvrir. Le 20 décembre, la loi présentée par Simone Veil sur l’interruption volontaire de grossesse est votée. Elle sera mise en application dès 1975. 1974 marque aussi la fin de L’ORTF. Place à 4 grands médias : TF1, Antenne 2, France 3, Radio France, et 3 sociétés de productions que seront TDF, la SFP, et L’INA.

Dans le monde, ce qui retient l’attention ce sont l’expulsion d’URSS de l’écrivain Alexandre Soljenitsyne, la fin de la dictature militaire au Portugal, l’Inde qui devient le 6ème pays détenteur de l’arme nucléaire, la fin de la dictature en Grèce et le rétablissement de la démocratie, l’adoption (en juillet 74!) par son assemblée de la langue française comme langue officielle du Québec. A noter les disparitions de personnalités telles que le jazzman Duke Ellington, le violoniste russe David Oïstrakh, ou du réalisateur italien Vittorio de Sica .

Mais place à notre désormais rituelle petite histoire inventée.

Waterloo au printemps. Dans cette ville tristement célèbre pour une déroute militaire mémorable de Napoléon, le temps est gris ce jour-là. J’ai 10 ans, timide. Adossé à un muret, entouré de camarades de mon âge dans une école anglaise, j’en suis le mal-aimé. Celui sur qui il est bon de se défouler. Certains garçons se verraient bien en mode Gigi L’amoroso, incarnation latine du british-lover-dandy, comme savaient si bien les incarner David Bowie ou Bryan Ferry. Trop jeune pour comprendre les grands et leurs tourments amoureux, les parades amoureuses, les « I honestly love you », ou « je t’aime je t’aime je t’aime », ou encore « On se retrouvera », comme répétés pour mieux convaincre la personne convoitée, je me tiens à l’écart de ce monde qui m’est pour l’heure étranger. Mais pas pour longtemps.

J’ai un ami, nommé William. il a 3 ans de plus que moi. Les tourments de l’amour lui trottent dans le cerveau. Il aime une fille. Anna, de 2 ans son ainée. Il a écrit une chanson pour elle. Il me dit qu’à la première occasion, il lui chantera, au téléphone, si il ne peut la voir. William est tombé amoureux sans le savoir d’une super nana. Belle, quelques tâches de rousseurs parcourant son visage, l’allure assurée d’une fille qui sait déjà plaire aux garçons, elle écoute du rock, bercée par les 33 tours que son père Freddie, la quarantaine déjà fatiguée d’un homme travaillant en usine qui fabrique des voitures (Austin Mini), passant ses soirées dans les pubs à boire des coups avec sa bande potes et jouant son argent aux courses de chevaux, lui a fait découvrir… Stones, Beatles, Elton John, Queen.. tous les classiques y passent! Il a une devise : pour lui la vie « it’s only rock’n’roll ». Affectueusement, Anna surnomme William « Billy ». Ses amies, connaissant son goût pour les garçons plus âgés qu’elle, se demandent en me voyant à ses côtés : « Qui c’est celui-là? ». Un soir qu’il est chez son père, le téléphone sonne. Sa mère, vivant à Bruxelles pour le travail, au bout du fil (expression désuète aujourd’hui au vu des cellulaires de notre quotidien). Elle n’a pas vu son fils depuis trop longtemps. Freddie prend alors le combiné et après quelques minutes d’une âpre discussion, une décision est prise. William quitte Waterloo pour la Venise du nord, sa mère, et sans doute une vie un peu meilleure. Il comprend alors qu’il ne reverra sans doute jamais Anna. Le téléphone pleure.

Le cœur déchiré, l’âme en peine, William s’en va, me laissant seul, et abandonnant son père à ses beuveries partagés, sa solitude plombée par le climat local.

Et moi, je me dis : « Vivement 1975! »

Guillaume.

