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No more trouble with Allman Brothers Band.
Pour célébrer les 50 ans de l’un des plus fameux groupes de blues-rock américains, Allman Brothers Band, et de la parution du premier album du groupe en 1969 « The Allman Brothers Band », au menu duquel figure le titre « Trouble no more« , la maison de disque Universal a eu l’excellente idée de ressortir des tiroirs des bandes publiées sur les deux labels sur lesquels le groupe a fait sa carrière, Capricorn et Epic. Soit 5 cd au total.
En ressortant ces archives, cela permet au jeune public de découvrir ce groupe mythique essentiel de l’histoire de la musique blues-rock américaine. Ce groupe a connu 3 grandes périodes d’activité musicale, tout d’abord de 1969 à 1976, puis ensuite de 1978 à 1982 enfin de 1989 à 2014.
Autant de chapitres d’une longue histoire pour ce genre de groupe, qui à sa naissance, n’imaginait pas être encore vivant 45 ans plus tard! un sacré bout de route.
Fondé le 26 mars 1969, par les frangins Allman, Duane (guitares) et Gregg (chant, orgue), aidés dans cette tâche par Dickey Bets (guitares, chant), Berry Oakley ( basse), Butch Tricks aux percussions et Jay Johanson (batterie), le Allman Brothers Band va développer une musique qui est un savant mélange de blues, folk, rock, country, à l’égal de ce que produit le Lynyrd Skynyrd. Ce groupe talentueux va être marqué du sceau de la tragédie puisque successivement Duane Allman (29 octobre 1971) et Berry Oakley (11 novembre 1972) vont se tuer lors d’accidents de motos. Loin de l’ d’abattre, ces deux tragédies vont souder le groupe et lui donner l’envie la force pour aller de l’avant et composer encore davantage de musique. « Brothers and Sisters » qui sort en 1973 est le témoignage d’un virage musical important, celui pris vers une country-folk, avec deux tubes « Ramblin man » et « Jessica ». La période qui arrive, des mid seventies au début des années quatre vingt voit le groupe se déchirer, se séparer, ses membres se diriger vers des projets solos.
De 1989 à 2014, les Allman Brothers Band connaissent une période de résurrection salutaire. Dès 1989, le groupe reprend la route, renforcé des talents de Warren Haynes (guitare, chant), Johnny Neel (Claviers, harmonica), et Allen Woody (guitare basse). La tournée des festivals estivaux est un triomphe, le public revient vers eux, tout baigne comme sur des roulettes. Le claviériste Chuck Leavell a préféré rejoindre les Pierres qui Roulent en tournée, et Lamar Williams est lui terrassé par un cancer. Malgré ces avatars, Allman Brothers Band marque de son empreinte son retour et ravit ses fans, que ce soit sur scène ou sur disque. Il y aura aussi des engueulades, des guerres de contrats, bref tout ce qui fait le sel de la vie de la vie d’un groupe de rock normal.
La consécration viendra de ce le Rock and Roll Hall of Fame introduit officiellement le groupe en son antre, en 1995. Quelques années plus tard, en 2004, le live « One Way Out » remportera deux Grammy Awards.
Le coffret « Trouble No More » est un parfait résumé de la longue et riche carrière musicale de ce groupe légendaire, qui s’est illustré aussi bien dans le rock, le blues, le folk-rock, la country-folk.
Aujourd’hui, le groupe est repris par les nouveaux talents émergeants aux Etats-Unis, certains n’hésitant d’ailleurs pas à afficher un vraie filiation musicale avec ces légendes du rock américain. La reconnaissance ultime s’il en était besoin, que, 50 ans après, la musique de Allman Brothers Band perdure tout autant que son influence spirituelle sur la nouvelle scène musicale.
Guillaume.
Adam Lambert, nouvelle voix de la Reine.
Quand on est un groupe de rock légendaire, et que l’on perd brutalement en 1991, son charismatique chanteur Freddie Mercury, pas simple d’imaginer quelqu’un qui puisse lui succéder au micro. Occasionnellement, Roger Daltrey, chanteur des Who, est apparu sur scène aux côtés de Brian May, John Deacon et Roger Taylor. D’autres également lors d’évènements officiels, caritatifs. Autrement, pas d’intégration officielle d’un nouveau chanteur au groupe anglais. Et puis Adam Lambert est arrivé en 2011. Comme une évidence. Présence physique, voix puissante, le gaillard semble coller à priori au profil recherché par les Queen’s boys. Restait donc à passer l’épreuve du feu, celle de la scène, affronter le public qui vénérait Mercury. Rien de tel qu’une tournée pour savoir. Depuis 2011, Adam Lambert a participé à plusieurs tournées du groupe Queen. Le disque « Live around the World » sorti l’an dernier est donc le témoignage vivant de sa parfaite intégration à ce groupe mythique.
Mais qui est Adam Lambert ? D’où vient-il ? Arrêtons-nous un instant sur le profil du gaillard.
