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Chez les Marsalis, le jazz est une affaire de famille.


La musique est parfois une affaire de famille : Pour les mélomanes de musique classique, je nommerai Léopold et Wolfgang Amadeus Mozart, Johann Sébastian Bach et ses deux fils Carl Philipp Emmanuel et Johann Christian, Richard Strauss, Johann Strauss (père et fils), qui en sont de célèbres exemples.

Dans l’histoire du rock là aussi les exemples ne manquent pas : John et Julian Lennon, Ike and Tina Turner, Les Jackson Five, Eddie et Alex Van Halen (Van Halen), Michael et Rudolph Schenker (Scorpions, MSG), Steve et Mike Porcaro (Toto), Janet Jackson, Whitney Houston (nièce de Dionne Warwick). En chanson française, la lignée Gainsbourg-Birkin avec Charlotte, sa sœur Lou (également actrice et réalisatrice). Serge et Nicolas Reggiani, Jacques Higelin, sa fille Zia et son fils Arthur H. Louis Chédid et ses 4 enfants de la balle, Mathieu, Joseph, Anna et Emilie. Véronique Sanson et Christopher Stills (fils de Stephen Stills, du groupe Crosby Stills Nash ans Young).

Le Jazz n’échappe pas à cette « règle ». Il y a en effet des familles qui ont marqué ce genre musical de leur empreinte : le bluesman Muddy Waters et son fils Bill Boy Morganfield, le violoniste Didier Lockwood et son frère pianiste Francis, Michel Petrucciani et son frère guitariste Tony, la chanteuse-pianiste Nina Simone et sa fille également chanteuse Lisa, Maceo Parker (saxophiniste) et son rappeur de fils Corey, Boulou et Elios Ferré, la chanteuse Dee Dee Bridgewater et sa fille China Moses, et je pourrais ajouter Johnny et Shemekia Copeland (blues), Luther et Bernard Allison (blues), Jimmie et Stevie Ray Vaughan (blues), Edgar et Johnny Winter(rock, blues-rock)…. Vous le constatez,  les exemples sont nombreux !

La famille, et non pas la Famille (avec un grand F, cela renvoie à Famiglia, terme désignant les mafias italiennes et italo-américaines), donc la famille que je vais évoquer aujourd’hui est celle des Marsalis : Ellis Jr., le patriarche (83 ans, pianiste), Branford (57 ans, saxophoniste), Wynton (56 ans, trompette, cornet), Delfayo (52 ans, trombone, producteur), Jason (41 ans, batteur, percussionniste). 2 disques témoignent de l’amour pour jazz profondément ancré au sein de cette lignée. Il s’agit de « A jazz celebration »(2003) sorti sur le label… Marsalis Music fondé en 2002 par Branford Marsalis (on n’est jamais si bien servi que par soi-même), et « Music Redeems » (2010), qui relate un enregistrement en public lors d’une soirée dédiée au Ellis Marsalis Center for Music. L’occasion nous est ici donnée de suivre ces musiciens dans un voyage musical qui mêle tradition, jazz classique, et standards. Un petit bonheur à savourer. L’auditeur a parfois le sentiment d’entendre, d’écouter, au delà de la musique, un dialogue intergénérationnel qui serait codé dont seuls le quintet Marsalis possède la clé. Une façon de prolonger ce lien fort qui les unis, réunis. L’Histoire d’un pays, d’une musique, leur histoire personnelle et collective sur ce sol qui les a vus naître et grandir, devenir des figures emblématiques de la communauté noire américaine dont ils sont issus.



 

 

 

Vous le voyez, que ce soit par le biais de la musique en menant des projets, par l’investissement personnel ou collectif dans des institutions liées à l’éducation musicale, au développement de l’être humain, à l’histoire et la mémoire d’une musique, ou dans le cadre de leurs activités et carrières personnelles respectives, les membres de la famille Marsalis se montrent mobilisés, présents. Aussi quand parfois le temps leur est donné de se réunir pour jouer ensemble, cela donne de jolis moments de partage. L’auditeur s’en trouve privilégié, le sentiment prédominant d’assister à un conseil de famille en musique assez jubilatoire. Au de là de l’évidente connivence qui les relie, c’est le plaisir simple du jeu qui se manifeste. Pour avoir eu l’occasion d’assister à des concerts de Wynton Marsalis dans différentes formules (direction d’orchestre, quartet, quintet) à Marciac à plusieurs reprises ainsi qu’à certains donnés par son frère Branford, en formule quartet, j’ai pu mesurer combien ces valeurs de transmission, de plaisir, d’amour de la musique sont encrées en eux. Malheureusement donc, pour moi, pour nous, le clan Marsalis au complet n’est jamais venu en Europe se produire. L’histoire de Police refermée non sans quelques fracas, Sting engagea Wynton et Branford pour l’enregistrement du sublime album « Englishman in New York » (1987), premier album solo du bassiste blond après la séparation policière. Je fus témoin de leur présence au sein du quintet qui accompagna Sting lors du concert donné à Bercy en 1988. Un régal de voir ces jazzmen aux côtés de Sting.