 

 

 

 

 

 

 

 

# La playlist de Septembre 18 : au boulot !


 

Au boulot playlist

C’est la rentrée. Nous y revoilà, comme tous les ans. Septembre arrive, l’été indien, les feuilles qui commencent à tomber, le bronzage qui se fane tout doucement….
Après avoir gambadé en campagne, randonné en montagne, et nagé dans les vagues, oui, il faut rentrer et se remettre au travail.
Les premiers pas sont toujours les plus difficiles, repartir sur ce rythme effréné, métro, boulot, dodo….
Chanteurs, paroliers, musiciens se sont inspirés de cette folle envie de travailler pour écrire et composer quelques textes et mélodies qui ne sont donc pas forcément source de motivation…

Bonne écoute

Carine

Oddisee suit son cours…


Encore un artiste “séance de rattrapage” dont je vais vous parler aujourd’hui, il s’agit d’Oddisee, le jeune mc originaire de Prince George dans le Maryland avant de s’installer très jeune dans la capitale, Oddisee fait partie de ses rappeurs qui ne viennent pas des villes majeures du hip hop US et comme souvent avec ceux-là, il nous propose une musicalité différente de ce qu’on peut trouver à NY (même si c’est de celle-ci dont il est le plus proche), à L.A ou encore à Atlanta, Oddisee a son propre style ou devrais-je dire ses propres styles, car c’est le genre de gars qui expérimente et varie les plaisirs.

Parfois, je retrouve un peu le flow d’un Talib Kweli au niveau de la rapidité et de la précision des rimes, il aborde aussi le même type de sujet, à savoir le contexte politique américain, la vie de tous les jours, son vécu, les problèmes sociaux… Vous l’aurez compris, c’est un de ces artistes engagés, qui n’a pas sa langue dans sa poche. Physiquement et dans son comportement scénique, il me rappelle également Gaël Faye, dont je vous ai parlé il y a quelque temps.

Cet été me semblait être un bon moment pour vous faire (peut être) découvrir ce gars un peu en retrait des lumières du hip hop mainstream, qui selon ses propres mots est heureux de pouvoir faire découvrir un autre aspect de cette musique et de pouvoir en vivre sans vendre du rêve et des faux semblants, ce qui est, plus ou moins la norme de nos jours dans ce milieu.

Avec une dizaine d’albums à son actif en comptant les disques collaboratifs et ceux composés uniquement d’instrumentaux, comme quoi, il est aussi très bon en tant que producteur et qu’il n’a pas peur de perdre son public, c’est aussi ça le bon côté d’avoir une fanbase de puristes, il n’est pas obligé d’être en permanence derrière le mic, même si, bien sûr, c’est là, son talent premier.

Dans la discographie déjà bien fournie d’Oddisee, j’ai envie de mettre en avant quelques titres pour vous familiariser avec l’univers de l’artiste:

“You grew up” sur “The iceberg” en 2017

C’est l’un de mes tracks préférés d’Oddisee, il nous parle ici des causes des violences policières et du terrorisme aux US, tout ça raconté sous la forme de l’histoire de deux jeunes qui, confrontés aux conséquences des choix de leur entourage vont se retrouver embarqués dans des chemins qui n’auraient pas forcément été celui qu’ils auraient pris au départ. C’est tout de même plus intéressant d’essayer de comprendre que de juger, non? Le visuel du clip aussi est vraiment chouette.

Contradiction’s maze avec Maimouna Youssef sur The good fight en 2015

Comme son titre l’indique, ce morceau est fait d’affirmations et de contradictions, ce puzzle construit en rimes est une véritable plongée dans l’esprit du rappeur et un tour de force car réussir à dire tout et son contraire, sans paraître complètement dingue et en rimant en plus, moi je dis chapeau!!! La sublime voix de Mumu Fresh sur le refrain ajoute une superbe note jazzy au morceau.

Let it go sur “People Hear What They See” en 2012

Sampler le “Shaft” d’Isaac Hayes, c’est toujours un peu gonflé vu comme le titre est légendaire, c’est le genre d’exercice où il ne faut pas se rater et pour le coup, ici, c’est vraiment réussi! Oddisee explique un peu sa vision de la vie, l’attitude qu’il adopte, à savoir, laisser ses problèmes de côté et continuer d’avancer, ne pas faire cas des obstacles et foncer, il faut dire que ça lui réussit plutôt pas mal! C’est avec ce morceau que je l’avais découvert.