Né en 1992, cet acteur-chanteur s’est révélé au grand public lors de la huitième saison de l’émission « American Idol ». C’est suite à ce passage qu’il rencontre pour la première fois le groupe anglais et dans la foulée signe un contrat discographique avec le label Sony Entertainement. Adam Lambert fait son coming-out, révélant ainsi son homosexualité, et racontant avoir peser jusqu’à 110 kilos étant jeune, fait qu’il attribue à la raison de ne pas assumer son orientation sexuelle. En 2009, il enregistre un titre pour le film « 2012 » de Roland Emmerich. La même année il publie son premier album « For your entertainment ». 3 autres albums suivront, à intervalles réguliers. En 2011, aux MTV Awards à Belfast, il joue de nouveau avec Queen, puis encore à Kiev, pour la clôture de l’Euro 2012. Là, avec le groupe, il chante 25 titres. Toujours en 2012, il sort son deuxième album « Trespassing ». En 2014, il rejoint à nouveau Queen, pour une tournée mondiale, en hommage à son prédécesseur, Freddie Mercury. Du coup, il semble que Adam Lambert soit devenu le chanteur du groupe pour les tournées, reste à voir pour une prochain album studio.
Alors penchons-nous sur le disque qui nous intéresse ici, à savoir le « Live around the World », sorti en 2020. Au delà du fait qu’il contient 20 standards du groupe, marqué du sceau et de la voix de Freddie Mercury à l’époque de leur création, il me faut reconnaître deux choses. Premièrement, je n’avais entendu parler de ce chanteur avant de l’entendre en compagnie des Queen. Deuxièmement, de façon évidente, le bonhomme possède une voix exceptionnelle, mélange de puissance et de profondeur, capable de monter haut, de tenir long des notes lorsque cela s’avère nécessaire. Un brillant vocaliste.
Ce qui frappe d’entrée avec le morceau « Tear it up », c’est l’énergie, l’unité qui se dégage du groupe. Oui je dis bien groupe, car Adam Lambert marque immédiatement son territoire, vocalement. Puissance, aisance, il est à son affaire. A côté de lui, May Deacon et Taylor déroulent. Ca promet! La suite ne dément rien, avec « Now I’m here », morceau en version très hard, guitare incisive de May, et Lambert. se régale vocalement. Arrive « Another one bite the dust » et là, je ne peux m’empêcher de penser à la version livrée en 1986 à Wembley par Mercury et ses compères. Le regretté chanteur était alors au top, en forme, et avait assuré une prestation scénique et vocale pleine d’humour et d’intensité. Ici ce qui frappe, c’est les similarités d’intonations, de phrasé. Troubant. Mais Lambert a l’élégance de ne jamais tomber dans la parodie. Respect. Puis après un « Fat bottom girls » pour moi sans intérêt, on en vient à « Don’t stop me now »…où Adam Lambert va donner toute l’ampleur de son talent vocal, des notes basses aux aigües, qu’il sait chercher sans trop de difficultés. Une très belle version, sur laquelle on entend de plus son sens éprouvé de la scène et de lien avec le public. Ensuite viennent « I want to break free » et Somebody to love », portés magnifiquement par les quatre hommes sur scène. Puis arrive un émouvant « I was born to love you » initialement enregistré par Mercury et ses compères sur l’album « Made in Heaven », sorti en 1995, qui sera le dernier sur lequel apparaitra Freddie Mercury. Ici, Lambert s’en sort plutôt bien et c’est d’ailleurs sur ce titre à mon sens que l’on se rend compte de la similitude vocale entre Mercury et Lambert, ce qui a sans poussé May, Deacon et Taylor à l’engager pour les tournées. Il semble tellement à l’aise dans les notes hautes, dégage un sens mélodique éprouvé… Il arrive à donner une nouvelle couleur à ce morceau. Derrière May enchaine les parties de solo comme à la parade, ce qui enchante le public que l’on entend. « Under Pressure » est également une preuve des capacités étendues du frontman américain. Viennent ensuite 2 titres qui étaient marquées du talent vocal de Mercury, à savoir « Who wants to live forever », « The show must go on ». Le premier, il l’attaque de manière puissante, souple, alors que la guitare de Brian May semble plus aérienne que jamais ici. Superbe. Sur le suivant, ce véritable hymne à la vie, là aussi, Lambert n’en fait pas trop, imprimant sa marque, son empreinte vocale de jolie manière. Son chant est très lyrique, inspiré. ses envolées vocales incroyables. Après un « Love of my life » tout en douceur chanté par Brian May, joué en acoustique, rendu superbe avec la participation du public, nous avons droit à un « Bohemian Rhapsody » (là encore la version de Mercury à Wembley en 1986 est dans tous les esprits). Lambert, lui, s’en démarque fort bien, y mettant le tragique suffisant sans en rajouter, avec cette puissance vocale dont il a le secret. Enfin je terminerai par un « Crazy little thing called love », qui swingue comme jamais, donne envie de bouger, un petit bijou à savourer sans modération. Pour clore l’album live, les gars de la Reine nous offrent « We will rock you », saignant à souhait, et derrière une version de « We are the Champions », toute en envolées, puissante, qui prouve définitivement que Lambert a pleinement sa place au sein des membres de Queen. Reste plus qu’à imprimer cela sur disque.
Les nostalgiques de Mercury ne seront pas déçus par son héritier. Il remplit plus que très confortablement son rôle, et semble même être là depuis fort longtemps. Le pari est donc réussi, la greffe a pris.
Guillaume.