Alors si un jour prochain, sur Paris ou en province à l’occasion d’un festival de jazz, vous apercevez le nom de Marsalis sur l’affiche (en l’occurrence Branford et Wynton, qui tournent très régulièrement en Europe), n’attendez plus, foncez les voir, car vous aurez l’assurance de passer une très très belle soirée avec des musiciens de haut vol et généreux dans l’âme.

Guillaume.

 

 

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Wynton Marsalis, du jazz à la musique classique.


 A 57 ans, dont plus de 40 ans de carrière, Wynton Marsalis musicien multicartes issu d’une famille nombreuse dédiée à la musique jazz ( j’y reviendrai dans un prochain article), est avant tout connu dans le monde entier pour ses talents de trompettiste hors pair, de compositeur et chef d’orchestre de jazz.

En France, il est devenu une véritable référence, une icône, depuis son premier passage au Festival de Jazz de Marciac, dont il est devenu le parrain en 1991. S’y investissant depuis chaque année, il revient et travaille avec les écoles de jazz du coin, en plus des programmes qu’il présente avec un bonheur toujours égal au public qui vient le voir. Il a pour cela gagné le droit d’avoir une statue à son effigie au centre d’une cour d’école de Marciac. Tout un symbole! Homme très occupé, Il est par ailleurs directeur général et artistique de la grande institution américaine de musique qu’est le Jazz at Lincoln Center de New-York.

Mais c’est du compositeur de  musique classique que j’ai décidé de vous parler. Car c’est un aspect méconnu de sa carrière, comme c’est le cas pour le performer vocal Bobby Mac Ferrin. Les musiciens de jazz ont très souvent été influencé par la musique classique (tout comme la musique classique s’est parfois inspiré du jazz, mais nous en reparlerons), pour ensuite s’en inspiré dans la composition de leur œuvre. Les plus marquants sont Duke Ellington, Thelonious Monk, Oscar Peterson, Keith Jarrett, Miles Davis, Nina Simone, ou encore Leonard Bernstein et Chick Corea. Wynton Marsalis donc s’inscrit dans cette lignée.

Dès l’âge de 14 ans, il joue le concerto pour trompette de Haydn, accomagné par le New Orleans symphony orchestra. A 18 ans, bien lancé, le talenteux jeune homme rejoint Art Blakey et ses Jazz Messengers, au seuil des années 80. Il joue ensuite avec Sarah Vaughan, Dizzie Gillespie, Sonny Rollins. De jolis parrains et partenaires de musique. Mais Wynton Marsalis ne contente pas seulement d’être un musicien talentueux capable de s’adapter avec bonheur à différents styles musicaux comme, hormis le classique donc, la country-blues (voir album « Two men with the blues » avec Willie Nelson), le blues encore, avec Eric Clapton, sur le superbe « Wynton Marsalis and Eric Clapton plays the Blues ».

Passionné par les compositeurs de musique classique que sont Johann Sébastian Bach, Wolfgang Amadeus Mozart, Joseph Haydn et quelques autres, il n’hésite alors pas à se lancer dans l’enregistrement d’œuvres classiques. L’alternance entre ses activités liées au jazz et à la musique classique est dès lors effective. En 1983, à 20 ans, il rentre en studio pour enregistrer les concertos pour trompette de Joseph Haydn, Johann Nepomuk Hummel, et Leopold Mozart. En 1997, signe ultime de la reconnaissance de son talent multiforme, Wynton Marsalis reçoit le prix Pullitzer de la musique pour son œuvre « Blood on the fields », un oratorio de jazz.

Si le musicien est très talentueux, Il accorde aussi une très grande importance à l’enseignement, la transmission, l’éducation de l’être humain par la musique. C’est pour cela qu’il mène de front plusieurs carrières, toutes liées à la musique, à l’Humain. : S’il a dirigé le Jazz Lincoln Center de New-York, il est également directeur en charge du Département Jazz de la Juillard School de New-York. Partout où il rend, Marsalis se fait passeur de savoir, transmetteur de mémoire, d’une histoire commune, celle de la musique, comme lien unique et universel entre les hommes. Un pèlerin qui ne baisse jamais les bras.

En tant que compositeur et / ou un interprète du répertoire classique, il a  établi un spectre très large, jugez plutôt : le fameux « Three Favorite concertos », avec le violoncelliste Yo-Yo Ma notamment, en 1984 ; le registre baroque et des compositeurs tels Henry Purcell, Georges Telemann, Johann Pachelbel, abordés lors d’enregistrements en 1984 et 1988 ou plus près de nous, en 2016 « The Abyssinian Mass » de Wolfgang Amadeus Mozart, enregistré avec la chorale Le Château. La musique de chambre et la musique symphonique ne sont pas en reste avec respectivement « Ghost Storry, ballet » qui date de 1998, ou « the Fiddler and dancin’ witch », pour orchestre à cordes, en 1999. Côté symphonique, il s’offre l’écriture d’une trilogie : « All rise, symphonie n01 », pour orchestre de jazz et chœur et orchestre symphonique ; « Blue Symphony, n°2 » et « Swing symphony, n°3 ».