Own appeal sur “Tangible dreams” en 2013

Oddisee est un mc qui voyage, qui voyage beaucoup, il a vécu en Allemagne pendant un temps, est familier de la culture européenne, il dit que sa musique existe de par ses voyages, que peu importe où il va, sa musique le suit, il se fabrique un studio avec un coin de table et ce morceau est là pour illustrer cette passion de découvrir le monde et de s’en imprégner.

Sur ce, je vous laisse en compagnie d’Oddisee pour (re)découvrir un artiste qui en vaut vraiment le détour et qui sera demain soir au New Morning et moi aussi d’ailleurs!!!

Laurent

Adolphe Sax… Et L’homme créa le Saxophone !


Adolphe Sax. Cet homme né en Belgique, à Dinant, en 1814, il y a donc plus de 200 ans, a révolutionné la musique, en inventant pas moins qu’une petite famille d’instrument à vent, à savoir celle des saxophones ainsi que d’autres instruments, j’y reviens plus bas. A côté des saxophones, les saxhorns, comme les bugle, qu’il n’a certes pas inventés, bien qu’en ayant conçu des modèles qui ont très vite acquis une réputation supérieure à celle des autres modèles existants. L’instrument est d’ailleurs depuis très souvent présent au sein des fanfares ou des orchestres d’Harmonie. Son père, Charles-Joseph Sax, était également facteur d’instrument. Une tradition familiale donc. Un héritage de savoir faire que le jeune Adolphe allait vite déployer, puisque s’étant très jeune consacré à la facture de flûtes et de clarinette.

En 1835, il est devenu un maitre de la clarinette au point qu’à 15 ans, il est interdit de se produire lors de concours. Il créé un modèle de clarinette possédant 24 clés. En 1840, le bricoleur et musicien précoce qu’il est invente la clarinette basse et en dépose le brevet. Mais donc l’invention qui le rendra célèbre (et sans doute riche pour l’époque), c’est bien celle du saxophone. Sa volonté c’était, pour l’époque, et pour la musique, de mettre sur pied «un instrument qui par le caractère de sa voix pût se rapprocher des instruments à cordes, mais qui possédât plus de force et d’intensité que ces derniers » (Brevet français no 3 226 du

 

Encore fallait-il avant l’avènement par le jazz, trouver le moyen à l’époque de faire connaitre ce nouvel instrument, le rendre populaire. Ce fut chose faite grâce à l’aide du compositeur-flûtiste, Jules Demersseman, ami d’Adolphe Sax, qui composa plusieurs pièces pour saxophone, afin d’aider à connaissance auprès du public. mais le véritable acte fondateur de la naissance de cet instrument auprès de la communauté des compositeurs fut lorsque Hector Berlioz publia d’abord en 1842 une série d’articles élogieux envers Adolphe Sax et sa démarche novatrice, révolutionnaire, car l’avènement de ces nouveaux instruments allaient modifier, influer sur les compositions musicales, les orchestrations de l’époque et des temps futurs. Par la suite, Berlioz composa ce qui sera la première véritable œuvre pour saxophone, « Le Chant Sacré pour sextuor à vent« . Un adoubement de première classe!

Adolphe Sax, qui a donc déposé le brevet d’invention du saxophone en 1840, le verra validé seulement en 1846 (!), après la présentation par dessins interposés d’une série de saxophones, du soprano au baryton. Dès lors, il devient reconnu et entre comme professeur de la toute nouvelle classe de … saxophone au conservatoire de Paris en 1857. Sa nouvelle réputation lui vaut des demandes émanant de célèbres compositeurs comme Richard Wagner, qui lui passe commande d’inventer un Tuba (le fameux tuba « wagnérien »). La raison? Le célèbre maître souhaite un instrument pouvant jouer le thème de Walhalla dans l’Anneau du Nibelung.