Troy Von Balthazar, un troubadour à l’âme folk
Le 12 décembre dernier, le troubadour américain aux accents folk Troy Von Balthazar, devait, dans le cadre du festival des Aventuriers 2020 , venir se produire à la médiathèque. Mais le Covid-19 en a décidé autrement. Toutes manifestations culturelles annulées jusqu’à fin décembre, nos collègues du service culturel, organisateurs du festival devenu un rendez-vous important de la ville et de la région parisienne chaque fin d’année, ont dû se résoudre à trouver une parade, offrir un festival en ligne. Et Troy Von Balthazar, qui après Agathe da Rama (2018) et Estelle Meyer (2019), devait donc venir présenter son travail, sa musique, son univers, au public, dans le cadre chaleureux de la salle des Arts à la médiathèque. Raté donc! Reste la possibilité de se rabattre sur son album « It ends like crazy », encensé par les « Inrocks« , revue culturelle intello de bon ton.
Alors que vaut donc le nouvel album de cet artiste américain poly-instrumentiste, qui en général, compose seul et dans une veine pop-folk mélancolique?. » It ends like crazy »est son sixième album depuis ses débuts en 2005 avec « Sweet receiver ». Hé bien c’est une belle réussite artistique, où se mêlent ambiances pop, folk des années 70, revigorées au son des années 2020, le tout balancé avec un brin de voix qui vous embarque dans les méandres de la mélancolie. Car TVB, en bon artisan, aime à ciseler ses chansons, sa musique. Il est très méticuleux. L’album se déroule sans aucune fatigue pour l’auditeur et réserve même d’agréable surprises, comme « Lullaby for Psycho », « Stoned dancers », « Impale » ou le terminal « Filthy days ». Cet album peut et doit s’écouter au calme, que vous soyez devant un feu de cheminée, ou dans un cadre qui se veut paisible.
Bien sûr je pourrai argumenter du fait qu’avant lui, Bob Dylan, Neil Young, Tony Joe White, Willie Nelson et quelques autres ont écrits les plus belles pages de ce folk-blues américain emprunt de nostalgie, d’écume de vie, de tristesse, mais aussi d’espoir renouvelé. Mais loin de vouloir bien sûr s’inscrire dans le sillage de ces prestigieux ainés du genre, Troy Von Balthazar cherche et réussit à se construire son propre univers folk-rock-blues, loin des standards, mais avec tout de même parfois de petits échos aux anciens, sans entrer toutefois dans le copier-coller, ce qui s’avèrerait sans intérêt aucun pour l’auditeur.
Mais non, loin de ce piège, TVB a donc tracé sa route, tracé son chemin (ca vous rappelle une chanson…??) et c’est une agréable découverte pour moi. J’attend le prochain album avec intérêt.
En tous cas, si vous ne le connaissez pas encore, Troy Von Balthazar est un artiste à découvrir.
Guillaume.
Little Richard, premier de cordée du rock’n’roll.
Souvenez-vous, le 13 mai dernier, nous apprenions le décès de Little Richard, pionner et légende du rock américain, à qui j’avais ici-même consacré un article à cette funeste occasion. Cette fois-ci, c’est autour de la ressorti de 4 premiers albums ressortis par le label Avid Entertainement. L’occasion pour l’auditeur que je suis, de replonger dans une période que je n’ai pas connu, étant né quelques années plus tard (1967). Quatre albums, enregistrés entre 1957, 1958 et 1959.
Le premier des quatre albums donnés à réentendre est « Here’s Little Richard », que l’on pourrait traduire par « Voici (qui est) Little Richard ». Il démarre par le tube qui a lancé la carrière de Little Richard, « Tutti Frutti« . Sur ce disque on retrouve aussi des titres qui ont fait la célébrité du musicien, à savoir « Slippin » and slidin’ « , « Long tall Sally« repris et adapté par de nombreux artistes du rock, sur le second les tubes « Good golly Miss Molly« , ou le célébrissime « Lucille« .
A cette période bénie, c’est à dire les 50’s et les 60’s, les artistes, outre atlantique comme en Angleterre ou en France, soutenus par les labels, les radios du coin et des producteurs-dénicheurs de talents passionnés, loin des comptables qui envahissent aujourd’hui les multinationales de la musique, pouvaient donc enregistrer des albums à la chaine, de manière très rapprochée, manière de garder intact l’attrait du public suscité lors de l’album précédent.
C’est ainsi que démarra la folle histoire de Little Richard, comme après lui celle d’Elvis Presley,(ce dernier vite surnommé le « King », cornaqué par un producteur, le célèbre « colonel » Parker, qui n’avait d’ailleurs de colonel que le nom, car aucune légitimité militaire à se faire nommer ainsi si ce n’est pour impressionner l’interlocuteur).
En Europe, les carrières des Beatles, des Rolling Stones, du British Blues Boom bénéficieront aussi de ce mode de promotion et de production. Ca parait si loin.