Vous le constatez, Wynton Marsalis tisse avec patience et persévérance, une œuvre musicale immense, riche, variée, au sein de laquelle il se promène et donne à ses interlocuteurs comme à ses auditeurs un plaisir sans cesse renouvelé de le côtoyer comme de le voir évoluer, diriger ou juste se fondre dans un collectif pour mieux servir une musique.

Wynton Marsalis est pour moi l’un des grands noms du jazz des 40 dernières années et son œuvre n’est pas terminée… loin de là!

Guillaume.

 

 

Christian Scott, transmetteur de mémoires.


Souvenez-vous, j’avais déjà évoqué Christian Scott, le talentueux trompettiste américain après l’avoir vu en concert en mars dernier à Paris. Cette fois, l’homme étant assez prolixe, à la manière d’un Miles Davis par exemple, nous propose 2 cadeaux musicaux !!! le premier, « The emancipation procrastination » qu’il signe de son nom complet Christian Scott Atunde Adjuah (en hommage à ses ancêtres africains).

Le second, un album triple intitulé « The Centennial Trilogy », qui outre l’album précité, regroupe deux autres disques sortis en 2017, à savoir « Diaspora » et « RulerRebel ». De quoi se faire une belle idée du talent de ce musicien de 35 ans, grandi à la Nouvelle-Orléans, baigné des cultures africaines, de la soul, du blues, du hip-hop. Un mélange culturel et sonore dans lequel Christian Scott pioche avec un bonheur non dissimulé au gré de ses envies, de ses humeurs

« Centennial Trilogy » est un projet important pour Christian Scott. Une forme de revanche sur les clichés portés par les blancs à l’époque de l’esclavage au Etats-Unis : « fêter les 100 ans du premier enregistrement d’un album de jazz, que l’on doit à l’original dixieland jass band. Datant de 1917, le disque avait été fait par des blancs… pour se moquer du jazz noir ! Une sorte de satire de mauvais gout, inimaginable aujourd’hui. Cette trilogie serait donc une revanche, un rêve de gosse : « je voulais remettre dans la tête des gens que le jazz est une multitude de sons et d’influences et pas juste une blague ». Avec trois albums aux concepts musicaux différents, il remplit parfaitement cette mission : « Ruler Rebel » pour « qui tu écoutes », « Diaspora«  pour « qui parle à qui » et « The emancipation procrastination«  pour « ce que l’on raconte ».

Si le premier volet, « Ruler Rebel » fait la part belle aux racines africaines de la musique noire américaine moderne, le second, « Diaspora » se veut plus éclectique mettant en lumière les différentes diasporas qui ont composés le socle de la nation américaine et qui continuent aujourd’hui encore d’y contribuer. A travers ce disque, il marque son envie, sa nécessité viscérale d’étendre le jazz aux autres musiques, de ne pas l’enfermer dans une chapelle, de lui garder une fraicheur, une modernité accessible, mission qu’il confie à  ses jeunes acolytes, qu’il considère comme ses héritiers, de la transmettre. Le 3ème volet, « The Emancipation Procrastination« , contient une musique revendicative, pleine de sens politique, pour lui qui ne souhaite plus que les afro-américains restent passifs face à l’ordre des choses dans la société américaine. Il les invite à se lever, à se prendre en mains, ne pas rester résignés.

Dans les deux cas, donc, Christian Scott, entouré de ses comparses habituels, à savoir Elana Pinderhugues (flûte), Braxton Cook(saxophone alto), Stephen J.Galdney(saxophone ténor), Lauwrence Fields (piano, fender rhodes), Corey Fonville (batterie), Luques Curtis (basse), s’évertue à nous emmener dans son sillage sur les traces de la musique jazz, sur la terre de ses ancêtres, là où tout a vraiment démarré pour le Jazz, nous faire découvrir sa vision très large de la musique jazz, marquée par le talent de ce musicien aussi singulier que talentueux. Un homme-citoyen engagé, un musicien à forte personnalité, une démarche revendicative, qui plairaient à des figures telles Miles Davis, Sonny Rollins, Malcolm X, ou Martin Luther King.

En oubliant pas d’où il vient, ni les racines de sa musique, Christian Scott se fait ici gardien et transmetteur d’un mémoire historique, qu’il est,par les temps qui courent, utile de rappeler. Dans l’espoir qu’un jour l’Homme apprenne de ses erreurs et errements du passé pour mieux construire son avenir. En paix.

Deux disques à écouter de toute urgence pour comprendre qui est Christian Scott.

Guillaume.

Gogo Penguin


Voilà donc le 4ème opus de ce trio originaire de Manchester! Autant vous dire tout de suite, après avoir découvert ce groupe en live à Fontenay en 2017 et sur disques au travers des 2 précédentes réalisations, j’étais impatient d’écouter leur nouvel album « A Hundrum Star« . Qu’on se le dise, Gogo Penguin, est bien de retour, avec toujours chevillé au corps cette envie de concocter une musique très aérée, quasi spatiale.