Inventeur insatiable, Adolphe Sax a également pensé, réalisé, breveté des instruments comme le clairon, le trombone à coulisse, le basson! Rien de moins! Autant dire que les musiciens qui ont pratiqué ou jouent encore de l’un ou l’autre de ces instruments doivent une fière chandelle à ce personnage, qui par son génie, aura marqué l’histoire de la musique, du classique au jazz.

Adolphe Sax meurt en 1894. Il est enterré à Paris au cimetière Montmartre.

Je vous laisse (re)découvrir quelques célèbres utilisateurs de cet instrument.

Guillaume.

 

1 an en musique : 1984


Décidément, les années 80 sont un véritable crève coeur pour faire une playlist, à chaque fois je sélectionne cinquante titres et pour en sortir douze dont un inavouable, croyez-moi bien que je m’amuse…

Je ne pouvais pas passer à côté de ma déesse musicale absolue, MADAME Sade Adu avec son inoubliable “Smooth operator”, son timbre de voix, ce saxophone et les percus qui rythment ce morceau, c’est juste indescriptible “Coast to coast L.A to Chicagoooooo…” Ah la la je ne m’en lasserais jamais, je pourrais faire toute la chronique sur ce morceau si je m’écoutais. Allez on se reprend, y’a d’autres chose de qualité dans cette playlist de 1984, vous y retrouverez les géants de la pop Anglaise, à savoir Queen emmené par un Freddie Mercury inoubliable en travesti avec son aspirateur pour “I want to break free”, le batteur chauve le plus célèbre et la chanteuse aux cheveux les plus explosifs, respectivement Phil Collins et Tina Turner, pour les magnifiques “Against all odds” et “What’s love got to do with it?”

J’ai aussi mis deux fois George Michael, d’abord avec Wham pour le pétillant “Wake me up”, je pense que si vous cherchez une tenue pour illustrer le style pop début 80, le mini short et le sweat rose de George me paraissent être un choix judicieux. Et puis, j’ai aussi choisi le superbe “Careless Whisper” qui a un peu lancé la carrière solo de l’artiste, encore une fois, comme pour Sade, le saxo me transporte, je suis fan!!!

Mes années basket aussi sont représentées avec le morceau qui servait de chauffeur de salle pendant les temps morts des matchs des Chicago Bulls de Michael Jordan, le “Jump” de Van Halen, la madonne est là aussi, Jermaine, le frère de MJ aussi, pour son “When the rain begins to fall” avec Pia Zadora.

Je ne vais pas vous détailler toute la liste, mais juste finir par mon inavouable, qui, pour une fois, n’en est pas vraiment un, c’est plus une dédicace à Guillaume, fan absolue de Scorpions, qui me sifflote régulièrement dans les oreilles leur “Still loving you” et également ce qui est, pour moi, l’un des plus grands morceaux de l’histoire de la musique, le « Purple Rain » de Prince, dont je vous reparlerais plus tard dans une prochaine histoire d’une chanson.

Voilà, sur ce et attendant 1985, je vous souhaite une bonne écoute…

Laurent

Toto, Bona, Lokua : un trio aux voix d’anges


tbl-rvb

Voici le deuxième album de ce trio qui va vous enchanter. J’attendais depuis longtemps qu’ils se réunissent pour retrouver la douceur, l’âme du premier album. Et je n’ai vraiment pas été déçue. Il y a une véritable symbiose entre ces trois artistes. Comme une sorte de magie qui s’opère, une véritable fusion. Richard Bona, célèbre bassiste et chanteur, Gérald Toto, auteur compositeur interprète et Lokua Kanza, chanteur, multi-instrumentiste, compositeur… Tous trois sont des artistes aux multiples casquettes et talents.
On retrouve une vraie pureté, d’authenticité dans leur musique. Leurs voix vous transportent en terre inconnue. Chacun apporte ces racines : le Cameroun, le Congo, et les Antilles. Et de cette fusion naît leur univers mélodique absolument unique et envoûtant.
Très peu d’instruments accompagnent le trio. Ce sont essentiellement leurs voix qui ornent les mélodies, parfois la nature est présente, la forêt, les oiseaux. Quelques percussions, une guitare, une basse. Simplicité, pureté, beauté, délicatesse…
J’ai été transportée sur la planète Toto, Bona, Lokua. Laissez vous emporter…

Carine

 

Beatmakers, des hommes derrière les hits.