Mais revenons à Little Richard. Et à ces quatre albums. Comme je le disais plus haut, ils ont été enregistré entre 1957 et 1959. L’artiste se montre prolixe, inventif, écrivant donc des titres qui vont rentrer au panthéon du rock, mais ça bien sûr, il l’ignore à l’heure de les écrire. Même de les jouer en live. Le garçon est virevoltant, énergique, sur scène il ne tient pas en place…. et fait le show en mettant ses jambes sur le clavier, en jouant debout, en chantant fort de sa voix puissante. Sur ces 4 albums, pêle-mêle, on trouve donc des classiques mais aussi des ballades, des titres certes plaisants mais qui ne renversent pas la table. Pourtant tout cela ramène à l’époque où nos parents étaient pour la plupart adolescents boutonneux et commençant à nourrir un sentiment de révolte. Les jupes des filles se raccourcissaient, les garons sortaient à peine des tenues étriquées costumes-cravates pour petit à petit se lâcher vers le jean et le cuir qui sera l’emblème de la génération de 68.
Sur ces 4 disques, qui jalonnent donc son début de carrière américaine, c’est aussi un voyage dans l’univers de la soul, du gospel. Comme nombre des des congénères afro-américains il vient de là. C’est d’ailleurs vers les églises qu’il est retourné, une fois qu’il a vu sa popularité décliner. Redonner ce qu’il avait reçu, partagé sa passion de la musique, du chant.
Eddie Cochran, génie foudroyé.
Né en 1938 aux États-Unis, Edward Raymond Cochran alias Eddie Cochran a fini sa courte vie (21 ans!) de musicien et star montante du Rock’n’roll assis à l’arrière d’un taxi, qui s’est fracassé sur la chaussée mouillée au nord de Londres, entre Bristol et l’aéroport de la capitale anglaise, le 17 avril 1960. Un pneu éclate, le jeune conducteur (19 ans!)du taxi, perd le contrôle et le véhicule finira sa course dans un belvédère. A bord du taxi, outre Cochran, sa fiancée, et la star du rock Gene Vincent. Eux finiront blessés mais vivants. Comme le chauffeur. Seul Cochran succombera à ses blessures à l’hôpital de Bath.
Une carrière en expansion stoppée nette, dans la tôle froissée. Un destin funeste pour un musicien promis à une belle carrière. Eddy Mitchell évoque joliment cet triste épisode, ainsi que celui de Buddy Holly, décédé lui aussi tragiquement, dans « J’avais 2 amis ». Eddie Cochran, garçon au look de jeune homme propre sur lui, ses vestes de costumes, ses cheveux bien coiffés, avait des mains d’or et une voix qui, sans être extraordinaire, savait captiver son auditoire.
Alors, que vaut « Somethin’else », compilation en 2 cd des meilleurs titres du musicien, publié par le label Le Chant Du Monde? Hé bien, pour moi qui ne connaissais pas l’artiste, ou tout juste quelques-uns de ses tubes, j’avoue avoir été très agréablement surpris.
Outre qu’il est un excellent musicien, capable, grâce à une oreille très précise, de rejouer une mélodie à peine entendue, il possède une voix et un sens rythmique, qui à l’époque, ont permis de le voir sortir du lot.
Là, ça démarre fort avec la reprise du « Long tall Sally » de Little Richard, puis on enchaîne avec « Blue Suede shoes », composé par Carl Perkins. Sur « That’s my desire », sa voix se fait grave, suave, enjôleuse, à la manière d’un Presley. Puis ça enchaîne avec un rockabilly, « Twenty-flight rock ». Sa virtuosité à la guitare est évidente. Completly sweet », totalement rockabilly, « Dark lonely street », très sombre avec juste sa guitare pour soutenir la voix, le très rock « Ping Peck Stags ». Bref le garçon, doué, peut tout jouer, chanter avec une aisance déconcertante. Sans doute l’héritage de ses jeunes années passées à tourner au sein des « Cochran Brothers », duo qu’il forma avec Hank Cochran, juste et rien d’autre qu’un homonyme. Ou dans les bars, avec des formations improbables mais formatrices. Cochran fait partie de cette génération qui chantait parfois en onomatopées, histoire de pas se fatiguer la mémoire. Parfois les chansons de Cochran, mais il n’était pas le seul à agir ainsi, étaient de véritables bluettes, sans consistance, mais il fallait bien remplir les pistes du disques et justifier la location du studio d’enregistrement.
Sur le second chapitre de cette compilation, qui s’ouvre avec le suave « Don’t let me go »signée Dale Fitzsimmons, suivie de « I’ve waited so long » de Merle Travis, Cochran nous offre aussi des perles comme « Let’s get together « , dont la rythmique n’est pas sans rappeler « Com’on everybody », que l’on retrouve un peu plus loin. Moi j’ai découvert des bijoux comme « Teenage heaven », le punch « My way ». « Somethin’else » qui figure sur la compilation est une chanson reprise par Johnny Hallyday sous le titre « Elle est terrible » en 1963.
Le blues ne lui échappe pas, écoutez donc « Milk cow blues ». On dirait qu’il a fait ça toute sa vie. Et que dire de sa version de « Hallelujah I love Her so », si subtilement arrangée, alors qu’on a tous la version de Ray Charles en tête.
Oui vraiment ce « Somethin’else » est un joli recueil qui retrace, avec de jolis moments pour l’auditeur, la carrière bien trop courte d’Eddie Cochran. A noter la présence d’un livret en français intéressant. Pour les nostalgiques comme pour les curieux / curieuses de découvrir cette période musicale. Des artistes comme Elvis Presley, Aerosmith, Ray Charles, Stevie Wonder, ou encore Jerry Reed, ont repris certains titres de ce génie fracassé. Le meilleur moyen d’honorer sa mémoire, sa musique, jouée encore 60 ans après sa disparition.
