Pour Ben Harper, la saison des amoureux, c’est l’Hiver.

Benjamin Chase Harper, alias Ben Harper, né il y bientôt 52 ans ( il les aura le 29 octobre prochain) à Claremont en Californie, est un guitariste-auteur-compositeur-interprète, se produisant tantôt en solo, tantôt accompagné de groupes comme les Innocent Criminals, Blind Boys of Alabama, ou Relentless Seven. Aux confluences de divers musiques, à la manière d’un Lenny Kravitz, ou même d’un Prince auparavant, Ben Harper ne se gêne pas pour aller sur divers terrains musicaux, qu’il s’agisse du reggae, de la folk music, du blues, du gospel, du rock ou de la funk. Son spectre musical est très vaste, le gars ne s’interdit rien. Il se sent libre de tout faire, il ose tout. Sa carrière jusqu’ici jalonnée de succès jamais démentis, en témoignent ses concerts devant des salles remplies, est des plus riche artistiquement.

En 2020, en pleine période de confinement généralisé, il s’est offert de publier  » Winter is for lovers’ « . Et moi qui croyais que la saison des amours était naturellement le printemps voire l’été, voilà que ce gaillard nous assène que non, pour lui, tout se passe en hiver, au chaud des alcôves. Fidèle à ses habitudes, Ben Harper a enregistré cet album de manière très sobre, presque artisanale. Voilà vingt-huit ans que ce grand musicien trimballe sa carcasse et son sourire un peu partout dans le monde, depuis la sortie de « Pleasure and Pain » en 1992, suivi des deux albums à succès « Welcome to the cruel world » en 1994 et « Fight for your mind » dans la foulée en 1995.

Car Harper, très vite s’est identifié comme un musicien-citoyen à l’instar des Bob Dylan, Bruce Springsteen, Neil Young, Joan Baez, ou encore le légendaire Johnny Cash. Ben Harper le musicien est également un vrai conteur, parfois débarrassé des oripeaux de la star adulée qui empli les salles et les stades. Non il préfère les ambiances intimes, la proximité, la relation vraie à l’humain. C’est pourquoi aussi il fait rarement parler de lui en dehors de son activité musicale. Il sépare pleinement le professionnel et le privé.

Mais revenons au disque. Chacun des titres de cet album est une référence pour Ben Harper. Tantôt à l’enfance et aux quartiers où il a grandi avec « Inland Empire », mais aussi au désert de « Joshua Tree », pour le coté quasi hypnotique et mystique de l’endroit. Il évoque aussi évidemment un des hauts lieux du jazz de New-York, le quartier de Harlem, qui a été très important dans la renaissance de ce courant musical. Et puis bien sûr, il fait allusion à Londres, ville berceau de tant de guitaristes anglais de talents, dont le grand Jimmy Page notamment. Sur cet album d’une pureté absolue, très dépouillé musicalement, Ben Harper s’en donne à coeur joie et nous régale de son talent. Il nous fait un joli cadeau en terminant son disque avec une chanson sur Paris, ville qui pour lui signifie plus jamais le printemps, la vie, après l’hiver vécu dans le grand nord américain, new-yorkais ou canadien.

Ben Haper, tout jeune, eût la chance, grâce à son père qui tenait un magasin de guitare à Claremont, sa ville natale, le « Folk Music Center », de croiser des musiciens prestigieux tels que Ry Cooder ou Taj Mahal, qui deviendra son vrai mentor et l’emmènera même en tournée à ses débuts. Il voue d’ailleurs une reconnaissance éternelle à son mentor, sans qui rien n’aurait été possible selon Ben Harper.

« Winter is for lovers » est un projet musical que Ben Harper murissait dans sa tête depuis dix ans. Il souhaitait tant mettre en avant et mixer les cultures blues, amérindiennes, hawaïennes. Le résultat est bluffant de qualité. Je vous invite à l’écouter tant cet artiste propose ici un projet musical sans faille.

Guillaume.

Lettuce, du groove qui résonne plein pot.

Originaire de la ville de Boston (comme les groupe de hard-rock Aerosmisth cher à Joe Perry et Steven Tyler, et bien sûr.. Boston), Lettuce, combo de musique funk au groove extrêmement fondé en 1992, contient six musiciens, nous a proposé da dernière galette musicale l’an dernier, intitulée « Resonate« . Le titre de ce septième album du groupe (depuis Outta here, 2002) est plus que bien choisi tant la musique de ce quintet groove avec une efficacité redoutable, un sens rhythmique qui vous emmène dès la première mesure du premier morceau « Blaze ». C’est ultra puissant. Les titres s’enfilent comme des perles, sans jamais se reposer.