Les beatmakers dans le hip hop, ça fait un moment que j’ai envie de mettre en lumière ces hommes de l’ombre, ceux qui créent les instrumentaux des morceaux qui nous hantent pendant des années, ceux sans qui on ne bougerait pas la tête en entendant du rap! Alors, oui, aujourd’hui certains sont des stars, presque au même titre que ceux qui donnent vie à leurs instrumentaux, mais malgré tout, je trouvais important de vous dire un peu qui a fait quoi et bien sûr j’ai dû faire du tri, du gros tri même, que ce soit sur le choix des producteurs ou sur leurs oeuvres, j’en ai donc choisi six, qui ont pour moi bien façonné le hip hop depuis les années 90 à nos jours et choisi une dizaine de morceaux pour chacun.

 

J.DILLA

Je commence par un de ceux qui nous manque cruellement dans le paysage musical actuel, l’un des artisans des fameux Soulquarians et membre des Slum Village, l’incontournable J.Dilla. Maître absolu de la MPC, le natif de Detroit a une carrière aussi grandiose qu’elle fût courte, malheureusement fauché en pleine course par une grave maladie du sang à l’âge de 32 ans. Malgré ça, l’ancien de Slum Village reste l’un des producteurs les plus respecté, voire admiré dans le monde du hip hop, ceux qui ont travaillé avec lui, comme Common, Erykah Badu ou encore Talib Kweli en sont restés marqués à jamais et leurs musique est empreinte de l’esprit de Dilla. Son talent se résume facilement avec une anecdote de Questlove, le batteur de The Roots, grand ami de Jay Dilla: Un jour, pendant l’époque dorée des Soulquarians, Dilla assure qu’il est capable de sampler n’importe quel morceau et défie Quest de lui sortir un morceau. Le batteur qui est quand même une encyclopédie musicale, lui dégote un morceau de Rick James, dont il est persuadé qu’il n’est pas samplable, trop rapide selon Quest. Dilla se marre et ressort 20 minutes après avec un beat qui deviendra le fameux “Dooin it” de Common, Questlove en aurait presque perdu son afro légendaire.

9th WONDER

Sans doute le moins connu de la liste, mais pas à juste titre, en terme de talent et de productions majeures, ce “petit” gars de Caroline du Nord se pose là! Si vous aimez les samples Soul et Jazzy, 9th Wonder est le gars qu’il vous faut!

Il a commencé sa carrière en étant membre et producteur du groupe Little Brother avec Big Pooh et Phonte et s’est fait repérer réellement en remixant un morceau de Nas sur l’album “God’s son”. C’est l’ingénieur du son d’un certain Jay-Z, Young Guru qui est bluffé par le talent de 9th, il le contacte et lui dit que Jay a besoin d’un morceau pour son “Black album”. 9th Wonder se retrouve en studio avec l’une de ses idoles et on lui dit qu’il a grossièrement 20 minutes pour faire l’instru, ça va, pas de pression… En ressort “Threat”, Jigga garde le morceau pour l’album et c’est parti!!! Depuis, 9th a produit pour Talib Kweli, Kendrick Lamar, Erykah Badu et j’en passe… Dernièrement, le producteur de Caroline du Nord s’est concentré sur sa dernière trouvaille, Rapsody, pour qui il a produit entièrement son premier disque “Laila’s wisdom”, mais je vous en ai déjà parlé.