Je vous laisse avec une sélection de titres qui l’ont rendu célèbres, plus quelques reprises par d’autres artistes.
Guillaume.
Et Van Halen s’envola dans la Nuit.
Ce matin, me réveillant et regardant les premières infos apparaître sur mon téléphone portable, je vois la photo du guitariste Eddie Van Halen. Pas un bon présage. Je savais que le gars se battait depuis des mois contre un cancer, que du coup les tournées du groupe et retour en studio étaient suspendues à l’amélioration de l’état de santé du leader charismatique du groupe américain. Mais donc tout cela n’aura pas lieu. Car la dernière bataille, Eddie Van Halen l’a perdu, face à la maladie, tenace, qui l’a emporté. A 65 ans.
Né à Amsterdam en 1955, co-fondateur avec son frère Alex (batteur), du groupe qui porte leur nom, avec aussi le bassiste Michael Anthony (qui jouera plus tard dans Chickenfoot aux côtés de Joe Satriani) et le chanteur virevoltant David Lee Roth , Eddie va très vite en devenir la figure de proue au vue de son charisme scénique et surtout de son jeu de guitare, époustouflant, qui au tournant des années 70-80 va révolutionner l’approche de l’instrument. En effet il va réintroduire le tapping, technique qui consiste à aligner plusieurs notes très rapidement, avec un seul doigt. D’autres guitaristes par la suite reprendront cette technique. Notamment Steve Vaï et Joe Stariani.
Le jeu développé par Eddie est très spectaculaire, le son de sa guitare, avec une caisse barrée de rouge et de blanc, unique et reconnaissable. Le groupe, depuis sa fondation, enchaine les « hits » et lui les soli les plus dingues qui soient. Cette progression fulgurante du groupe, lui vaut une renommée grimpante, qui bientôt arrive jusqu’aux oreilles de Bambi alias MJ alias le Roi de la Pop, Michael Jackson himself. Celui-ci fit appel à ses talents de soliste pour enregistrer la partie de guitare qui figure sur « Beat it« . Le résultat sera bluffant, la collaboration un réel succès entre les deux artistes. Mais Eddie Van Halen est avant tout l’homme d’un projet, le sien, son bébé musical, son groupe, VH. La discographie, qui a donc décollé à la bascule des années 70-80’s, va connaître un vrai essor avec la parution de « 1984 », et son fameux tube » Jump« , intro au synthés, devenu l’emblème de l’Olympique de Marseille.
Mais si le guitariste reste un musicien hors pair et ne rechigne jamais à une sollicitation pour une collaboration artistique, il n’en reste pas moins que le groupe s’en vient à être miné par des remous internes. David Lee Roth part aux milieu des années 80, remplacé par Sammy Hagar, de 1985 à 1996. Un autre front-man expérimenté et à la voix puissante, mais moins sautillant que DLR. Les années 90 verront le groupe produire des albums très inégaux, parfois lourds, sans vrais idées novatrices, sans second souffle . J’en veux pour preuve « For unlawful carnival knowledge » (1991), « Balance » (1995). « Van Halen III » sorti en 1998 est peut-être à mes yeux, enfin mes oreilles, le meilleur de cette période. Mais en tournée, c’est un succès toujours assuré. Stades et salles pleines. Public en délire. Bref la Van Halen mania fonctionne à fond. Suite à « VH III », le groupe et son leader charismatique attendront 4 ans pour publier « A different kind of truth » en 2012. Par la suite, les malentendus, les tensions fraternelles, la maladie du guitariste, vont faire que la vie du groupe va se restreindre à des publications de best-of, à des apparitions télé, à des shows rares. Ces dernières années le groupe naviguait dans l’incertitude d’un double retour. Celui de DLR et celui donc de son mythique guitariste. Si l’un s’est produit entre 2007 et 2011, celui de Eddie Van Halen n’aura donc jamais lieu. Cloué par la maladie, il va se battre, jusqu’au bout, et finalement perdre le combat. Il a déposé les armes hier soir, laissant des millions de fans tristes ce matin. Mais sa musique va rester, en leg de son génie instrumental, de son inventivité toujours renouvelée depuis la fin des années 70 et la création du groupe Van Halen.
Vous je ne sais pas, mais personnellement, cette nouvelle m’a rendu triste aujourd’hui. Une part de mon adolescence s’en est allé avec le décès de ce génial guitariste.
Je vous laisse avec une sélection de titres sur lesquels il a marqué son empreinte.
Le Boss, en mode intime.
Depuis près de 40 ans, Bruce Springsteen « The Boss » qui va fêter ses 70 ans en septembre prochain, dépeint depuis ses débuts sa vision de l’Amérique, ses travers, ses excès. Springsteen, c’est une voix lourde, rauque, un brin cassée, comme éprouvée par la vie. C’est aussi un physique de camionneur, ou d’homme ayant côtoyé de près les chantiers, une carrure! Une plume incisive, acérée, un conteur hors pair d’histoires du quotidien vécu par lui-même ou ses compatriotes. Une voix écoutée, à l’égal de celle de Aretha Franklin, pour d’autres raisons. Une référence artistique qui a traversé plus de 3 générations.