Les morceaux s’enchainent, sans relâche, une constante de construction musicale chez ce jeune trio. En découle ici, plus aboutie encore, une musique parfois déroutante, presque proche d’un répertoire de musique répétitive ou contemporaine, mais qui réussit à ne jamais perdre en route son auditeur. Le piano de Chris Illingworth sait se faire tantôt hypnotique, parfois lyrique, envoutant, laissant la rythmique basse-batterie de ses compères Nick Blacka et Rob Turner venir se greffer et prendre en charge la structure du morceau. L’autre constante est, mis à part « Prayer » qui ouvre l’album, de proposer à l’auditeur des morceaux moyennement ou assez longs (le plus long « Strid », dure 8’11!). Outre « Prayer », ce sont neuf plages musicales très réussies,  à savourer  jusqu’au terminal « Window », qui nous font voyager vers des univers musicaux très dépouillés, très épurés. L’alchimie, la potion magique qui animent ces 3 garçons, ne se démentent jamais. Le plaisir d’écoute est total, pour qui sait et veut se laisser porter.

La formule historique du trio en jazz (nombreux sont les exemples à citer, je ne le ferai pas ici….) prouve, encore une fois, par le talent de ces garçons, que c’est efficace, tout en offrant de multiples combinaisons sonores et rythmiques. Rien que du bonheur!

Une très belle réussite que j’ai déjà hâte de voir sur scène.

Guillaume.

Christian Scott, trompette majeur !


A seulement 34 ans seulement, le trompettiste américain Christian Scott  possède déjà un solide background et une discographie, qui bien que peu étoffée, recèle tout le talent de ce musicien, qui n’hésite pas à croiser les influences hip-hop, soul, funk, pour nourrir sa propre musique. Diplômé du célèbre Berklee College of Music en 2004, le nartif de la Nouvelle-Orléans,  complète sa palette de jeu avec outre la trompette, la pratique du bugle et du cornet. Il est le neveu du saxophoniste Donald Harrison.

Si donc il ne possède pas encore une discographie très étoffée, le moins que je puisse dire est que son jeu, puissant, précis, sa technique, sa manière toute particulière de jouer certaines notes, sans parler de sa capacité à mélanger  les univers sonores, comme des ingrédients d’un plat qu’il s’appliquerait à concocter pour mieux le servir à son auditoire, oui tout cela est simplement ébouriffant! Il suffit, pour cela d’écouter ses albums « Rewind That » (2006), « Anthem » (2007), « Yesterday you said tomorrow »(2010). En 2017, Christian Scott aidé de ses compères, a enregistré 3 albums regroupés sous le seul titre « Centennial Trilogy ». L’occasion pour lui d’évoquer des thèmes qui lui sont chers, dans l’Amérique d’aujourd’hui, tels que le racisme, la xénophobie, le danger lié à la nourriture, l’immigration, les problèmes liés aux changements climatiques…. Musicien, mais citoyen attentif au devenir de son environnement, de sa planète, de ses concitoyens, du genre humain.

Lundi 12 mars, ce génial musicien était de passage à Paris, pour un concert unique, dans la jolie salle de La Cigale, devant un public nombreux. Entouré d’un quartet de grand talent (Braxton Cook, saxophone alto ; Luques Curtis, contrebasse ; Jamire Williams, batterie ; Milton Fletcher, piano), le trompettiste a livré une performance de grande qualité devant une salle bien remplie. Près de 2H de musique inspirée, groovy, avec laquelle il nous a raconté un peu de son parcours personnel, de sa vision de la l’Humanité, de son envie de partager. Chose rare désormais, parmi la jeune génération de musiciens, il n’est pas du genre à tirer la couverture à lui, à s’accaparer la lumière. Il est dans le partage et la fidélité. Car la plupart de ses musiciens sont avec lui depuis très longtemps, voire depuis ses débuts.

Véritable showman, musicien accompli, au jeu subtil, très inspiré par Miles Davis notamment, Christian Scott est déjà un musicien qui compte sur la scène jazz internationale. A n’en pas douter, sa carrière s’annonce riche, et sûrement pleine de jolies surprises pour le public qui l’apprécie.

Si vous ne connaissez pas encore ce musicien, et s’il passe près de chez vous cet été lors des festivals, ne le ratez pas! Vous passerez une très bonne soirée assurément.

Guillaume.

Didier Lockwood laisse son violon muet, orphelin.