SCOTT STORCH

LE producteur star des années 2000, tout le monde se l’arrachait à l’époque, statistiquement, Scott Storch, c’est quasiment 1 hit sur 2 dans le hip hop et le R’n’B du début de ce millénaire. Au départ, Storch est l’un des membres originaux des Roots, chargé du clavier et si il quitte le groupe en tant que régulier quelques années plus tard, il reste proche de la formation de Philly et produit encore de temps à autre pour eux. C’est le cas sur “You got me”, le titre qui l’a révélé au grand public. Quelques temps plus tard, c’est LA véritable explosion avec “Still D.R.E” pour le “Chronic 2001” de Dr Dre, à partir de là, c’est la montée en flèche pour Scott et pendant une dizaine d’années, on ne verra que lui en haut des charts US. Malheureusement, Storch a du mal à gérer ce succès fulgurant et laisse  progressivement de côté la musique pour privilégier la fête et les substances illicites, il doit se faire hospitaliser à plusieurs reprises et finit même par se déclarer en banqueroute. Tout espoir n’est pas perdu pour Scott Storch, car depuis quelques temps, on l’a vu plusieurs fois au boulot et notamment avec Russ, une jeune étoile montante du hip hop, alors préparez vous à bouger la tête en 2018.

JUST BLAZE

Juuuuuuuuuuust Blaaaaaaaaaaazzzzzzzzze!!! Vous l’avez forcément ce petit gimmick vocal fait par le DJ du New Jersey, c’est sa signature musicale et vu la quantité de production du bonhomme, on l’a entendu un bon nombre de fois. Just Blaze, c’est typiquement les prod qui font bouger, le hip hop qu’on peut passer dans les clubs, dans vos soirées, c’est du sûr, ça va danser. Gros collaborateur de Jay-Z, principalement dans les années 2000 sur son Black Album ou sur les Blueprints, il s’épanouit aussi bien dans le rap que dans le R’n’B. Il a aussi beaucoup bossé avec Fabolous, pour qui il a produit les tubes “Can’t let u go” et “Breathe”. Pour réaliser ses morceaux, Blaze a samplé beaucoup de Soul, mais aussi de la pop, de l’électro, son univers est peut être le plus ouvert des 6 beatmakers dont je vous parle aujourd’hui.

THE ALCHEMIST

Le plus underground de la liste, sans aucun doute, si vous cherchez du rap sombre qui passe dans les ruelles malfamées, il y a de fortes chances pour qu’Alchemist soit derrière celle-ci, c’est Action Bronson qui en parle le mieux et qui définit sa musique comme la bande originale sur laquelle vous vous ferez assassiner (rires)!!! Plus serieusement, Al est un véritable génie et les mc’s le savent bien, chacun de ses beats sont hyper travaillés et très souvent finissent comme l’un des morceaux phares de leurs disques. Les quelques exemples de la playlist sont frappants et personnellement, les tracks qu’il a fait avec Mobb Deep sont tout simplement légendaires, plus récemment, c’est avec Action Bronson qu’on l’a retrouvé le plus souvent, que ce soit derrière la table de mixage ou dans son émission “Fuck that’s delicious” dont je vous avais parlé il y a un moment déjà. Leurs échanges sont souvent hilarants et la personnalité colorée de Bronson qui contraste fort avec celle d’Alchemist valent vraiment le détour.

DJ PREMIER

Comment finir cette chronique autrement qu’avec Primo? La légende du rap New Yorkais, monsieur Boom Bap, l’autre moitié du duo mythique avec Guru, à savoir Gangstarr. Ce gars est probablement la plus grande encyclopédie du hip hop et l’un des beatmakers les plus légendaires de l’histoire, au même titre qu’un Dr Dre (je sais,il manque à ma liste, mais c’était voulu) pour la West Coast, chaque instru de Preem est une mine d’or pour les mc qui en hérite. Hormis l’évidence Gangstarr, on trouve dans la liste des heureux élus Jay-Z, Nas, Busta Rhymes, Joey Badass, Capone & Noreaga, je m’arrête la parce que la liste est sans fin, mais bon avouez qu’il n’y a que du lourd…

Avec son style reconnaissable entre mille, les samples soul, les grosses basses, les kicks qui frappent fort et les fameux refrains scratchés parmi les propres morceaux de l’artiste derrière le mic, Premier, c’est une véritable identité! Alors évidemment, aujourd’hui avec la multiplication des beatmakers, la facilité d’accès aux outils de la MAO, il est un peu moins visible, mais malgré tout, dès qu’un projet sort estampillé DJ Premier, c’est un événement! Et si tous ne veulent pas l’admettre, le hip hop ne serait sans doute pas où il est sans le DJ de Gangstarr.