Moi qui ne qui ne connaissais pas ce groupe avant d’écouter cet album, je suis sous le charme. C’est puissant, coloré, varié. Après « Blaze »qui sert d’entrée en matière, viennent « Good Morning Mr. Shmink », le très beau « Ndugu », puis « Checker Wrecker », le doux « Silence is golden », et pour moi l’un des plus beaux morceaux du disques, « Moksha », aux influences indiennes, que restituent parfaitement guitare et claviers, mais aussi la présence très subtile d’un sitar et d’un tabla. C’est juste magnifique. On se croit immédiatement transporté au pays des Maharadjahs, du Taj Mahal, bref c’est vraiment un bonheur que d’écouter ce morceau. On sent que les gaillards ont soit voyagé là-bas, soit beaucoup écouter Ravi Shankar, George Harrison (qui lui-même a voyagé là-bas et influencé la musique des Beatles à son retour), le guitariste John McLaughlin et le percussionniste Trilok Gurtu… la durée du morceau, plus de sept minutes en est la plus belle expression. Après on passe à un « Mr. Dynamite » qui évoque forcément James Brown. avec cependant des sons de claviers un brin expérimentaux, et ce groove funky omniprésent que Father of Soul n’aurait pas renié pour danser dessus. Le dialogue entre la guitare et la trompette est très joli à écouter. Avec « Remember the children », on retombe dans un funk pur des années 70, époque George Clinton, James Brown, Tower of Power. Là, en plus des instruments, viennent se greffer des voix. Pas essentielles à mon sens… mais bon. Puis cela enchaine avec « Lude », petit intermède qui débouche sur le funky-disco » House of Lett », qui aurait eu toute sa place dans les boites de nuit des années 70 et 80. A entendre ce morceau, comme le reste de l’album, on n’a qu’une envie, se lever du canapé, direction le dance-floor, et laisser aller nos corps en rythmes (n’est-ce pas cher Laurent…😉). Ca fait tellement de bien. Pour clore le disque, « Resonate » qui donne son nom à l’album est un morceau au groove des plus planant, un peu spatial… mais très agréable pour finir cette production 2020.

Il faut noter que ce groupe, pour maitriser son travail de bout en bout, a créé son propre label, Lettuce Records, sur lequel il a enregistré plusieurs albums tels que : « Crush » (2015), « Mont Crushmore » (2016), « Elevate » (2019) ainsi que l’album live « Witches stew » (2017). Alors si vous aimer cet album, n’hésitez pas à vous plonger dans la discographie de ces bostoniens au groove chevillé au corps.

Cet album donne la pêche, le sourire, et par les temps qui courent, ça fait un bien fou. Reste plus qu’à les voir oeuvrer sur scène… mais ça, va falloir être patient encore un peu.

Guillaume.

https://www.youtube.com/playlist?list=PLwaqz1wV9_eXvj3DpChaVfOyuAYBXX0wq

Jamiroquai, retour mitigé !

Depuis « Rock Dust Light Star », paru en 2010, Jamiroquai et son chanteur charismatique Jay Kay n’avaient pas produit d’album, ce qui ne les empêchaient pas de tourner à travers le monde.
Aussi la sortie d’ « Automaton », le 31 mars 2017, marquait à l’époque le retour de ce groupe légendaire. C’est seulement le huitième opus des anglais depuis « Emergency on planet Earth », en 1993! La sorti de l’album sera suivi d’une triste nouvelle puisque l’ancien claviériste (période 1992-2002), Toby Smith, décède des suites d’un cancer en avril 2017.

Moi qui n’écoute pas régulièrement ce groupe ni même ne l’ai vu en concert, malgré une réputation plus que méritée de groupe de scène, aux prestations toujours aussi inattendues qu’éblouissantes selon les « followers » depuis ses débuts, et bien qu’ayant déjà entendu des albums précédents, qui révèlent un groupe et un chanteur très talentueux et maîtres de leur sujet, j’avais envie de jeter une oreille curieuse sur cet album sorti voilà 2 ans.

J’ avoue qu’ « Automaton » est un album qui m’a moyennement convaincu. Je m’attendais à une boule d’énergie, avec ce mélange savamment dosé de funk, soul et électro, très dansant, mélodieux. Dans la droite ligne des productions antérieurs. Le résultat est ici inégal, parfois décevant. Alors si « Shake it on » d’entrée nous met dans le mood…. ambiance dancefloor… boule périscopique…. et « lâchez-vous »! « Automaton » qui donne son nom à ce nouvel opus possède un son plus clinique, un univers davantage futuriste…un côté spatial… tout en restant dansant. « Cloud 9 », « Superfresh » et « Hot Property » avec ce début de morceau au son étouffé, sont dans ce droit fil, intemporels, mais follement modernes! « Something about you » nous fait revenir à du classique, dansant, bien produit, où la voix de Jay Kay, qui ne perd pas en qualité depuis toutes ces années, se balade avec aisance et tranquillité. » « Summer Girl » est un titre qui sonne comme les classiques de la soul music des 70’s. Et ca s’arrête là! Enfin pour moi! Car ce n’est pas la suite, avec « Nights out in the Jungle », « Dr. Buzz », « We can do it », Vitamin » qui s’enchaînent, qui me convaincra, et surtout me donneront l’image d’un album abouti. Ces derniers morceaux relèvent d’une production trop « propre »…. trop aseptisée! Pour finir, « Carla »un titre un brin évanescent où se mêle sans génie des boucles électroniques sans magie, des nappes de synthés, sur lesquelles Jay Kay pose sa voix sans grande conviction.