Il venait tout juste de fêter ses 62 printemps le 11 février dernier. Une semaine plus tard,  sortant de scène après un concert, Didier Lockwood a succombé à une crise cardiaque. Musicien précocement talentueux, entouré d’une famille de musiciens (père violoniste, son frère Francis est un pianiste au talent reconnu), il entre à 13 ans au sein de l’orchestre lyrique du conservatoire de Calais. Bien qu’il fut d’abord attiré par le répertoire classique, c’est finalement vers le jazz, par l’influence de son frère Francis, qu’il se tournera. Repéré ensuite par le violoniste Stéphane Grappelli qui lui propose de l’accompagner en tournée, il va très vite se faire un nom, une réputation, ce qui lui vaudra des collaborations prestigieuses avec de très grands noms du jazz : Dave Brubeck, Gordon Beck, Michel Petrucciani, Miles Davis, Herbie Hancock, Marcus Miller, Elvin Jones, Martial Solal, Aldo Romano, André Ceccarelli ou encore la fratrie Marsalis…. que du beau linge, du talent au kilomètre…. et j’en passe.

En 1974, il intègre le groupe Magma (voir photo ci dessous), qui distille un jazz-rock puissant, plutôt que d’entrer au conservatoire national supérieur de musique et danse de Paris! C’est dire s’il a choisi son chemin!. Par la suite il va fonder un groupe de jazz-rock, DLG… (écoutez le disque DLG, paru en1993, avec Laurent Vernerey, Loic Ponthieux, Jean-Marie Ecay), puis rejoindre les membres de UZEB, groupe canadien formé de Alain Caron, Michel Cusson et Paul Brochu, qui évolue aussi dans la sphère jazz-rock. Il a également accompagné de nombreux artistes français : Claude Nougaro, Barbara, Richard Bohringer, Jacques Higelin ou Mama Béa entre autres.

En France, il va bénéficier de l’aide du label JMS (fondé par Jean-Marie Salhani), et pendant 15 ans, de 1980 à 1995, enregistrer et éditer 14 disques.

Outre qu’il soit un excellent musicien, capable de jouer tous les registres, il est aussi très attentif à la transmission, à la pédagogie de la musique. A cet effet il met en place en 2001, le Centre des musiques improvisées, à Dammarie-Les-Lys. Initiateur d’un festival « Violons croisés » en 2011, toujours dans la même ville, il sera la même année, le parrain d’un festival « Violons et chants du monde » à Calais.

Pour l’avoir vu sur scène en 2006 à Fontenay-sous-Bois, dans le cadre d’un spectacle en duo, intitulé « Le Jazz et la Diva » avec la soprano Caroline Casadesus, j’ai eu l’occasion d’apprécier son talent, son humour, et sa générosité sur scène. Pédagogue autant qu’homme de scène, il avait récemment arpenté la scène du festival de Marciac où il avait fêté ses 40 ans de carrière en 2014, avant d’y revenir l’année dernière.

Reste sa discographie, nombreuse et variée (41 albums publiés entre 1978 et 2017!!), qui permet de rendre compte du talent de Lockwood, et de son insatiable curiosité à se frotter à des univers toujours différents.

Je vous laisse découvrir une petite sélection des univers musicaux « fréquentés » par Didier Lockwood.

Guillaume.

 

 

 

 

 

Lucky Peterson-Jimmy Smith, Même Tribu !


Oui je sais, le titre semble osé! Mais si je l’empreinte à Claude Moine alias Eddy Mitchell dont le dernier album porte cet intitulé, ici c’est vraiment le cas! Lucky Peterson est issu de la culture gospel-blues (il a commencé tout jeune, par chanter du gospel dans les églises), multi-instrumentiste  de talent (batterie, guitare, orgue Hammond, basse) et bien sûr chanteur de blues depuis le début de sa carrière. Sa carrière déjà longue et jalonnée de très beaux disques gorgés de blues, soul, rhythm and blues, ont fait de ce musicien une figure emblématique de la scène musicale des 30 dernières années en Europe et aux Etats-Unis. Ses performances scéniques sont souvent de très haut niveau même le bonhomme a une forte tendance à « cabotiner ».

Son dernier bébé musical est un hommage à une grande figure du jazz des années 60-70, dont l’instrument de prédilection était l’orgue Hammond B3 : Jimmy Smith (photo).

Ce musicien dont style, le jeu percutant, inventif, résolument moderne, a influencé des groupes d’horizons différents comme Les Beastie Boys, Medeski Martin and Wood. Sa sonorité a même influencé les débuts de l’Acid Jazz. A côté de ça, Jimmy Smith a collaboré avec des chefs d’orchestres tel Lalo Schiffrin, Oliver Nelson, ou des musiciens comme les guitaristes Wes Montgomery et Kenny Burrell, le trompettiste Dizzy Gillespie, le pianiste Oscar Peterson. Bref, un poids lourd de l’histoire du jazz!

C’est donc à l’lui que Lucky Peterson a décidé de rendre un hommage bien mérité. Pour cela il s’est entouré d’un casting de musiciens 5 étoiles : Archie Shepp (saxophone), un duo de guitaristes formé par Philippe Petrucciani et le jeune mais très prometteur Kelyn Crapp aux guitares, le vétéran Herlin Riley tenant quant à lui les baguettes (vu ces dernières années aux côtés de Hiromi ou Ahmad Jamal). Le résultat de cet hommage en 9 morceaux est un savoureux mélange de blues, de swing, de rhythm and blues. Sans ostentation, sans en faire trop non plus, Lucky Peterson, hormis 2 morceaux où sa voix intervient (« Jimmy wants to groove », « Singing thissong 4 U »), laisse la place à la musique et c’est un régal. C’est chaud, ça swingue, et le talent de Peterson fait le reste tant au piano qu’à l’orgue Hammond (son instrument fétiche).