Le gaillard nous revient cette année avec « Springsteen on Broadway« , enregistré en 2 étapes (Octobre 2017 et Décembre 2018) au Walter Kerr Theater, dans une prestation très intimiste, presque comme si l’on était dans son salon, Bruce Springsteen, ayant convié ses spectateurs, et par ricochet ses auditeurs.
Sur ce disque, entre les chansons, il se fait narrateur de ses rencontres humaines et / ou musicales qui ont jalonnées et bouleversées sa vie. Inconnu(e(s) ou célèbres. Il parle avec une profonde émotion de Clarence Clemons (voir plus bas). Il évoque également avec pudeur son enfance, puis de façon plus forte, son regard sur l’Amérique, lui qui a déjà connu plusieurs présidents sans forcément voire les choses foncièrement changer en positif, notamment depuis l’élection de Trump en 2017. Il constate avec désolation que les pauvres sont laissés pour compte, que la situation économique n’est pas florissante.
Tout au long de ce disque, Bruce Springsteen, seul sur scène la majeur partie du temps, puis en duo avec sa femme Patti Scialfa, qui vient l’accompagner sur deux titres, « Tougher than the rest » et « Brillant disguise », revisite son répertoire et ses classiques tels que « My hometown », « The promised land », évidemment le « Born in the USA », « Ghost of Tom Joad », « The rising », « Dancing in the dark », « Land of hope and dreams », en utilisant tantôt la guitare, le piano ou l’harmonica. Un régal! Son disque se termine par « Born to run », l’un des tous premiers titres qui ont rendus Bruce Springsteen célèbre à l’aube des années 80.
Lui qui a tout fait depuis plus de quarante ans, se produisant dans des stades immenses comme dans des salles à tailles plus humaine, en solo ou avec son fameux E.Street Band, au sein duquel évoluait son ami saxophoniste Clarence Clemons, disparu en 2011, nous offre ici sans doute ce qu’il affectionne de plus en plus. Se livrer, sans fioritures, à une audience attentive, dans un cocon qui lui va très bien.
Ce « On Broadway » est un petit bijou musical et émotionnel. Je vous laisse avec une petite sélection de morceaux, ainsi que quelques titres plus anciens.
A noter pour les adeptes du Boss, que son prochain album « Western Stars » sort le 14 juin. Encore un peu de patience !
Guillaume.
David Lee Roth, chanteur virevoltant.
Avec son air désinvolte, enjôleur, et ce besoin quasi constant de faire le clown, tant dans la vie que sur scène, David Lee Roth, chanteur à la voix un brin éraillée ultra reconnaissable, a connu une carrière faite de hauts et de bas. Anciennement dénommé Mammoth qui était alors un trio composé des deux frères Van Halen, Alex à la batterie et Edouard « Eddie » à la guitare, du bassiste Mark Stone, le groupe s’appellera Van Halen (suite à une suggestion de David Lee Roth, membre du groupe entre 1974 et 1985, qui y trouvait un aspect « puissant »), rejoint par le bassiste Michael Anthony en lieu et place de Mark Stone,
Durant cette période dorée, le bondissant chanteur californien va accumuler les succès tels que « Eruption« , un solo génial de Eddie Van Halen, d’abord improvisé en studio puis gravé sur le premier album du groupe à la demande de leur producteur Ted Templeman, ensuite « You really got me », reprise d’un titre des Kinks, « Runnin’ with the devil », « Dance the Night away » (sur Van Halen II). Viendront ensuite sur l’album « Women and children first » avec des morceaux comme « Tora Tora », « Everybody want some », « And the cradle will rock », « Romeo delight », où le talent vocal, l’expressivité sont tout à fait marquants. Pour avoir eu la chance de voir le groupe sur scène à 2 reprises dans les années 80, je confirme que David Lee Roth, s’il avait un style vocal et un timbre très singulier et reconnaissable, était également une véritable bête de scène, occupant l’espace sans pareil, courant, sautant, toujours avec le sourire aux lèvres, un brin cabotin, enjôleur. Le bonhomme possède un art consommé de la scène, de la communion avec le public, un véritable showman.
Personnellement j’avoue m’être arrêté à cette période là. Je n’ai pas écouter ses récentes productions discographiques, à tort peut-être, mais surtout parce que celui de 1998 m’avait laissé sur ma faim.
Homme a forte personnalité, il va assez rapidement avoir des conflits avec Eddie Van Halen, sur les orientations musicales à donner au groupe. La réalisation des albums qui suivront, « Fair Warning » et « Diver down« , va s’en ressentir fortement. Musicalement ils seront de moindre qualité. L’album « 1984 » sera le dernier enregistré par David Lee Roth avec Van Halen. Le morceau phare de cet album très commercial sera le fameux « Jump » avec son intro au synthés et la guitare de Eddie Van Halen. Il laissera sa place à Sammy Hagar, chanteur-guitariste, puis viendra Gary Cherone. Roth fera son retour dans le groupe en 2007 jusqu’à sa sortie définitive en 2012. Les albums qui précèdent sa réintégration, « For Unlawful Carnal Knowledge » (1991), « Balance » (1995), « Van Halen III » (1998), auront une tournure très FM avec un son énorme, et des compositions pas toujours égales en qualité. A noter que Wolfgang Van Halen, fils de Eddie Van Halen, intègrera le groupe en 2007, pour remplacer Michael Anthony. Le tout dernier enregistrement de DLR avec VH sera « A different kind of truth » en 2012, un album avec un gros son.