Au final, un album mi figue- mi raisin. Les puristes et les adorateurs / trices me trouveront sans doute sévère, mais pour avoir pu écouter « The return of the space cowboy » ou « Funky Odyssey« , deux albums superbes qui datent un peu dans le temps, « Automaton » tient difficilement la comparaison. J’ose espérer que son prochain album sera bien meilleur.

A vous de juger.

Guillaume.

https://www.youtube.com/watch?v=2XG0EyOdj5w

https://www.youtube.com/watch?v=KRgq8G2HpiQ

Havin Fun with Tower of Power? Yes we can !

Bon, ça y est! finis les bains de mer, les ballades en montagne, les tongues aux pieds et les maillots de bains qui sèchent sur la terrasse de la location, les apéros enterrasse ou bord de mer… Oui tout ça c’est bel et bien ter-mi-né!!! C’est l’heure de le rentrée, scolaire pour les uns, professionnelle pour les autres. Et épistolaire en ce qui me concerne ! Pour accompagner ce nouveau départ (désormais sans mon compère Laurent, dont vous pouvez néanmoins suivre les aventures sur radiolowlow.video.blog) je vous propose une chronique sur un groupe phare de la funk et de la soul-music des années 70-80, au même titre que Funkadelic, George Clinton, James Brown et quelques autres, à savoir Tower of Power.

Encore aujourd’hui il continue son bonhomme de chemin. Le label Soul Music Records a la très bonne idée de ressortir une anthologie de titres publiés chez Columbia et sur le label Epic, entre 1976 et 1997, sous le titre « You ought to be havin’ fun », cher au groupe qui sortit ce morceau en 1977.

Des années 70’s, période de formation du groupe, à 2009, Tower of Power a publié pas moins de 17 albums studios (notons le premier « East Bay Grease » (1970) puis dans la foulée « Bump city » (1972), « Tower of Power » (1973, disque d’or), « Back to Oakland » (1974) et « urban renewal » (1975) ainsi que 4 albums live (« Live and living color », 1976 ; « Direct », 1988 ; « Direct plus », 1997 ; « Soul vaccination live », 1999). Bref les gars n’ont pas lésiné.

Sur le double cd qui nous occupe, nous sommes veinards car les deux périodes (Columbia et Epic), sont très bien représentées. Le premier est donc consacré aux années « Columbia ». Et le moins que je puisse dire c’est que cette période recèle de nombreuses pépites musicales avec bien sûr « Ain’t nothin’ stoppin’ us now » dans lequel ils annoncent que rien ne les arrête (ils nous en apporte la preuve par la suite), qui ouvre le bal, mais aussi l’invitation au positivisme et à la fête avec « You ought to be havin’ fun », « Am I a fool », le très beau et sentimental « By your side », ou encore « Just make a move and be yourself ». Oui cette première face dirais-je si c’était un double-album vinyle (cette remarque vaut pour les plus de 30 ans…), est un régal musical, une enfilade de perles, de moments jouissifs au cours des lesquels autant la section cuivre que la partie rythmique s’en donnent à coeur joie. Cela me fait regretter de ne pas les avoir vu sur scène. Ce groupe de dix musiciens produit une musique festive, plaisante, ultra dansante, mais aussi parfois très expressive quant aux sentiments de tristesse ou nostalgie.

Sur la deuxième face de ce double-album, l’orgie musicale continue. Pour mon plus grand plaisir (et le vôtre quand vous écouterez ce double-album). Il s’agit donc ici des titres enregistrées lorsque le groupe était sous contrat avec le label Epic, en 1993, au moment de leur album T.O.P. A cette période, la section cuivre du groupe subissait bien des modifications mais cela n’altérait pas sa qualité. Pour preuve, elle était demandée par des artistes tels que Rufus et Chaka Khan ou Elton John.

Dès l’entame de cette seconde partie, T.O.P. nous met dans l’ambiance avec « Soul with a capital S ». Les gars ne plaisantent pas du tout. Pour eux, et ils ont raison, la soul est une musique majeur du 20ème siècle. Au vu de ses nombreuses et nombreux contributeurs/ trices, c’est devenu une évidence. Pour n’en citer que quelques-un.e.s. je vous donnerai : Ray Charles, James Brown, Tina Turner, Otis Redding, Marvin Gaye, Martha and the Vandellas, Prince, Teddy Pendergrass, Whitney Houston, Beyoncé, Aretha Franklin, Luther Vandros (tu vois Laurent je n’oublie personne 🙂 ) et je pourrai en citer encore beaucoup d’autres.

Oui donc, sur le second volet de cette compilation, il est possible de trouver des pépites comme « Please come back », « You », « Who do you think you are », le brownien (même la section cuivre joue « à la manière de » du duo Fred Wesley-Maceo Parker) « Diggin » with James Brown« .

Allez, bonne rentrée à toutes et tous, et que cette nouvelle année vous soit pleine de belles surprises musicales. Un petit salut amical à Laurent, parti vers d’autres aventures.

Guillaume.