Une belle promenade musicale, en hommage à un superbe musicien disparu en 2005.

Parmi les morceaux de l’album voici mes préférés : « Night Train » dans une nouvelle version,  » The Champ », « Jimmy wants to groove » et « Back at the Chicken Shack ».

Guillaume.

 

Thomas de Pourquery, mélangeur d’univers.


Thomas de Pourquery, chanteur-saxophoniste qui vient d’être consacré artiste de l’année aux Victoires du Jazz 2017, est un musicien atypique, au parcours sinueux mais rempli de belles rencontres artistiques. Aujourd’hui âgé de 40 ans, De Pourquery a grandi en banlieue parisienne, à Bondy.

Elèves de Stefanao di Battista, il découvre le saxophone, à l’âge de 14 ans, avant d’intégrer le Conservatoire National de Paris. En 2000, à 23 ans ans seulement il intègre l‘ONJ (Orchestre National de Jazz) alors dirigé par Laurent Cugny. L’occasion pour lui de cotoyé et rencontrer des pointures telles que Bill Hart, Paco Sery, ou encore Sunny Murray.

En 2002, auréolé d’un premier de soliste au concours de La Défense, il fonde le groupe DPZ avec son compère Daniel Zimmermann. Curieux de rencontres et d’univers sonores, il fera partie également du collectif punk Rigolus et l’ensemble MegaOctet d’Andy Emler.

En 2009, l’album « He’s looking at you, kid » est un succès public et critique. Du coup, la ville de Coutances, connue pour son festival « Jazz sous les Pommiers », l’engage pour 3 ans en résidence.

En 2010, il organise un festival carritatif, « The Brain Festival », dont les fonds serviront à soutenir les recherches sur les maladies neuro-dégénératives.

Si le musicien est donc avide de rencontres musicales et humaines pouvant déboucher sur des collaborations totalement inattendues, à l’exemple de celles avec Jeanne Added (édition Aventuriers 2015), Oxmo Puccino, Fred Pallem, ou encore François Atlas and the Mountains (édition Aventuriers 2012), ou le groupe de rock britannique Metronomy, ou pour les plus anciens avec Mick Jones, leader de la formation de rock FM Foreigner, il n’en oublie pas d’être un citoyen actif et concerné, au sujet ici de maladies encore mal connues touchant au fonctionnement du cerveau.

Le 18 décembre prochain, il viendra au cinéma Kosmos de Fontenay, dans le cadre du Festival des Aventuriers 2017, assister à la projection du film « Stop Making Sense » du réalisateur américain Jonathan Demme, qu’il a lui-même choisi. S’en suivra une rencontre sous forme d’échange avec ce musicien.

Ne ratez pas ce moment!

Vous pouvez retrouvez le dernier album de Thomas de Pourquery « Sons of love », sorti en février 2017, à la médiathèque de Fontenay.

 

 

 

Guillaume.

 

Mister Bennett en 5 chapitres !


Oui je sais, vous vous dites : « Quoi encore un article sur Tony Bennett! »… Je vous comprend. Si la fois précédente c’était pour chroniquer le concert triomphal du crooner à L’Olympia fin juin, cette fois-ci c’est à l’occasion de la réédition en coffret, sorti en 2015 chez Columbia/ Sony, de 5 albums du crooner américain. Histoire de faire un petit tour dans l’œuvre de ce chanteur.

5 albums différents répartis en 2 périodes, puis mis à part « I Left my heart inSan Francisco » paru en 1962, les 4 autres albums ici regroupés concernent la période 1992-1995, période au cours de laquelle le crooner va revenir sur le devant de la scène, conquérir un nouveau public, avec quatre albums renfermant des univers musicaux très différents :

Ca commence par un hommage à son alter ego Frank Sinatra avec « Perfectly Frank » paru en 1992. La pochette en noir et blanc, est une photo de Frank Sinatra jeune se produisant sur la scène d’un cabaret, entouré d’un petit orchestre. Des titres comme « I fall in love too easily », « Night and day », « You go to my head », The lady is a tramp », « Day in, day out », « Call me irresponsible », autant de standards immortalisés par « The voice », ici chantés par Tony Bennett et sa voix si particulière. Un régal!

Ensuite, dans la foulée, il enregistre en 1993 « Steppin out », qui se veut un album en hommage à Fred Astaire, l’un des plus grands danseurs de claquettes américains, qui, avec Gene Kelly, ainsi que la talentueuse Ginger Rogers, a écrit les plus belles pages du cinéma hollywoodien dans le domaine de la comédie musicale. Accompagné d’un trio piano-contrebasse-batterie, Bennett se ballade avec une joie non cachée dans cet univers swinguant, virevoltant. 18 titres qui sont un bonheur à écouter, savourer, découvrir.