Laurent

Stradivarius, l’homme qui inventa LE violon.


Stradivarius. Ce nom aujourd’hui célèbre dans le monde entier, mais surtout dans le monde de la musique classique, désigne habituellement et surtout un instrument précis : Le violon. Car qui détient un stradivarius est en règle générale un(e) instrumentiste de haut vol, un(e) virtuose de l’instrument. Un Stradivarius, pour un violoniste, c’est une sorte de Graal.

Mais d’où vient donc ce nom vous demandez-vous certainement? Il est tout simplement celui de Antonio Giacomo Stradivari alias Stradivarius.  L’homme, qui a vécu à cheval sur le 17ème et le 18ème siècle, fut un luthier qui devint célèbre surtout pour la qualité des violons qu’il confectionna. Loin de se contenter du seul violon (on en compta jusqu’à 600 fabriqués), ce sont également des violoncelles (50), des altos (12) ainsi que des guitares (3) que le Maestro fit naître de ses mains virtuoses.

Sa renommée fait de lui un fournisseur des plus grandes cours d’Europe de l’époque. Elève d’un luthier nommé Antonio Amati, il aurait si bien retenu l’art de son maitre-mentor qu’il s’en inspira fortement dans la manière qu’il a eu de façonner ses instruments. Prolifique, le génial artisan italien a semble-t-il connu plusieurs grandes périodes dans sa carrière de Luthier. Les spécialistes en dénombrent 3 : La première, qui se situe entre 1680 et 1700, est celle où Stradivarius façonne des instruments proches dans leur finalité de ceux de Amati. Ensuite, de 1700 à 1710, la lutherie évoluant, et surtout les musiciens étant amenés à se produire dans des salles de plus en plus grandes, la nécessité d’avoir des instruments aux sonorités plus développées, plus puissantes, se fait jour afin de contenter le public ainsi que les musiciens-musiciennes.

La 3ème période, qui démarre dès 1709, couvrira les années 1725-1727, concidérées comme les plus prolifiques et qualitatives. L’âge d’or du Maitre (Maestro) luthier.

Les 7 dernières années de sa vie (1786-1793), Stradivarius dirigera son atelier soutenu par ses deux fils ainsi que Carlo Bergonsi, son dernier élève. Après son décès, à 93 ans, à Cremone, ville qui l’avait vu naître, ses deux fils continueront son œuvre mais sans le même succès car ils ne possédaient pas le même savoir-faire que leur aîné. De son œuvre, du millier de pièces fabriquées, conçues, ciselées, passées entre les mains du Maestro, il en resterait aujourd’hui environ 700. A ce jour, le plus anciennement daté qui soit connu remonte à 1666, et fut acquis en 1900 par le luthier Charles Paul Serdet.

Aujourd’hui, en ce début de 21ème siècle ultra moderne, connecté, si le métier de luthier existe encore, fort heureusement, la célébrité du nom Stradivarius n’est plus à faire : Yehudi Menuhin, Itzhak Perlman, Maxime Vengerov, Renaud Capuçon. La rareté de l’instrument, sa facture particulière, sa sonorité spécifique, bien que concurrencées aujourd’hui par des violons modernes, font du Stradivarius, à travers ses différents modèles conçus, un instrument très prisé et très cher (on parle ici de plus de 2 millions de $ ).

Je vous laisse en compagnie de quelques-uns des très grands violonistes qui ont eu le privilège rare de jouer sur un Stradivarius  au cours de leur carrière.

Guillaume.