Nos Samples Rendez-Vous # 37 : Busta Flex et The Dells

1998, peut être l’une des années les plus prolifiques en matière de rap et quelque part dans le Val D’oise, le jeune Busta Flex ne fait pas exception. Après, la sortie deux ans plus tôt de “Kick avec mes Nike”, un premier quatre titres qui marcha plutôt bien, il sort son premier disque éponyme “Busta Flex” dont est issu le titre dont je vais vous parler aujourd’hui: “J’fais mon job à plein temps”. Premier single de l’album, produit par le sage poète de la rue, Zoxea, ce morceau reprend une boucle de Parliament, le groupe du légendaire George Clinton, sur le titre “All your goodies are gone”, également repris par les Dells. Je reconnais ne plus savoir auquel des deux morceaux appartient la boucle, c’est pourquoi j’ai mis les deux à l’honneur. Les deux versions instrumentales sont assez proches, en revanche l’interprétation, elle, est bien propre à chacun, Parliament et son P-Funk sexy est tout de suite reconnaissable avec Clinton à la prod. La version des Dells est beaucoup plus orientée Soul, elle est issue de l’album “New beginnings” en 1978.

A vous de choisir votre préférée perso je vote pour The Dells et c’est rare que je préfère une cover à son originale, comme quoi…

Pour finir sur Busta et son “J’fais mon job à plein temps”, il est épaulé par une des légendes du hip hop héxagonal, MONSIEUR Kool Shen, avec qui il formera, quelques années plus tard, le super groupe IV my people avec Zoxea (producteur du track) et Lord Kossity. Le morceau est un égotrip, spécialité du Flex Sta-Beu et il est parfait comme premier single, avec cette boucle facilement reconnaissable, le flow de Flex et les backs de Kool Shen, la preuve, 20 ans plus tard, ce morceau fait toujours le job… à plein temps!!!

Laurent

1991, Prince, roi de Rio.

Le 18 janvier 1991, Prince est un artiste comblé, au top de sa renommée et de son talent. Il donne cette année-là quelques concerts à Rio, dans le célèbre stade du Maracana (qui peut accueillir près de 200.000 personnes) lors du Festival Rock in Rio. 90 minutes de pure musique. 90 minutes d’énergie, où tout y passe : funk, soul, improvisation, et la part belle donnée aussi à ses choristes. Le public très nombreux donc, ne semble pourtant pas totalement en phase ce soir-là, à moins que ce ne soit l’inverse. A l’écoute de ce live in Rio, il apparaît en effet que Prince ne soit pas en grande forme ce soir-là. 

Un des éléments le plus surprenant de cette soirée, surtout quand on connaît la réputation du bonhomme à tout maîtriser, contrôler, vérifier, dans le moindre détail, est la qualité du son rendu sur cet enregistrement. Le son est brouillon, comme étouffé, la voix et les instruments se font lointains, ce qui amoindrit la performance scénique et musicale du Kid de Minneapolis et de son orchestre. Néanmoins, tout au long du disque, on se rend compte que Prince se bat contre les éléments, qu’il essaye de chauffer le public, mais la mayonnaise ne prend jamais vraiment. Le répertoire est pourtant bourré de tubes :  » Kiss », « Horny Pony », « Purple Rain », « Take me with U », la reprise de « Nothing compares to you »… bref de quoi réjouir un auditoire sans problème. Le son, je l’ai dit, étant des plus mauvais, cela donne un live moyen, desservant la performance scénique du Kid de Minneapolis. C’est très agaçant! Je n’ai hélas jamais vu ce génie sur scène, aussi, dans l’absolu, je me disais que ce live, enregistré dans le cadre du plus grand festival de rock d’Amérique du Sud, me permettrait de rattraper ce manque. Hélas, 3 fois Hélas!!!

Reste que les fans inconditionnels y trouveront peut-être satisfaction (sans jeu de mot avec la fameuse chanson des Pierres qui Roulent 🙂 )… Pour ma part, vous l’aurez saisi, je suis frustré, déçu, et j’attends impatiemment la ressortie d’un autre live plus à la hauteur du personnage, du musicien fantastique qu’était Prince Roger Nelson.

Guillaume.

Dans l’Ohio, les Players la joue funky.

L’aventure commence en 1959, dans la ville de Dayton. Bientôt le groupe fondé par Robert Ward, Marshall Jones, Clarence Satchell, Cornelius Johnson et Ralph « Pee Wee » Middlebrooks. En 1963, Robert Ward quitte le navire pour s’engager vers une carrière solo. Deux nouveaux membres rejoignent alors la troupe : Gary Webster, Leroy Bonner.

La décennie 70’s voit leur renommée grandir et s’établir grâce notamment au titre « Funky Worm », qui figurera en tête des charts en mai 1973, mais également avec « Love Rollercoaster » en 1976. Fort de ce succès le groupe enchaîne albums et tournées. Au total, jusqu’en 1988, les Ohio Players, dont le funk sonne furieusement années 60, mélange savoureux d’ambiances chaloupées et de titres plus rentre-dedans, va enregistrer 16 albums studios et 3 albums live. De quoi laisser une belle trace de leur existence.

C’est exactement ce que le triple album « Definitive collection », sorti cette année, propose à nos oreilles. Un passage en revue de l’oeuvre musicale de ce groupe, enregistrée successivement sous les labels Capitol Records, Westbound Records, Mercury et Island Records, ici retracée en 3 périodes distinctes : les débuts (CD1), les années d’or (CD2), les dernières années et les projets solos (CD3). Sans être absolument génial, les Ohio Players ont composé de superbes morceaux.