En 1994, il profite de la vague initiée par la chaine musicale américaine MTV et sa série de concerts acoustiques (Unplugged) pour se plier à l’exercice, comme d’autres artistes avant lui, tels Eric Clapton ou Nirvana. Toujours entouré d’un trio piano-contrebasse-batterie, aussi précis qu’une montre suisse, ce soir-là, Tony Bennett donne toute sa mesure et régale le public d’une superbe performance vocale. A savourer!

Enfin, le dernier album ici présenté dans le coffret est « Here’s to the ladies » (pas besoin de traduire, n’est-ce pas mesdames!). A l’origine, « Here’s to the ladies » devait être un album de Franck Sinatra. Pour des raisons de business, ça ne s’est pas produit! Bref bien des années plus tard,  Tony Bennett a donc décidé de s’y coller. Au menu, de superbes interprétations de titres comme « I’m in love again », « Somewhere over the rainbow », ou encore « I got rhythm ».

Ce coffret permet un voyage dans le temps, dans l’histoire du jazz, du swing à la variété en passant par le jazz cool, guidé par la voix magique de Tony Bennett!
A ne pas rater!

Guillaume.

Monicka Amarilys, la voix à suivre.


Venue en 2015, à la médiathèque, dans le cadre d’un kiosque, avec un quatuor de musiciens, dont Gladys N’toumi, pianiste et compagne du contrebassiste-compositeur-directeur de Brass Band, Hubert Dupont, la chanteuse Monicka Amarilys, avait régalé le public présent par son phrasé limpide et sa voix très à l’aise sur des ambiances suaves telles que « Your love is king » de Sade, « Va savoir » de Liane Foly ou « Summertime » de Ella Fitzgerald.

Ce sont ces titres et cette ambiance, très agréable et cosy, digne d’un jazz-club, que l’on retrouve sur « Volume 1 ». Si l’orchestration fait parfois défaut comme sur « So nice » ou le son du piano est très synthétique, presque comme un orgue Bontempi… (c’est dire!), fort heureusement, le reste des titres, 14 au total, est de très bonne qualité et laisse à l’auditeur le plaisir de découvrir cette voix singulière, suave, mélancolique parfois, qu’est celle de Monicka.

« Volume 1 » est donc un album de reprises de chansons qui ont été soit des standards de jazz (« Summertime » ; « Cry me a river »), des succès pop (« Your love is king » de Sade ; « I don’t know » de Noa ; Baby Can I hold you de Tracy Chapman) ou de la bossa nova ( l’inévitable « Girl from Ipanema » chère à Antonio Carlos Jobim), sans oublier quelques chansons du répertoire français (« Va savoir » et « Au fur et à mesure » de Liane Foly » ; le très chaloupé « Jardin d’hiver » de Henri Salvador ; « Que reste-t-il de nos amours »de Charles Trenet).

Il s’écoute très agréablement et par ces temps de grosses chaleurs, convient parfaitement pour démarrer en douceur une soirée, à l’heure où le soleil se fait moins fort, à l’heure de l’apéro ou en fin de soirée, après un excellent repas… A vous de choisir!

Si Monicka se produit près de chez vous, n’hésitez pas, allez l’écouter. Vous passerez un joli moment!

J’attends le « Volume 2 » avec curiosité.

Guillaume.

« Awake » vous tiendra éveillé


L’album « As we fall » du groupe Awake fait partie du label participatif JazzandPeople, et c’est une pure merveille. Beaucoup de douceur. Perfection et pureté des orchestrations. Des musiciens dans une parfaite synergie, c’est ce qui se dégage de ce quintet, qui s’est forgé sur les scènes parisiennes notamment au Baiser Salé. Chacun pourra apprécier les solos-impros des artistes mais soutenus par chacun des membres du groupe dans une incroyable harmonie.
On retrouve Romain Cuoq (saxophoniste), Anthony Jambon (guitare), Léo Montana (piano), Florent Nisse (contrebassiste), Nicolas Charlier (batteur), et la participation d’Émile Parisien (saxophoniste), membre du collectif lors du premier album.
« La musique de ce nouvel album se veut dans la lignée du précédent, guidée par la mélodie et le son de groupe que l’on a essayé d’emmener encore un peu plus loin, des couleurs que l’on espère personnelles mais puisées dans les chansons, le folk ou le classique. « As We Fall », comme une invitation à se perdre, à une rêverie éveillée. » — Romain Cuoq & Anthony Jambon
De quoi faire de beaux rêves. Bonne écoute !

Carine

Gogo Penguin, un trio mancunien sans fioritures


Souvenez-vous… Il n’y a pas si longtemps(le 28 mars dernier), je vous parlais d’un jeune groupe de jazz originaire de Manchester, le trio Gogo Penguin, venu le 31 mars dernier à Fontenay-sous-Bois. Ce groupe est pour moi l’une des révélations de l’année (certes pas encore terminée, puisque nous n’en sommes qu’au milieu, à l’été…). C’est pourquoi je m’y remets, décidant d’évoquer  « Man Made Object » (2016).