Comme je le disais plus haut, Roth est avant un homme de show, ayant le sens de la fête. Suite à son départ de Van Halen en 1985, Roth va les mettre en avant sur son premier album solo, « Crazy from the heat » qui inclut la reprise, ici totalement déjantée, du classique « I’m just a gigolo »et dans la même veine, du célèbre « California girls » des Beach Boys. Le ton est donné, il apparaît comme libéré des contraintes au sein de Van Halen, s’en donne à coeur joie, et laisse son côté cabotin, enjôleur se développer. En 1986, il enregistre « Eat’em and smile » en compagnie du guitariste prodige Steve Vaï, du batteur Greg Bissonette, du bassiste Billy Sheehan. Au menu, des titres tels que « Yankee Rose », le swinguant « I’m easy », les emballants « Goin crazy » et « Tobacco Road ». Le disque se termine par une reprise d’un totre de Frank Sinatra, « That’s life », dans une version revisitée qui mérite l’écoute. En 1988, surgit l’album « Skyscraper », où figure « Calfornia Girls », « Just like paradise », mais aussi « Skyscraper ». Sur ce disque, comme sur le précédent « Eat em and smile », Steve Vaï déploie son talent de guitariste avec bonheur. Viennent ensuite « A little ain’t enough » (1994) et « Your filthy little mouth »(1998). DLR revient à un rock énergique, au gros son, qui plait tant au public américain et aux radios locales.
Pourtant David Lee Roth est un grand chanteur, capable aussi de faire le crooner. Il reste donc un chanteur à réécouter ou découvrir car il a marqué de son empreinte vocale et de sons sens du show les 30 dernières années, dans le monde du rock et du hard-rock. A écouter en priorité, les 3 premiers albums de Van Halen et le déconnant « Eat em’ and smile ».
Je vous laisse avec une sélection de vidéos pour apprécier le talent du bonhomme.
Guillaume.
Alice Cooper, Still alive…
Vincent Damon Furnier, ce nom ne va surement rien vous dire…. Alice Cooper sans doute davantage! originaire de Detroit dans le Michigan, le presque septuagénaire (il aura 70 printemps en février 2018) est toujours bien vaillant, arpentant régulièrement les scènes du monde entier, et ce depuis plus de 5 décennies déjà.
Initiateur des show ayant des allures de grands-messes gore (il n’hésite pas à inclure des guillotines, des haches, et quelques animaux spectaculaires tels des Boas constrictors qu’il s’enroule autour du cou…!!! ), Alice Cooper marque aussi par sa voix un brin nasillarde mais puissante, et sa façon d’occuper la scène influencera des confrères tels Ozzy Osbourne, chanteur paronaiaque de Black Sabbath, qui lui piquera d’ailleurs quelques idées de mise en scène spectaculaires, ou bien encore le groupe américain de hard-rock, glam-rock, Kiss, qui reprendra l’idée de personnages maquillés! Un hommage en somme!
Alice Cooper se fera connaitra au grand public en 1971, à l’occasion de la sortie du 3ème album « Love it to death« , avec le single « I’m Eighteen« . En 1973, le titre « School’s out », puis l’album « Bilion Dollar babies« , finiront d’installer définitivement Alice Cooper comme un chanteur qui compte dans le paysage musical rock de l’époque.
En 1974, séparé de son groupe, Il entame une carrière solo, en conservant son pseudonyme, et publie « Welcome to my nightmare« , album qui fera un carton auprès du public. Les années passent, les courants musicaux tels le glam-rock, le hard-rock, le heavy métal, se succèdent mais Alice Cooper reste toujours d’actualité, produisant des albums régulièrement et je dois l’avouer de qualité inégale.
Personnellement, je n’avais plus écouté Alice Cooper jusqu’à la parution récente de « Paranormal », son dernier album paru en 2017, composé de 2 cd. Le premier cd est composé de titres neufs, dont la facture est assez bonne, avec des accents 70’s, une voix qu’il sait travailler à souhait, et des accents musicaux folks, rock, voire hard. un savoureux mélange des genres : A écouter : « Dead Flies », « Fireball », « Fallen in Love » ou encore « Holy Water ». Sur le second album, enregistrés en live en mai 2016, j’ai redécouvert des titres qui ont fait sa gloire tels que « No more Mr. Nice Guy », « Billion Dollar Babies », « Feed my Frankenstein » ou « School’s out ».
En somme, du bon Alice Cooper. A (ré) écouter avec bonheur. Car Alice Cooper est une figure incontournable de l’histoire du rock de ces 50 dernières années.
Guillaume.
Des grosses motos et du gros son.
On continue dans le thème séries et musiques, par contre, pour une fois je change complètement d’univers musical, au programme : Hard rock et ballades country, qui l’eut cru ?