Le registre musical des Ohio Players est assez large puisqu’on retrouve aussi bien de la pure funk tel le « Walt’s first trip », ou encore des ambiances plus feutrées et bluesy avec « Here today and gone tomorrow ». « Funky worm » figure bien sûr en bonne place sur le premier cd. Un funk matinée de sons de claviers, une voix de femme (agée) ajoutée, le tout donnant un ovni musical. Un rappeur pourrait très bien s’en inspirer et poser un flow dessus.

Du CD2 (années d’or), il est facile de retenir une production plus léchée, moins brouillonne qu’à leurs débuts.Le son aussi a évolué. Il suffit d’écouter « Fire » pour s’en rendre compte. Il faut se remémorer qu’a cette période Isaac Hayes a frappé les esprit avec le morceau illustrant le film « Shaft » sorti en 1971, que George Clinton et son Funkadelic sont en plein essor, et que James Brown (Godfather of Soul) tourne à plein régime, déplaçant des foules toujours plus nombreuses partout où il se produit. Cela n’empêche pas les Ohio Players de concocter une musique funk-soul de haute tenue, alternant les ambiances suaves (« Sweet stincky thing ») et le morceaux plus punchy « Grammy’s funky Rolls Royce ». Leur tube « Love rollercoaster » figure évidemment sur ce disque. D’autres titres tels « Far east Mississippi », le très entraînant « Feel the Beat (everybody disco) », « Merry Go round » très syncopé, sont à écouter particulièrement sur ce second volet de la rétrospective.

Le 3ème disque, à mon sens le moins intéressant, est celui où figure des titres de la dernière période du groupe ainsi que des morceaux issus des carrières solo de membres du groupe. « Magic Trick » révèle à lui seul ce virage pris par le groupe : une musique plus facile et commerciale. Décevant.  Y figure également les célèbres titres d’Otis Redding « Sitting on the dock of the bay » et « Try a little tenderness ». En somme le choix assuré et assumé de succès facile commercialement grâce à la renommée initiale des morceaux choisis. D’où une démarche discutable. Alors oui, ce troisième cd est certes riche en morceaux proposés, il n’en reste pas moins que personnellement je n’ai pas été conquis, y compris par la reprise de « Try a little tenderness » évoquée un peu plus haut.

Reste que si vous aimez la funk, la soul music de cette période-là (1960’s-1970’s), alors cet album vous replongera avec bonheur parfois au coeur de cette époque où la musique noire américaine- à côté du jazz bien sûr- a pris une essor considérable avec des artistes tels que Ike et Tina Turner, Aretha Franklin, Steve Wonder, Diana Ross et j’en passe.

Guillaume.

Songhoy Blues – Résistance

Ce qu’il y a de bien dans les bibliothèques, c’est de se laisser entraîner par les hasard de leurs rangements, de fouiller dans le bac des retours pour faire des découvertes. C’est ainsi que je suis tombée sur un Cd d’un rouge profond, avec un très beau guépard encadré de quatre silhouettes qui vous regardent.

Et grand bien m’en a pris, c’est extra !

Après un coup d’oeil à la jaquette grâce auquel je comprend que c’est un groupe malien, je lance le CD. Et tout commence par une guitare bien rythmée, accompagnée d’électronique, puis arrive une batterie, et enfin une voix. On est tout de suite embarqué par la musique, par cet ensemble qui dégage énergie et fougue. Ce premier titre s’intitule “Voter”. Il n’est pas chanté dans une langue que je comprend mais le titre intrigue aussi.

C’est à ce moment-là qu’un petit texte de présentation du groupe en quatrième de couverture me donne une clé : Songhoy Blues est, d’après ses propres termes (traduit par mes soins), “un groupe qui a commencé pendant une guerre civile, pour protester contre l’interdiction de la musique, pour créer du positif dans l’adversité.” Effectivement, après consultation sur l’internet mondial (de Scully et Mulder, vous connaissez, non?!), j’apprends que Songhoy Blues est né de l’exil de quatre jeunes musiciens originaires du Nord Mali tombé en 2012, sous la coupe d’organisations djihadistes qui condamnent et interdisent la musique. Tombouctou doit devenir silencieux. Pour échapper à cet enfermement, ils s’exilent à Bamako où, de leur rencontre, naît Songhoy Blues pour dépasser la terreur et affirmer les confluents culturels et musicaux du Mali dans des paroles, dans la musique même et dans le projet de ce groupe.

Songhoy Blues nous parle donc de liberté, de choix, d’appel à la résistance. On y écoute les chaudes nuits de Bamako endiablées et chantantes, les espoirs et la volonté de rester positifs grâce à la musique. Et si on entend la tradition malienne dans leur musique, on y entend aussi qu’il ne peut y avoir de frontières en musique : de l’électro, du world blues ouvert à tous les courants, un peu de funk pour réjouir toutes les oreilles.

Découverts par Damon Albarn, leader de blur et Gorillaz, grâce à son projet Africa Express qui furette à la recherche de talents africains, ils accueillent sur ce deuxième disque des invités prestigieux et internationaux : Iggy Pop, Steeling Sheep ou encore le rappeur Elf Kid par exemple.