Ce qui frappe d’entré à l’écoute de nouvel opus du trio mancunien, c’est l’aspect très élaboré de leur musique, qui laisse pourtant libre cours à l’expression de chacun des musiciens, le tout nous offrant un univers épuré, presque froid, mais tellement riche en même temps de par la complexité de l’interaction des instruments. En 10 morceaux, de « All Res » au final  » Protest », « Man made object » est un album sublime, dépouillé, qui vous embarque instantanément, qui vous emmène dans un ailleurs-land où l’ons’imagine aisément marcher dans les landes irlandaises ou écossaises, dans le grand nord arctique, ou dans les déserts du Sahara marocain ou du Tchad, autant de paysages sauvages, déserts, silencieux…propres à la méditation, au questionnement sur ce qui est l’Essentiel. Cet essentiel, ce fil ténu, cette quête d’une perfection musicale, Gogo Penguin s’y attache tranquillement, et le résultat est un album, le 3 ème seulement de leur jeune carrière, déjà rempli de maitrise!

Sur ce remarquable album, mes morceaux préférés sont les suivants :  » Unspeakable world« , « Weird Cat« , « Smarra« .

Ne passez pas à côtés de ce trio! Le voyage musical vaut le détour! Je suis déjà impatient de découvrir leur prochain album.

Guillaume.

 

US3, La main (toujours) sur la torche !


En 1993 paraissait un album que certains ont peut-être eu le plaisir de découvrir à l’époque … « Hand on the Torch » par le groupe US3.

Fondé en 1991  à Londres, ce groupe va dès le début (sur l’album « And the Band played Boogie ») s’appliquer à sampler (n’est-ce pas Laurent! :-)) des titres de jazz d’artistes figurant au catalogue du célèbre label Jazz Blue Note, pour les mélanger à des rythmiques rap. Du coup, Blue Note les signe en échange d’absence de poursuites judiciaires. US3 plonge alors avec délectation dans les archives de l’immense catalogue du Label.

« Hand on the Torch » sort donc en 1993. 20 ans plus tard, l’album ressort, toujours sur le catalogue Blue Note. Le groupe se tourne résolument vers un mélange de jazz (reprise de « Cantaloup Island » de Herbie Hancock, mais aussi de morceaux de Charlie Parker, Thelonious Monk, Horace Silver entre autres) et de rap. Tous les samples utilisés par US3 sur ce double album sont issus de sessions sur lesquelles a travaillé Alfred Lion, cofondateur et producteur du label Blue Note. Les amateurs de rap (Laurent 🙂 ) y trouveront les guests tels que Tukka Yoot, Kobie Powell, Rahsaan.

L’ensemble offre un éventail savoureux et inventif allant donc du jazz pur, au rap en passant par des ambiances ragga-reggae. Rien de mieux en ces temps de chaleur pour ambiancer les journées, et les soirées barbecue.

« Hand on the Torch », album rempli de pépites, à faire tourner sans modération !!!!

Guillaume.

 

Cuarteto Lunares, Tango dans la peau.


Quand on pense à l’Argentine, le mot qui vient immédiatement derrière est Tango. Comme la Salsa à Cuba, ou la Samba au Brésil. Le Blues aux Etats-Unis.

Le tango, musique autant que danse, qui est un langage musical et corporel dans lequel tous les argentins se reconnaissent, puisque cela fait partie de leur culture, de leur histoire. L’Argentine, qui a vécu des heures sombres de dictature, de 1966 à 1973 puis de nouveau entre 1976 et 1983, ne s’est jamais départi de ce fondement-là. Le tango, c’est l’équivalent par moment du blues, et en ce temps-là une musique de résistance, un acte fort face à ce pouvoir qui étranglait l’Argentine. Mais c’est aussi une musique qui peut parfois être joyeuse, festive, accompagnant mariages, naissances, ou plus tristement, accompagner une cérémonie funéraire. Cuarteto Lunares, composé de 3 filles et d’un garçon (Aurélie Gallois, violon, orchestration ; Carmela Delgado, bandoneon ; Gersende Perini, violoncelle ; Lucas Eubel Frontini, contrebasse). Cet attelage instrumental novateur de par sa composition fonctionne très bien, laissant la place à chaque instrumentiste pour s’exprimer.  « A horas truncas » est un disque qui fait le lien entre le tango d’hier tel que révélé par Carlos Gardel, Astor Piazzolla, et des formes musicales telles que le Jazz, la musique classique et le candombe, qui bien qu’issu du Paraguay, trouve aussi sa place dans la culture argentine.

Tous les sentiments humains y sont représentés, mêlés, joués, avec talent et sans jamais tomber dans la facilité.

Un disque à découvrir pour les néophytes comme pour les amateurs du genre.

Guillaume.