Charming, ville fictive de Californie est le fief d’un gang de bikers du nom de « Sons of Anarchy », ils règnent sans partage sur tous les petits trafics de la région sur leurs grosses Harley Davidson, seulement au soin de cette joyeuse bande de barbus, le leadership est synonyme de conflit entre Jax Teller (Charlie Hunnam), fils héritier du fondateur du charter et Clay Morrow, (l’excellent Ron Perlman du « Nom de la rose »), co-fondateur et beau-père de ce dernier. Les deux protagonistes sont tenus d’une main de fer par Gemma, interprétée par Katey Sagal, l’inoubliable Peggy Bundy de « Mariés deux enfants ». S’en suivront tout un tas d’intrigues à motos illustrées par de la grosse guitare…
La bande originale qui accompagne la série de Kurt Sutter (mari de l’actrice principale) aura attendu quatre saisons avant de voir le jour, ce n’était pourtant pas faute de matériel car chaque épisode est musicalement plutôt bien abouti, que serait une bonne balade en Harley sans un bon vieux hard rock en fond ? Je vous le demande ! Le réalisateur a pourtant préféré patienter et nous offrir une belle compil’ des quatre premières saisons, un choix sympathique financièrement et qualitativement.
Quiconque ayant vu la série se souviendra forcément du générique d’intro signé par Curtis Stigers et plusieurs fois nominé pour le meilleur thème télévisuel. Perso, il a failli me convaincre de me mettre à la moto, c’est dire… Pour le reste, cette B.O nous offre quelques belles reprises parfois interprétées par Katey Sagal elle-même, comme « Son of a preacher man » ou encore « John the revelator » de Blind Willie Johnson magnifiquement repris par Curtis Stiger and the Forrest rangers.
Croyez-moi sur parole si je vous dis que je suis pas le mieux placé pour vous parler de ce type de musique, mais si je me risque à en faire une chronique c’est que la série et sa bande originale en valent la peine, « The crow flies straight… »
Laurent
Friday night lights
Voilà une grosse surprise pour moi, niveau série ! Je suis totalement passé à côté de Friday night lights à sa sortie en 2007, pour une raison très simple, je l’imaginais comme une série pour ados et honnêtement, je ne pense pas être le seul ! Je n’ai rien à reprocher à ces séries tels que Dawson, Beverly Hills (oui je sais, je suis vieux) ou encore Teen wolf etc… Elles fonctionnent très bien pour la tranche d’âge visée, mais ne me touche simplement pas.
Bref, en réalité FNL ne fait pas du tout parti de cette catégorie ! Il s’agit, c’est vrai d’une équipe de Football Américain au lycée, donc les gros muscles et les cheerleaders sont bien là, mais la comparaison avec les autres s’arrêtent là. La série traite en réalité de la vie d’une petite ville fictive du Texas qui vibre pour son équipe. C’est en fait plus une série de société, qu’une série sur le sport. Beaucoup de sujets sont abordés (et je viens juste de finir la 1ère saison) tels que le handicap, la pauvreté, l’alcoolisme ou encore la pression que peuvent subir ces jeunes, représentants de toute une ville.
Au casting, l’excellent Kyle Chandler, vu notamment dans Bloodline, mais aussi Taylor Kitsch (True detective) ou encore Connie Britton (American horror story). C’est Peter Berg (Hancock, Du sang et des larmes) qui est à la réalisation, il avait déjà dirigé le film dont la série est tirée.
Musicalement, comme c’est quand même de ça dont on parle, c’est très varié mais très intéressant ! C’est la pop/rock US qui est le plus utilisé pour l’ambiance du show, la majeure partie des instrumentaux ont été joués par le groupe Explosion in the sky. On a également du rap avec Outkast, de la country (Black Betty) et même du Stevie Wonder. C’est l’occasion de redécouvrir quelques tubes des années 90 et 2000.
Je vous conseille vivement d’entrer sur le stade des Dillon Panthers et d’embrasser la devise de Coach Taylor (Kyle Chandler) : Clear eyes, full eyes, can’t loose !!! L’intégrale de la série est disponible à la médiathèque.
Laurent
Le Flamand Rose revu (mais pas corrigé)
Dès la pochette de l’album, le ton est donné ! Le titre est sans équivoque Dark side of the Mule invite à la nostalgie d’un Flamand Rose resplendissant, inventif, puissant !
Mais là, pas de David Gilmour aux manettes, de Nick Mason aux baguettes… non ! Mais alors, qui ose ainsi reprendre la musique du Flamand Rose ? Juste un groupe américain tendance blues-rock, Gov’t Mule (né en 1994 de la volonté de Warren Haynes et Allen Woody (Allman Brothers Band), fans du Floyd) qui se lance ici le challenge de revisiter à sa sauce les titres mythiques du Floyd. Dès l’introductif « One of these days », je suis rassuré quant à la qualité de l’entreprise. Pas de trahison de l’esprit d’origine, pas non plus de reprise sans âme, non un travail bien mené tout comme les suivants « Pigs on wing part.2 « , « Shine on your crazy diamond », « Money », et le final « Wish you were here ».
Le quintette américain s’en tire de belle manière, la touche blues-rock n’étant ici pas un frein mais une couleur ajoutée à celle des titres repris, revisités.
Guillaume.
Carine
elodiemp
Elsa
Blogomil
Guillaume
julienfsb
Laurent
enitram
Michèle
Sème la Zic 