En bref, des musiques métisses, un rythme entrainant, une voix pour la liberté et de la chaleur composent un album à écouter absolument ! Pour le découvrir, rendez-vous à la médiathèque, sur leur chaîne Youtube ou sur leur site.

Bonne écoute !

Elodie

1 an en musique : 1982

1 an plus tard… 1982, j’ai 1 an, l’heure pour moi de me tenir debout et d’effectuer mes premiers pas de danse dans mes pampers, mais j’y viendrais plus tard, en attendant, préparez-vous pour un retour dans le passé, montez dans la Delorean…

WooooooW!!! Ca décoiffe non? Ca y est vous êtes remis? Je vais donc vous proposer une playlist pour résumer 1982 en douze morceaux, en incluant, mon inavouable. Un peu moins Funky que l’année précédente et plus orientée pop, cette playlist reste quand même assez proche de mon univers musical habituel.

Comment commencer autrement qu’avec LE morceau qui a ouvert les portes du rap au monde entier, à savoir « The message » de Grandmaster Flash et les Furious Five, je vous en avais parlé dans la chronique sur « Hip Hop Evolution » de Netflix, qui traite de l’histoire du hip hop, des origines à nos jours.

Vous y retrouverez aussi la chanson la plus célèbre du plus célèbre de tous les artistes Soul, l’immense Marvin Gaye et son inoubliable “Sexual healing”, probablement la chanson ou l’une des chansons les plus sensuelles de tous les temps et une de mes favorites, toutes catégories confondues. Toujours au rayon Soul, si Marvin Gaye est le roi, sa reine ne peut être autre qu’Aretha Franklin, ici son “Jump to it”, composé par Marcus Miller et écrit par mon chouchou Luther Vandross marque un virage plus funky dans la carrière de la Queen of soul.

Quelle chanson pour illustrer le mieux un pont entre la soul et la pop que le duo entre Stevie Wonder et Paul McCartney pour “Ebony and Ivory” sur l’album “Tug of war”, enregistré juste après l’assassinat de John Lennon. Chanson de paix et d’amour où les deux géants nous démontre que si les notes, blanches et noires de leurs piano peuvent cohabiter, alors pourquoi les hommes n’en feraient pas autant?

J’ai choisi aussi l’excellent “Come on Eileen” des Dexys Midnight Runners, la chanson qui donne la pêche par excellence. Vous retrouverez aussi “The eye of the tiger”, de Survivor, qui avant d’être la B.O géniale qui accompagnait l’entrainement de Rocky pour le combat contre Clubber Lang était le hit qui allait faire connaître le groupe.

Un peu de Culture club aussi avec “Do you really want to hurt me?” et puis mon inavouable, Philippe Lavil, pour “Il tape sur des bambous”, le titre qui m’a permis de tenir sur deux pattes!!! Et oui, c’est la petite anecdote perso du jour, j’aimais tellement cette chanson et je voulais tellement la remettre en boucle, ce qui devait rendre fou mes parents, que je me suis levé et bien accroché à ma couche j’ai couru jusqu’au tourne disque…

Voilà, ma petite séance nostalgie est terminée donc…

Laurent

Nos samples rendez-vous #27 : Oxmo Puccino et Con Funk shun

Je vous en parlais il n’y a pas si longtemps dans l’article sur le hip hop et le storytelling car Oxmo Puccino est un des maîtres dans le genre et le morceau dont je vais vous parler aujourd’hui en est un autre exemple, “Le mensongeur”.
La chanson parle d’une histoire de séduction entre Oxmo et K-Reen, avec qui, il a enregistré plusieurs duo à l’époque, ces deux-là ont toujours fonctionnés à merveille ensemble et “Mensongeur” en est sans doute l’exemple le plus parlant.
Ici, Ox essaye par tous les moyens de séduire une K-Reen réfractaire à ses avances, car elle connait le pedigree de dragueur de ce dernier. La boucle ultra funky de Con Funk Shun a fait danser toute une génération, moi y compris et jusqu’à aujourd’hui, c’est l’un de mes morceaux préférés de l’immense discographie de Puccino.
Quant au sample, de Con Funk Shun donc, il provient de la chanson “If I’m your lover”, tiré de l’album “Fever” en 1983, c’est le dernier morceau du disque et il n’a étonnamment pas fait l’objet d’un single, je pense qu’avec le recul, ils auraient dû!
Pour le thème, on reste sur l’amour, mais c’est l’inverse du “Mensongeur”, il s’agit d’un couple en perdition, ou le gars essaie tant bien que mal de garder la flamme vivante, se sentant délaissé par sa tendre et douce…
Oxmo a réutilisé la boucle sans vraiment la retravailler, comme quoi, Funk, Rap et une bose dose d’amour sont un savant mélange qui fonctionne.
Laurent

Nos Samples Rendez-Vous #26 : Ja Rule et Ashanti/ Patrice Rushen

Always there when you call, always on time… allez, si vous avez écouté un peu de hip hop dans les années de 2000, vous avez forcément entendu ce refrain et la grosse voix de Ja Rule qui rappe les couplets, ça y est? Ca vous revient? C’était la belle Ashanti, compère historique du rappeur qui était en charge du refrain.
C’était la grosse période ou Ja Rule régnait sur le rap mainstream New Yorkais, il était une sorte de DMX édulcoré et ses nombreux duos avec les chanteuses R’n’B de l’époque lui ont garantit un succès pendant une petite dizaine d’années.
Le morceau dont il est question aujourd’hui, c’est, vous l’aurez compris, “Always on time”, ou le New Yorkais reprend le standard de la chanteuse funky Patrice Rushen.

Si vous ne la connaissez pas forcément, vous avez malgré tout sans doute déjà entendu ses tubes, “Always on time” donc ou le plus connu de tous, “Forget me nots”, repris par un certain Will Smith pour la B.O de Men in black.
La chanteuse tressée à a son actif une bonne douzaine d’albums entre 1974 et 1997 et a connu un beau succès pendant l’ère du disco et de la funk. Cependant, vous ne retrouverez pas ce morceau sur l’un des albums de Patrice, il a en fait été enregistré pour la collection “Unwrapped” du label Hidden beach, sur le volume 2.
Ces disques qui étaient, à l’origine, fait pour rester uniquement, à disposition du label, sont tombés dans l’oreille des DJ locaux, qui ont complètement halluciné du niveau de ces disques et du coup, ont poussé pour sortir ceux-ci, et heureusement pour nous, on serait passé à côté de sacrées pépites!!!
Quoi qu’il en soit, Rule, lui en a bien profité et ne s’est pas trop cassé la tête, le refrain est identique, la mélodie aussi, ils ont juste ajouté des grosses basses et le tour était joué, pour le plaisir de nos oreilles.

Laurent

Les Soulections #10 : Curtis Mayfield

Comme pour les autres sections de mes chroniques, sur les dizaines, je me réserve toujours un petit plaisir, aujourd’hui, c’est pour moi, l’un des artistes les plus marquants de l’histoire de la soul music, MONSIEUR Curtis Mayfield!!!

Le chanteur guitariste de Chicago est l’un des fers de lance de l’éveil d’une conscience sociale musicale au même titre que Marvin Gaye, Stevie Wonder ou Gil Scott Heron, peut être, quelque part des précurseurs du hip hop revendicatif des Public Enemy et autres. Sa musique a influencé à travers ses riffs de guitare et sa voix si particulière.

La vie et la carrière de Mayfield sont de véritables montagnes russes, il naît en 1942 dans l’un des quartiers les plus difficiles de Chicago, Cabrini-Green, très vite désintéressé de l’école, il se passionne pour la musique et les groupes de Gospel, très populaires dans sa communauté. Il s’oriente principalement vers la guitare et le chant et compose avec ses cousins et les ex “Alphatones”, une nouvelle formation qu’ils nomment les “Northern jubilee singers”, parmi eux, un certain Jerry Butler, qui sera leur lead vocal, Curtis, lui, c’est le guitariste principal. Leur musique est principalement spirituelle et comme pour beaucoup dans ce cas, la reconnaissance est majoritairement locale, malgré tout, cette expérience leur permettra de faire la connaissance des “Roosters”, une autre groupe, issu lui du Tennessee et qui a décidé de passer sur la côte est et tenter sa chance loin des terres du rock. Les deux groupes fusionnent, deviennent les “Impressions” et signent leur premier contrat dans un label, chez Vee-Jay Records, le premier label noir américain, et non, ce n’est pas la Motown. Les nouveaux re-nommés “Impressions” n’oublient pas leurs racines Gospel, mais se réorientent dans un style plus R’N’B et le succès est vite au rendez-vous avec des titres comme “For your precious love” en 1958.

Le problème, c’est qu’avec ce succès, vient également de grosses tensions au sein du groupe et notamment entre Curtis et Jerry Butler et ce dernier finira par quitter le groupe. Les Impressions continuent leur petit bonhomme de chemin et font même mieux que ça quand ils sortent “This is my country” et “Gipsy woman”, c’est une très belle carrière qui s’annonce pour le groupe avec Curtis à leur tête et cela durant toutes les années 60.

La fin de la décennie marque la fin des “Impressions” et le début de la carrière solo de Curtis Mayfield, c’est là qu’il va marquer l’histoire de la musique, dès son premier album éponyme, avec des chansons comme “(Don’t worry) If there’s a hell below, we’re all gonna go” (le générique de “The deuce”) et “We, the people, who are darker than blue”, il marque le pas sur les ballades et devient un artiste engagé socialement et politiquement.

Ce nouveau virage dans la carrière du Chicagoan explose au visage de la communauté noire Américaine et du monde entier en 1972 avec la B.O du film “Superfly”, le grand succès de Mayfield.

Finalement, le succès du disque dépasse même celui du film et pour la première fois, dans une bande originale de Blaxploitation, on ne parle pas que des macs et des prostituées, Mayfield aborde les problèmes de sociétés de l’époque, la drogue dans les ghettos, la pauvreté et l’ingérence du gouvernement en place. Très vite repris par le mouvement des droits civiques au même titre qu’Innervision de Stevie Wonder et What’s going on de Marvin Gaye, l’exposition de Curtis est décuplé, il devient l’un des emblèmes du “Black power”. Tout au long des années 70, il continuera d’enchainer les succès musicaux, en tant qu’artiste, mais aussi comme producteur, sur l’album de Baby Huey et son immense “Hard time” par exemple. Le début des années 80 marque les grands débuts du hip hop et de son aspect revendicatif, mais aussi un petit retrait de la scène musicale pour Curtis Mayfield, qui ne sortira des disques mais avec un succès moindre, le créneau politique étant occupé par les rappeurs.

Curtis continue de tourner sur scène jusqu’au 14 Août 1990, où un projecteur lui tombe dessus et le paralyse lors d’un concert à Brooklyn. L’artiste ne pourra plus jouer de la guitare, mais restera actif dans le monde musical et sortira même un dernier album en 1996, “New world order”.

Malheureusement pour nous et pour l’industrie de la musique, il est atteint de diabète et doit se faire amputer d’une jambe en 1998, dès lors, son état se dégrade rapidement et il décèdera le 26 Décembre 1999 à Roswell, en Géorgie.

Alors, voilà, si vous souhaitez (re) découvrir ce génie de la musique, je vous recommande vivement de venir emprunter nos documents à la médiathèque (disque, DVD…) en attendant de vous retrouver dans les bacs, voici un petit aperçu du talent de Curtis Mayfield.

Laurent

Quand l’electro ressuscite la funk!!!

Qui aurait cru que j’écrirais quelque chose sur la musique electro? Clairement pas ma came au départ, je dois reconnaître que j’y connais pas grand chose non plus. Bien sûr, quand j’allume la radio (chose très rare) et que je tombe sur les hits qui font bouger le dancefloor, j’éteins pas instantanément, mais disons que je cours pas après non plus.

Alors, comment j’en suis venu là? Et bien, c’est avec la bande annonce de la deuxième saison d’Insecure, vous vous rappelez, une des séries dont je vous ai parlé il y a quelque temps. Donc, dans une vidéo de promo, on voit l’héroïne déambuler dans les rues de L.A sur un morceau funky absolument génial, donc je Shazam et la je tombe sur Calvin Harris!

Calvin Harris?!? Mon téléphone doit débloquer, c’est bien trop groovy pour que ce soit un DJ electro, donc je creuse un peu et finalement je vois qu’il a fait un projet avec toutes les stars du Hip Hop et du R’n’B actuel, “Funk wav bounces vol.1”.

En fait, le DJ Ecossais nous a fait un disque, un peu à la DJ Khaled, il a réuni toutes les stars du milieu hip hop mainstream et du R’n’B aussi, lui, s’occupe de la musique et il a voulu que ça sonne Funky! Le moins qu’on puisse dire, c’est que ça fonctionne très bien! Du coup, j’ai fait quelques recherches sur ce qu’il avait fait précédemment et franchement, ça collait pas si bien, bref, revenons aux vagues de Funk qui bougent…

Porté par deux singles qui ont cartonnés instantanément, “Slide”, dont je vous parlais plus haut, avec Frank Ocean et les Migos, le groupe rap à la mode chez les ados et “Feels” avec trois monstres des ventes, Katy Perry, Big Sean et l’incomparable Pharrell Williams. C’est le genre de titres qui vous donnent envie de baisser les vitres de votre voiture et de mettre le son à fond ou de brûler les pistes de danses, c’est de la vraie funky musique!!!

Comme le disque est en réalité une compil’ de titres, je vais pas vous en faire des tonnes sur la conception de l’album, mais plutôt vous donner quelques noms supplémentaires pour continuer de vous mettre l’eau à la bouche, je vous ai dit, tout le gratin est là et le mélange des genres fonctionne très bien.

On retrouve Future et Khalid, Snoop et John Legend, des chanteuses plus pop comme Ariana Grande ou Nicki Minaj, on a du hardcore aussi avec le compère de Kendrick Lamar, l’excellent Schoolboy Q ou Lil’ Yachty.

Bref, vous avez capté le concept, des gros noms, une grosse basse groovy et un DJ de renom dans l’electro, secouez le tout et vous obtenez une belle compil’ de chansons qui vous feront danser pendant encore un bon moment.

Laurent

Nos samples rendez-vous #15 : Zhané et Michael Wycoff

Petit retour dans le passé, vers mes années collèges, plus précisément en 1993 avec l’un des groupes phares de Rn’B de l’époque, Zhané et leur titre « Hey Mr. DJ ».  A la base, les 2 chanteuses du groupe étaient des solistes, Jean Baylor et Renee Neufville, elles avaient déjà collaborés avant d’être un groupe et l’intervention du DJ de Will Smith himself (Eh oui ! avant d’être acteur, il rappait), Monsieur Jazzy Jeff, que les fans du Prince de Bel Air connaissent plus pour ses vols planés  que pour son talent derrière les platines.

Pour leur tube, les filles ont choisi un sample de Michael Wycoff, sur le titre « Looking up to you ».  L’ancien choriste de Stevie Wonder, malgré sa brève carrière, due à ses problèmes de drogues et d’alcool, a eu le temps de nous pondre quelques hits, dont celui-ci, sur son deuxième album « Love conquers all » en 1982.

Laurent